Que signifie un employé médiocre ? "Vous n'êtes pas obligé de supporter des relations médiocres."

L’art du portrait trouve son origine dans l’Antiquité. Mais le chemin vers un portrait réaliste a été très long.

Dans les beaux-arts, un portrait est l’image d’une personne ou d’un groupe de personnes. À travers l’apparence extérieure d’une personne, le portrait montre aussi son monde intérieur.

À propos du terme

Le mot « portrait » dans la culture européenne signifiait à l’origine « reproduction picturale » de tout objet, y compris un animal. Et seulement au XVIIe siècle. André Félibien, historien de l'art français et historien officiel de la cour du roi Louis XIV, a proposé que le terme « portrait » soit utilisé exclusivement pour « la représentation d'un être humain (spécifique) ».
Les images des visages de Jésus-Christ, de la Mère de Dieu et des saints ne sont pas des portraits - elles n'ont pas été peintes par une personne en particulier, ce ne sont que des images généralisées. L'exception concerne les portraits de saints modernes créés de leur vivant.

L'histoire du développement du genre du portrait

Les premiers exemples de portraits remontent à la sculpture égyptienne antique. Mais nous parlerons de sculpture dans un article séparé.

Le portrait médiéval était en grande partie dépourvu de personnalisation, bien que les fresques et les mosaïques des églises byzantines, russes et autres se caractérisent par une définition physionomique et une spiritualité claires : les artistes donnent peu à peu aux saints les traits du visage de personnes réelles.
A partir des X-XII siècles. le portrait en Europe occidentale commence à se développer plus intensément : il est conservé dans les pierres tombales, sur les pièces de monnaie et dans les miniatures de livres. Ses modèles sont principalement des personnes nobles - les dirigeants et les membres de leurs familles, leur suite.
Peu à peu, le portrait commence à pénétrer dans la peinture de chevalet. L'un des premiers exemples de portrait sur chevalet de cette période est le « Portrait de Jean le Bon », le deuxième roi de France.

Artiste inconnu. "Portrait de Jean le Bon" (vers 1349)
Quant au genre du portrait en Orient, la situation y était plus favorable : les portraits survivants remontent à 1000 après JC, et le portrait chinois médiéval se distingue généralement par une grande spécificité.

Artiste inconnu. "Portrait du moine bouddhiste Wuzhong Shifan" (1238)
Ce portrait étonne non seulement par sa capacité à représenter les caractéristiques individuelles de l’apparence du personnage, mais également par sa capacité à transmettre le monde intérieur d’une personne, son intellect.
Ancienne culture indienne péruvienne mochica(I-VIII siècles) fut l'une des rares civilisations anciennes du Nouveau Monde où existaient des portraits.

Développement du genre

Le genre du portrait connaît un épanouissement particulier à la Renaissance. C'est compréhensible : après tout, l'idéologie de l'époque a changé - l'homme est devenu une personne et la mesure de toutes choses, c'est pourquoi son image a reçu une signification particulière. Bien que les premiers portraits répétaient encore des images de pièces de monnaie et de médailles anciennes (images de profil).

Piero della Francesca "Portrait du duc Federigo Montefeltro" (1465-1466)
Au début de la Renaissance, il y a eu un « mouvement du profil vers le devant », qui indique la formation du genre du portrait européen. De plus, à cette époque, la technique de la peinture à l'huile est née - le portrait est devenu plus subtil et psychologique.
Dans l'art du portrait des maîtres de la Haute Renaissance (Léonard de Vinci, Raphaël, Giorgione, Titien, Tintoret), le genre connaît un développement encore plus grand. Les images de portraits expriment clairement l’intelligence, la dignité humaine, un sentiment de liberté et d’harmonie spirituelle.
Le portrait le plus célèbre au monde de cette période est La Joconde de Léonard de Vinci.

Léonard de Vinci "Mona Lisa" (1503-1519). Persienne (Paris)
Les portraitistes allemands célèbres de cette période sont A. Durer et Hans Holbein Jr.

Albrecht Dürer "Autoportrait" (1500)
À l’époque du maniérisme (XVIe siècle), des formes de portraits de groupe et historiques émergent. Un célèbre portraitiste de cette époque était l'artiste espagnol d'origine grecque, El Greco.

El Greco "Les Apôtres Pierre et Paul" (1592). Musée de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg)
Au 17ème siècle Les plus hautes réalisations en matière de portrait appartiennent aux Pays-Bas. La vision du monde du portrait de cette époque était remplie d'un contenu différent de celui de la Renaissance : la vision de la réalité n'était plus harmonieuse, le monde intérieur d'une personne devenait plus compliqué. La démocratisation du portrait est en cours - ceci est particulièrement visible en Hollande. Des personnes de différentes couches sociales et tranches d'âge apparaissent sur les toiles.

