Gonilna sila dejanje v drami Gorkyja je boj idej in s tem celoten spekter, ki ga uporablja avtor umetniške tehnike to poudarja. Delujeta tako zaplet predstave kot njena kompozicija glavna linija drame. Predstava nima svetlega gibljivega zapleta. Liki predstave so ločeni, skoncentrirani v različnih kotih odra.
Glavni zaplet dela
Teme mitologije in ljudske fantastike, obdelane z najboljše metode in sekvenčne produkcije, kot v večini profesionalni ravni, očaral občinstvo - otroke in odrasle - in požel tudi aplavz pomembno, na svojih nastopih v Belo Horizonteju in drugih brazilskih mestih ter v tujini. Od takrat potekajo pregledi ustreznih mehanizmov za doseganje natančnejših gibov, da bi se izognili nehotnim gestam, skupaj s pozornostjo na različne metode manipulacije so vodile do potrebnega izboljšanja delovanja skupine.
Predstava »Na dnu« je cikel majhnih dram, v katerih se tradicionalni vrhunci dogajajo v zakulisju (smrt Kostiljeva, Vasilisino ustrahovanje Nataše, igralčev samomor). Avtor te dogodke namenoma umakne iz gledalčevega vidnega polja in s tem poudari, da so v predstavi glavna stvar pogovori. Drama Gorkyja se začne z nastopom lastnika zavetišča Kostylev. Iz pogovora med nočnimi zavetišči se izkaže, da išče svojo ženo Vasiliso, ki jo odnese Ash. Z nastopom Luke nastopi začetek dogajanja (konec prvega dejanja). V štirikratnem dejanju pride do razpleta. Satinov monolog: »Kaj je resnica? Človek, to je resnica!" je najvišja točka intenzivnost dogajanja, vrhunec drame.
Varno ozemlje slavnih otroških zgodb se je umaknilo gledališču, ki je cenilo naše korenine in tradicijo ter rešilo zgodbe in legende iz brazilske folklore. Dekorativna dinamika, omehčana z glasbo, je ponudila žanru povsem primeren rekreativni material lutkovno gledališče.
Pod njim se je odprl nov prostor, ki je omogočal sestavljanje simultanih prizorov. Predstavil je žično lutko - kompleksnejšo manipulacijo - s čimer je razširil ekspresivnost besedni zaklad. Pomembnejše pa je bilo ustvarjanje novega dramskega besedila s sedežem v Braziliji in rudarski tradiciji – dovozna folklora, ljudska duša ponovno odkril Alvara in Mado z okusnimi mizami, polnimi humorja, navihanosti in poezije.
Raziskovalci Gorkyjevega dela so opazili še eno značilnost: dramatik uporablja tako imenovane "rimane" epizode. Dva dialoga med Nastjo in Baronom sta zrcaljena. Deklica se na začetku predstave brani pred baronovim posmehom. Ko Luka odide, se zdi, da junaki zamenjajo vloge: vse Baronove zgodbe o njegovem nekdanjem bogatem življenju spremlja ista Nastjina pripomba: "Ni se zgodilo!" Natančna pomenska rima v predstavi je Lukova parabola o pravični deželi in epizoda o samomoru igralca. Oba fragmenta dobesedno sovpadata v zadnjih vrsticah: »In potem je šel domov in se obesil ...« in »Hej ... ti! Pojdi... pridi sem! ...Tam se je igralec obesil!« Takšni fragmenti so po mnenju avtorja namenjeni povezovanju delov kompozicije.
Sestava predstave je začela dajati prednost okusni glasbi, popularnim koreninam in folklori. Za kratek časže združuje kakovostne produkcije, ki se lahko predstavljajo kot »repertoarno gledališče«. Območje v bližini šole likovna umetnost dobil Giramundo, kar je omogočilo pridobitev strojev in orodij za sestavo ustreznega stavbnega pohištva.
Sestava dela je odsotnost ostrih zapletov
Za snemanje besedila in glasbe je vsak spektakel zahteval nastop skladateljev, igralcev, pevcev in instrumentalistov. Giramundo ni upošteval opazke Michalskega. Toda prišel je čas za bolj ambiciozno in dosledno delo v tej smeri. Kje pa je mogoče najti ustrezno besedilo?
Junaki predstave »Na dnu« tradicionalno niso razdeljeni na glavne in stranske. Vsak lik ima svojo zgodbo, svojo usodo in nosi v delu svoj pomen. V predstavi sta ostro kontrastna. Avtor se več kot enkrat sklicuje na antitezo. V nasprotju s strašnimi življenjskimi razmerami, revščino in brezizhodnostjo glasno zveni hvalnica Človeku.
V iskanju idej za novo produkcijo je Madu predlagal pesem Cobra Norato, Raoul Bopp, ikona naše literature od prvega trenutka modernizma. Alvaro Apocalypse pravi, da je "žarek prečkal nebo Girumunda." Uspelo nam je knjigarne mesto, dokler ga niso našli. Istega dne smo začeli razpletati pesem z možnostjo, da jo uprizorimo. Ugotovili so, da je pesem zaspala v nezavesti vsakega od njih, na primer znanca, v katerem so bila leta z njim.
Navdušenje se je podvojilo, ko sta pesem, podprta z bibliografijo, analizirala v luči literature, antropologije, mita in tehnoloških alternativ. Izbiro temeljnih podob smo spremljali z urejanjem scenarija, pri čemer smo se dogovorili, da pesem ne bo deležna sprememb.
Gorki je vedno dajal jezik velik pomen. In v predstavi prav dialogi dajejo dogajanju vzdušje napetosti in konflikta. Avtor v junakova usta položi svetle, jedrnate besede, da izrazi glavno idejo - o namenu človeka: "Samo človek obstaja, vse ostalo je delo njegovih rok in njegovih možganov! Človek! To je super! Sliši se ponosno!« Usoda se je odražala v govoru vsakega lika, socialno ozadje, raven kulture. Lukov govor je na primer nenavadno aforističen: »Kjer je toplo, tam je domovina«, »V življenju ni reda, ni čistoče«, »