Rembrandt "La leçon d'anatomie du docteur Tulp" (1632)
Le nombre de portraits commandés augmente. Les artistes (Diego Velazquez, Hals) commencent à créer des portraits de types de personnes parmi le peuple. La forme de l'autoportrait se développe (Rembrandt, son élève Carel Fabritius, Anthony van Dyck, Nicolas Poussin). Des portraits de cérémonie sont réalisés, ainsi que des portraits de famille.

Rembrandt "Saskia au chapeau rouge" (1633-1634)
Les plus grands portraitistes flamands étaient Peter Paul Rubens et Anthony van Dyck, et les Néerlandais étaient Rembrandt et Franz Hals. L'artiste espagnol de cette époque, Diego Velazquez, est considéré comme l'un des plus grands portraitistes de toute l'histoire du genre. Il y a un sens évident d’art et de complétude psychologique dans les portraits de Velazquez.

D. Velazquez «Autoportrait» (1656)
Au début du XVIIIe siècle. le portrait en tant que genre est dégradant. Cela est particulièrement vrai pour les portraits réalistes. Pourquoi est-ce arrivé ?
De plus en plus, les portraits ont commencé à être peints sur commande. Qui sont les clients ? Bien sûr, pas les pauvres. Aristocrates et bourgeois n'exigeaient qu'une chose de l'artiste : la flatterie. Par conséquent, les portraits de cette époque sont généralement écoeurants, sans vie et théâtraux. Les portraits cérémoniaux des puissants deviennent la norme du genre du portrait, d'où son déclin.

G. Rigaud « Portrait de Louis XIV » (1701)
Mais le déclin du genre ne signifie pas pour autant sa destruction complète. Le siècle des Lumières contribue au retour du portrait réaliste et psychologique. Les œuvres tardives d'Antoine Watteau, les portraits « de genre » simples et sincères de Chardin, les portraits de Fragonard et l'artiste anglais W. Hogarth ouvrent une nouvelle page dans le genre du portrait. En Espagne, Goya commence à travailler dans ce genre. Des peintres de classe mondiale sont apparus en Russie - D. Levitsky et V. Borovikovsky.
Les portraits miniatures se généralisent.

D. Evreinov « Portrait du comte A. S. Stroganov ». Émail. 8,2 × 7 cm, ovale. 1806. Etat de l'Ermitage (Saint-Pétersbourg)
Le classicisme, qui domine au XIXe siècle, rend le portrait plus strict, perdant le faste et la douceur du XVIIIe siècle.
Le phénomène le plus notable de ce genre fut l'artiste Jacques Louis David.

J. L. David "Napoléon au col du Saint-Bernard" (1800)
L'ère du romantisme a introduit une ligne critique dans le portrait. L'Espagnol Goya est considéré comme un maître exceptionnel de cette période, qui a créé le groupe « Portrait de la famille de Charles IV ». Cette œuvre a été commandée à titre de portrait cérémonial, mais reflète finalement la laideur de la dynastie régnante.

F. Goya « Portrait de la famille de Charles IV »
La technique de peinture de ce portrait est excellente, mais Goya a fondamentalement abandonné tout ce qui avait été créé dans le portrait de groupe cérémonial devant lui. Il plaça les représentants de la famille royale en rangée, et les figures du corpulent roi Carlos et de sa vilaine épouse Marie-Louise devinrent le centre.
Une description psychologique précise de chaque personnage est donnée. Les images sont authentiques, écrites à la limite du grotesque et de la caricature. C'est un véritable portrait de la royauté. Le romancier français Théophile Gautier disait ceci à propos des personnages principaux de ce portrait : ils ressemblent à « un boulanger et sa femme qui ont reçu un gros gain à la loterie ».
Dans le portrait, il n'y a pas la moindre volonté d'embellir la reine Marie-Louise. Et seuls les enfants du tableau de Goya sont beaux - la sympathie de Goya pour les enfants est restée inchangée.
Les portraitistes russes Orest Kiprensky, Karl Bryullov et Vasily Tropinin se sont déclarés haut et fort. Il y a un article séparé à leur sujet.
Parmi les maîtres de cette période, J.O.D. Ingénieur. Le nom du Français Honoré Daumier est associé à l'émergence des premiers exemples significatifs de portrait satirique en graphisme et en sculpture.
Du milieu du 19ème siècle. un portrait du réalisme apparaît. Elle se caractérise par un intérêt pour les caractéristiques sociales de la personne représentée, les caractéristiques psychologiques. En Russie, les Peredvizhniki découvrent de nouvelles possibilités dans la peinture, notamment dans le portrait.

Ivan Kramskoy « Portrait de l'artiste I.I. Chichkine" (1873)
Cette époque marque la naissance de la photographie ; le portrait photographique devient un sérieux concurrent du portrait pictural, mais l'incite en même temps à rechercher de nouvelles formes inaccessibles à l'art photographique.
Les impressionnistes ont introduit un nouveau concept dans le genre du portrait : le rejet de la vraisemblance maximale (qu’ils ont laissée au portrait photographique), mais l’accent mis sur la variabilité de l’apparence d’une personne et de son comportement dans un environnement changeant.

K. Korovine « Portrait de Chaliapine » (1911)
Paul Cézanne a cherché à exprimer dans un portrait certaines propriétés stables du modèle, et Vincent van Gogh, à travers un portrait, a tenté de refléter les problèmes de la vie morale et spirituelle de l'homme moderne.
Fin 19ème et début 20ème siècles. De style Art Nouveau dominé dans l'art, le portrait de cette époque devient laconique et souvent grotesque (chez Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, etc.).

Toulouse-Lautrec "Jeanne Avril" (1893)
Au 20ème siècle le portrait est à nouveau en déclin. Sur la base du modernisme naissent des œuvres qui sont nominalement considérées comme un portrait, mais qui n'en ont pas les qualités. Ils s'éloignent délibérément de l'apparence réelle du modèle et réduisent son image à des conventions. On pense que la photographie représente la précision et que l'artiste doit montrer l'originalité et le caractère unique du personnage représenté. Eh bien, quelque chose comme ça.

Juan Gris "Portrait de Picasso" (1912)
Parmi les portraitistes du XXe siècle travaillant dans le genre du portrait réaliste, on peut citer les artistes américains Robert Henry et George Bellows, Renato Guttuso (Italie), Hans Erni (Suisse), Diego Rivera et Siqueiros (Mexique), etc. Mais l'intérêt pour le portrait dans 1940-1950 Dans l’ensemble, l’intérêt pour l’art abstrait et non figuratif diminue.

Le portrait en peinture est une forme de représentation de la forme humaine dans laquelle le visage est la partie centrale de l'image. Traditionnellement, le visage et les épaules ou une personne en pied sont représentés. Il en existe plusieurs variétés : traditionnelle, de groupe ou autoportrait. Un portrait est spécialement peint pour montrer le caractère et les caractéristiques uniques d’une personne.

Histoire du développement

Parmi les grands peintres du portrait figurent les maîtres anciens de la Renaissance italienne : Léonard de Vinci, Michel-Ange, Bronzino, Raphaël, Titien. Au nord des Alpes, en Allemagne et en Flandre, Jan van Eyck, représentant de la peinture hollandaise, et les portraitistes allemands Lucas Cranach l'Ancien et Hans Holbein le Jeune ont travaillé.

Les œuvres ultérieures appartiennent aux pinceaux de Rembrandt, Anthony Van Dyck, Velazquez et Thomas Gainsborough. Les peintures des styles romantique, classique et abstrait du XIXe au début du XXe siècle sont représentées par les œuvres de Géricault, Manet, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Auerbach, Modigliani. La plus grande collection de portraits est présentée à la National Portrait Gallery de Londres - environ 200 000 peintures.

Les temps anciens

Le genre du portrait était considéré comme un art public ou privé réservé à une élite. Dans les anciennes civilisations méditerranéennes d’Égypte, de Grèce, de Rome et de Byzance, l’art était associé aux rites funéraires, au culte des dieux ou à une forme d’affichage de la grandeur d’un dirigeant. Le genre existait sous forme de sculptures et de fresques. Des commandes privées étaient exécutées pour les familles royales de Mésopotamie, d'Égypte et de Grèce. L'art du portrait était public, destiné à la décoration des lieux publics, reflétant les valeurs morales et religieuses.

Exemples de portraits de l'Egypte ancienne : sculpture de Mikerin, Akhénaton et sa fille, buste de Néfertiti. Sculptures grecques : buste en marbre de Socrate, nombreux bustes, reliefs et statues de dieux grecs d'Aphrodite à Zeus. Des images ont été peintes sur les murs, même si aucune n’a survécu complètement intacte. Une exception est la série de portraits du Fayoum près du Caire en Égypte.
L’art romain reposait sur des nécessités politiques pratiques. Les bustes de chaque empereur, de Jules César à Constantin, étaient exposés dans les lieux publics de tout l'empire pour honorer le pouvoir.

Art du Moyen Âge et de la Renaissance

Avec le début de l’âge sombre du Moyen Âge, le genre du portrait a perdu de son influence. La peinture répondait aux besoins de l'Église : des fresques étaient représentées sur les murs des églises, peintes dans des livres, sous forme de miniatures et des manuscrits évangéliques illustrés.

Le seul philanthrope majeur pendant la majeure partie de l’époque médiévale était l’Église. Exemples d'œuvres de cette période : icônes du monastère Sainte-Catherine, portraits d'évangélistes et d'apôtres dans des manuscrits chrétiens celtiques. Aux périodes romane et gothique jusqu'au XIVe siècle, le genre étend son influence aux vitraux (cathédrale de Chartres et cathédrale Notre-Dame de Paris).

Le style de peinture byzantin, qui a dominé la période de 450 à 1400, n'est pas compatible avec les normes de l'art de la peinture. Les artistes pensaient que les qualités spirituelles et humaines d'une figure étaient plus importantes et que l'image d'une personne devait être véhiculée symboliquement. Les premières œuvres réalistes appartiennent à Giotto.

Des représentants de la Renaissance néerlandaise et allemande, dont Jan van Eyck, Roger Van Der Weyden, Lucas Cranach et Hans Holbein, ont travaillé à l'huile et ont créé des représentations réalistes d'humains.
Vers 1500, les portraits de femmes et d’hommes étaient devenus l’un des principaux genres de la peinture.

L'art de la Renaissance s'est manifesté dans de nouvelles idées de peinture :

• perspective linéaire,
• la lumière et l'ombre,
• humanisme,
• transmission d'images volumétriques.

La conséquence de l'émergence d'idées est une amélioration de la qualité de la peinture. Mais l'Église conservait son pouvoir sur les beaux-arts.

Au 16ème siècle

Au XVIe siècle, une hiérarchie des genres picturaux s'est développée en fonction du sujet :

1. Historique, religieux;
2. Portraits ;
3. Ménage;
4. Paysage;
5. Natures mortes.

Les artistes ont cherché à accroître l'autorité du genre. Le début de la Réforme, puis de la Contre-Réforme, font de la peinture un instrument d’influence politique et idéologique. Aux XVIe et XVIIe siècles, les portraits les plus représentatifs sont les images des rois des États européens.

Aux XVIIIe et XIXe siècles

Le genre des beaux-arts a considérablement gagné en influence au cours des XVIIIe et XIXe siècles. Cela était dû à plusieurs facteurs : l'utilisation universelle de l'huile et de la toile ; une augmentation des volumes commerciaux, qui ont formé un groupe important de riches marchands et propriétaires fonciers ; utiliser les œuvres comme moyen d’enregistrer l’apparence visuelle des personnes et des familles. Les portraits d'enfants sont populaires. Un portrait au XIXe siècle est une photo pour une personne moderne. Le développement du genre a été stoppé par l’invention de la caméra.

Les meilleurs portraitistes des XVIIIe et XIXe siècles étaient Angelika Kaufman et Elisabeth Vigée-Lebrun - les premières artistes brillantes de l'histoire de la peinture.

Le genre du portrait romantique féminin et masculin, devenu très populaire dans l'Angleterre du XIXe siècle, est illustré par les peintures de Sir Edwin Landseer - son œuvre est l'un des chefs-d'œuvre les plus frappants des beaux-arts de l'époque victorienne.

Au 20ème siècle

Le XXe siècle a été une époque d’effondrement de la hiérarchie classique des genres, alors que de nouvelles manières d’afficher la réalité, de nouveaux thèmes et de nouvelles problématiques émergeaient.

Après une série d’œuvres de style expressionniste, les progrès de la photographie, du cinéma et de la vidéo font du portrait un anachronisme inutile.

L'exception concerne les œuvres célèbres de Picasso, comme le portrait de femme de Gertrude Stein.
Les événements d'après-guerre, l'influence de l'informatique, des médias, le progrès scientifique, de nouveaux matériaux pour le travail des peintres apparaissent - beaux-arts avec l'acrylique, sérigraphie, créativité avec la peinture aluminium, collage, types de peinture mixtes. La tendance à redonner aux portraits féminins et masculins la place qui leur revient dans la hiérarchie des genres est illustrée dans les peintures pop art d'Andy Warhol, dont les images imprimées d'Elvis Presley, Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Elizabeth Taylor et Mao Tse-toung sont devenues le modèle de développement du genre dans la seconde moitié du XXe siècle.

La dernière innovation dans le développement du genre est l'hyperréalisme, dans lequel travaillent des artistes américains et européens. Le but du style est de créer une nouvelle réalité qui ressemblera complètement au monde qui l'entoure, sera une copie d'une photographie d'un endroit inexistant sur la planète.

Types de portraits

Religieux

Commun au Moyen Âge dans l’art occidental. Comprend des images de dieux d'anciennes religions polythéistes et de héros bibliques. Exemples de peintures : Retable de Gand de Jan van Eyck, Lamentation du Christ mort de Mantegna, Madone Sixtine de Raphaël, Vénus d'Urbino de Titien.

Historique

Images de grands dirigeants, rois, généraux, artistes. « Le pape Léon X avec les cardinaux » de Raphaël, images de dirigeants romains et égyptiens antiques, « Thomas Cromwell » de Hans Holbein, « Portrait du pape Innocent X » de Velazquez. Dans le cadre de la vision historique, un portrait politique, enfantin et masculin se développe.

Images de célébrités

Les œuvres des artistes dans ce type de portrait couvrent une large période. Au centre de la toile se trouvaient des chanteurs, des acteurs et des écrivains. Au sein de ce type, la caricature existe comme une forme d’art du portrait.

Nu

Développé de l’Antiquité aux temps modernes. Œuvres célèbres : portraits féminins « Vénus endormie » de Giorgione, « Vénus d'Urbino » de Titien.

Portraits personnalisés

Les œuvres commandées par des personnages célèbres - nobles, dirigeants, pour se perpétuer dans l'histoire, les portraits d'enfants sont populaires. Ce type d’art sur chevalet a prospéré pendant la haute Renaissance italienne.

Le sens du genre

Le genre des beaux-arts continue de se développer et renaît sous diverses formes, grâce aux technologies modernes. Malgré la popularité et la disponibilité des caméras, le genre en question n'a pas perdu de sa pertinence.

Le portrait est un sujet très vaste ; le genre du portrait, dans une rétrospection historique, est la manifestation la plus ancienne et la plus significative de l'art. Déjà les premières peintures rupestres de l'homme primitif, qui sont des silhouettes d'ombre d'un profil, peuvent être considérées comme des portraits de l'époque. Et les « portraits du Fayoum », portraits funéraires créés aux Ier-IIIe siècles en Égypte et perpétuant la tradition locale des masques mortuaires sur momies, modifiés sous l'influence gréco-romaine, étonnent l'imaginaire par leur expressivité et leur réalisme.

Les premiers portraits du Fayoum étaient réalisés selon la technique de l'encaustique (peinture à la cire avec des peintures fondues) avec une utilisation abondante de feuilles d'or sur un support en bois. Plus tard, ils ont commencé à utiliser des techniques de toile apprêtée et de détrempe, en utilisant du jaune d'œuf ou de la colle animale.

A partir de ces masques funéraires (et plus de 900 d'entre eux ont été découverts dans différents endroits), nous pouvons juger à quoi ressemblaient les gens de cette époque, à quoi ressemblait la mode, ce qu'ils portaient, quelles coiffures et quels bijoux ils portaient...
L'étape suivante dans le développement de la peinture de portrait fut le début du Moyen Âge, lorsque l'artiste était contraint par des règles religieuses strictes et des canons ecclésiastiques farfelus. La peinture en tant que telle se limitait aux sujets religieux et aux images de toutes sortes de saints. L'art médiéval ne connaissait pas de portrait au sens moderne de ce concept ; les artistes ne poursuivaient pas l'objectif de créer une ressemblance vivante avec l'image de l'original. Le monde matériel avec ses formes individuelles n'avait aucune importance et restait juste un reflet, une ombre du monde spirituel, c'est pourquoi la forme artistique peut être définie comme un « portrait symbolique » dans l'iconographie et la sculpture.

L'origine du véritable genre du portrait en peinture se produit à la fin de la période gothique grâce à l'éveil spirituel de l'Europe, atteignant son apogée à l'époque appelée la Renaissance du Nord (nous parlerons de cette période séparément plus tard).
Peu à peu, les artistes ont commencé à donner aux saints les traits du visage de personnes réelles, parfois même en utilisant des autoportraits.

Cette période et ce style de peinture sont généralement appelés la « Proto-Renaissance » (Ducento et Trecento - 1200-1300), née en Italie, dont les représentants étaient des artistes tels que Tomaso da Modena, Simone Martini, Tadeo di Bartotlo, mais son plus son célèbre représentant est considéré comme Giotto di Bondone (1266-1337).

Giotto peut être appelé le fondateur de l'école de peinture italienne, qui a réussi à surmonter le style iconographique, à utiliser l'espace tridimensionnel, le clair-obscur et l'illusion de profondeur. Le fondateur de la critique d'art moderne et artiste Giorgio Vasari (1511 - 1574) écrivait à propos de Giotto : « Et le plus grand miracle fut vraiment que cette époque, à la fois grossière et incompétente, eut le pouvoir de se manifester à travers Giotto avec une telle sagesse que le dessin dont il est question les gens n'en avaient que peu ou pas du tout la moindre idée, grâce à lui je suis pleinement revenu à la vie."

"L'intérêt de Giotto pour les effets spatiaux et optiques complexes a changé l'histoire de la peinture plus que n'importe laquelle des acquisitions picturales de ses contemporains."
On peut dire qu'il fut le précurseur de l'essor de la peinture italienne en général et du portrait en particulier, qui s'exprimait déjà au début de la Renaissance (Quattrocento : 1420-1500). Durant cette période, Ghirlandaio, Gozzoli, Cosimo Roselli, Mantegna, Baldovinetti, Filippino Lippi, Perugino, Piero della Francesca et Masaccio créent leurs chefs-d'œuvre. Le portrait réaliste, né à la Renaissance, doit son apparition à l'émergence de la philosophie humaniste, à la reconnaissance de la valeur du monde intérieur d'un individu et à la diffusion de la peinture de chevalet. Le portrait gagne très vite en popularité auprès de la cour, où il devient un moyen de glorifier les souverains et les proches de la cour, les grands personnages de la campagne ou de la ville.

Durant cette période, on peut souvent constater la pénétration des portraits dans la peinture monumentale sur un thème religieux comme un portrait « caché », où divers personnages célèbres étaient représentés à l'image de saints et de personnages bibliques, par exemple, dans des portraits « de donateurs » un peut voir les visages des donateurs (donateurs - clients d'œuvres d'art ou de structures architecturales) qui voulaient être capturés en souvenir de leurs bonnes actions, ils étaient généralement représentés à genoux et en prière, le plus souvent - strictement de profil.

En règle générale, les images de portraits étaient situées sur les bords d'un tableau ou d'une fresque, et leurs prototypes étaient des contemporains éminents, des proches des dirigeants ou les artistes eux-mêmes, comme dans ce portrait de Masaccio.

Peu à peu, le portrait d'après nature est introduit dans la méthode « Renaissance », et grâce à la similitude avec l'original, l'individualité de l'image dans une œuvre sur un thème religieux se manifeste de plus en plus. Savonarole (moine et réformateur italien de 1494-1498) dans un sermon reprochait aux artistes de représenter les saints dans les églises avec des visages de personnes réelles, et les jeunes, les voyant dans les rues, disaient : « celle-ci est Madeleine, celle-là est San .» Giovanni, celle-là, c'est la Vierge Marie.

Parfois, comme dans le tableau de Benozzo Gozzoli dans la Chapelle des Mages du Palais Médicis, on peut voir une habileté dans le rendu naturaliste du visage, puisque chaque tête de cette fresque correspond à l'un des membres de la famille Médicis.

Une autre innovation importante dans le portrait sur chevalet était l'apparition de fonds de paysage ou d'intérieur, par opposition aux portraits antérieurs sur un fond monochrome, généralement noir. Cette technique était particulièrement prononcée à la Haute Renaissance, mais fut utilisée pour la première fois au début de la Renaissance.

Parallèlement à l'apparition d'un arrière-plan pittoresque, la position de la figure ou du visage change également - l'image de profil habituelle cède de plus en plus la place à une position demi-tour et complètement frontale, avec un regard dirigé au loin ou vers le spectateur.

La période du début de la Renaissance est essentielle au développement du portrait, bien que les portraits de la Haute Renaissance soient considérés comme une période plus importante dans le développement du portrait européen. « Plus tard, l'image du portrait sera plus riche, plus complexe et subtile, aura plus de caractère poignant et dramatique, mais il lui manquera le sentiment joyeux et fort de la première découverte de la valeur de la personnalité humaine, l'expression en elle de l'harmonie sereine. du principe individuel et des traits typiques. (Grashchenkov V.N.). Portrait dans la peinture italienne du début de la Renaissance.)

Slides et texte de cette présentation

LE GENRE DU PORTRAIT DANS LA CULTURE DE DIFFÉRENTES ÉPOQUES

La présentation a été préparée par les élèves de 8e année - Anna Bakaneva et Liliya Prokopchuk

L'histoire du portrait est l'évolution du développement du genre du portrait depuis l'Antiquité jusqu'à nos jours. Les premiers exemples de portraits sont sculpturaux et remontent à l'Egypte ancienne. Cela a été suivi par l'épanouissement du portrait dans la période de l'Antiquité, le déclin du genre au Moyen Âge, de nouvelles découvertes, l'essor et la transition vers la technique de la peinture sur chevalet à la Renaissance, puis un développement ultérieur au cours des siècles suivants.
La plus ancienne tentative connue de représenter un visage humain remonte à 27 mille ans. Il a été découvert dans la grotte Vilioner près de la ville d'Angoulême. Le « portrait » a été réalisé à la craie sur des protubérances naturelles du mur, en forme de visage. Des lignes horizontales des yeux et de la bouche ainsi qu'une bande verticale indiquant le nez sont dessinées. Peintures de l'Egypte ancienne.

Orient ancien

L'origine de l'art du portrait remonte à l'Antiquité. Les premiers exemples significatifs de portraits se trouvent dans la sculpture orientale ancienne, principalement égyptienne.
Le but du portrait dans l'art égyptien était déterminé par des tâches cultuelles, religieuses et magiques. Il était nécessaire de « dupliquer » le modèle (c'est-à-dire que le portrait était un double du défunt dans l'au-delà). Statue d'un couple marié.
Rahotep et Nofret

Grèce antique

Pendant longtemps, les portraits au sens strict du terme n’existaient pas chez les Grecs anciens. Ils avaient l'habitude de récompenser les vainqueurs des jeux sportifs en plaçant leurs statues dans des lieux publics, mais il s'agissait de figures idéales d'athlètes qui ne les représentaient qu'en termes généraux.
Seulement au 5ème siècle avant JC. e. Pour la première fois, de véritables portraits d'hermès (un pilier tétraédrique surmonté d'une tête sculptée) et des statues apparaissent chez les Grecs, notamment parmi les œuvres de Démétrius d'Alopek, qui vécut à l'époque de Périclès.
La direction réaliste a finalement été établie dans la sculpture de portraits dans l'art hellénistique - sous Alexandre le Grand.
Les portraits hellénistiques transmettent d’une manière incomparablement plus individualisée non seulement les caractéristiques de l’apparence extérieure, mais aussi diverses nuances de l’expérience émotionnelle du modèle.

Rome antique

De la Grèce, l'art du portrait est passé aux Romains, qui ont ajouté un nouveau type aux types précédents de portraits en plastique (statues et hermès), le buste.
Le développement du portrait romain antique était associé à un intérêt accru pour l’individu.
La base de la structure artistique de nombreux portraits romains antiques est un transfert clair et scrupuleux des caractéristiques uniques du modèle tout en préservant l'unité de l'individu et du typique.
Parallèlement aux portraits de bustes et de statues, les portraits sur pièces de monnaie, camées, etc., ainsi que les portraits en partie picturaux, se sont répandus. L'art de la monnaie était si développé que les chercheurs modernes reconnaissent des têtes de marbre sans nom grâce aux profils des pièces de monnaie.

Portrait médiéval

Les empires byzantin et romain d’Occident n’héritent pas du portrait romain réaliste.
La culture médiévale était axée sur la lutte contre les tendances matérialistes élémentaires, ce qui a laissé une empreinte particulière sur le développement du portrait. L'artiste médiéval, limité par les canons stricts de l'église, se tournait rarement vers les portraits.
Au Moyen Âge, les portraits réalistes et naturalistes sont très rares.

Portrait Renaissance

Le tournant de l’art du portrait, qui revient sur le devant de la scène, se produit à la Renaissance. Cela était associé à un changement dans l’idéologie de l’époque.
Les premiers portraits étaient basés sur des pièces de monnaie et des médailles anciennes et représentent donc souvent le modèle de profil.
Un élément important du développement du portrait est l'émergence de la technique de la peinture à l'huile, qui a permis à la lettre de devenir plus subtile et psychologique.

"L'homme en bleu, portrait de Ludovico Ariosto"

Albrecht Dürer, "Autoportrait"

portrait du XVIIIe siècle

Le type de portrait courtois-aristocratique qui fleurissait à la cour de Louis devint prédominant. Pour l'Europe, un modèle d'art officiel se crée : des portraits cérémoniaux et mythifiés, où le premier rôle est donné à l'élégance décorative du modèle. Des « visages de poupées » apparaissent.
L'art du portrait de cour des années 30-50 du XVIIIe siècle, répondant aux goûts de l'aristocratie, s'est donné pour tâche de créer une image extérieurement élégante, décorative et sensuelle d'un modèle de style rococo.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, les portraits réalisés avec des moyens moins chers (gravure, aquarelle, crayon) se généralisent. De plus, cette période a été marquée par l'épanouissement des portraits miniatures - une branche indépendante du genre du portrait « Catherine II en promenade dans le parc Tsarskoïe Selo ».

"Portrait de la duchesse d'Orléans en Hébé"

Le portrait et le dessin racontent l'histoire d'une personne, sa beauté, son caractère et ses aspirations. Un portraitiste s’occupe du caractère d’une personne, de son individualité complexe. Pour comprendre une personne, pour comprendre son essence par son apparence, il faut beaucoup d'expérience de vie et professionnelle. L'artiste doit avoir une connaissance approfondie de la personne représentée, en plus des traits individuels de la personne représentée. Il est important de transmettre les traits que son environnement professionnel lui impose.

Portrait(Portrait français - image) - un genre d'art représentant une personne ou un groupe de personnes. En plus de la ressemblance extérieure et individuelle, les artistes s'efforcent dans un portrait de transmettre le caractère d'une personne, son monde spirituel.

Il existe de nombreux types de portraits. Le genre du portrait comprend : le portrait en pied, le buste (en sculpture), le portrait en pied, le portrait de groupe, le portrait d'intérieur, le portrait sur fond de paysage. Selon la nature de l'image, on distingue deux groupes principaux : les portraits de cérémonie et de chambre. En règle générale, un portrait de cérémonie implique une image en pied d'une personne (à cheval, debout ou assise). Dans un portrait de chambre, une image à la taille, à la poitrine et aux épaules est utilisée. Dans un portrait de cérémonie, le personnage est généralement représenté sur un fond architectural ou paysager, et dans un portrait de chambre, plus souvent sur un fond neutre.

En fonction du nombre d'images sur une toile, en plus des portraits individuels habituels, il existe des portraits doubles et de groupe. Les portraits peints sur différentes toiles sont appelés paires s'ils sont cohérents dans leur composition, leur format et leur couleur. Il s'agit le plus souvent de portraits de conjoints. Les portraits forment souvent des ensembles entiers – des galeries de portraits.

Un portrait dans lequel une personne est présentée sous la forme d'un personnage allégorique, mythologique, historique, théâtral ou littéraire est appelé portrait costumé. Les titres de ces portraits incluent généralement les mots « sous la forme » ou « dans l'image » (par exemple, Catherine II sous la forme de Minerve).

Les portraits se distinguent également par leur taille, par exemple en miniature. Vous pouvez également mettre en valeur un autoportrait – la représentation de lui-même par l’artiste. Un portrait transmet non seulement les traits individuels de la personne représentée ou, comme disent les artistes, le modèle, mais reflète également l'époque à laquelle a vécu la personne représentée.

L'art du portrait remonte à plusieurs milliers d'années. Déjà dans l’Égypte ancienne, les sculpteurs créaient une représentation assez précise de l’apparence extérieure d’une personne. La statue a reçu une ressemblance avec un portrait afin qu'après la mort d'une personne, son âme puisse s'y installer et trouver facilement son propriétaire. Les portraits pittoresques du Fayoum, réalisés selon la technique de l'encaustique (peinture à la cire) aux Ier-IVe siècles, servaient également aux mêmes objectifs. Les portraits idéalisés de poètes, de philosophes et de personnalités publiques étaient courants dans la sculpture de la Grèce antique. Les bustes sculpturaux de la Rome antique se distinguaient par leur véracité et leurs caractéristiques psychologiques précises. Ils reflétaient le caractère et la personnalité d’une personne en particulier.

La représentation du visage d’une personne en sculpture ou en peinture a toujours attiré les artistes. Le genre du portrait a particulièrement prospéré à la Renaissance, lorsque la personnalité humaine humaniste et efficace était reconnue comme la valeur principale (Léonard de Vinci, Raphaël, Giorgione, Titien, Tintoret). Les maîtres de la Renaissance approfondissent le contenu des portraits, les dotant d'intelligence, d'harmonie spirituelle et parfois de drame interne.

Au 17ème siècle Dans la peinture européenne, c'est le portrait de chambre et intime qui prime, par opposition au portrait cérémonial, officiel et exaltant. Des maîtres exceptionnels de cette époque - Rembrandt, Van Rijn, F. Hals, Van Dyck, D. Velazquez - ont créé une galerie d'images merveilleuses de personnes simples et peu célèbres, découvrant en elles la plus grande richesse de gentillesse et d'humanité.

En Russie, le genre du portrait a commencé à se développer activement dès le début du XVIIIe siècle. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky ont créé une série de magnifiques portraits de personnes nobles. Les images féminines peintes par ces artistes étaient particulièrement charmantes et charmantes, empreintes de lyrisme et de spiritualité. Dans la première moitié du XIXe siècle. le personnage principal de l'art du portrait devient une personnalité à la fois rêveuse et romantique, sujette aux impulsions héroïques (dans les peintures d'O. Kiprensky, K. Bryullov).

L’émergence du réalisme dans l’art des Itinérants se reflète également dans l’art du portrait. Les artistes V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin ont créé toute une galerie de portraits de contemporains exceptionnels. Les artistes transmettent les caractéristiques individuelles et typiques des personnes représentées, leurs caractéristiques spirituelles à l'aide d'expressions faciales, de poses et de gestes caractéristiques. L'homme a été représenté dans toute sa complexité psychologique et son rôle dans la société a également été évalué. Au 20ème siècle le portrait combine les tendances les plus contradictoires - des caractéristiques individuelles réalistes et lumineuses et des déformations expressives abstraites des modèles (P. Picasso, A. Modigliani, A. Bourdelle en France, V. Serov, M. Vrubel, S. Konenkov, M. Nesterov, P . Korin en Russie).

Les portraits nous transmettent non seulement des images de personnes de différentes époques, reflètent une partie de l'histoire, mais parlent également de la façon dont l'artiste voyait le monde, de sa relation avec la personne représentée.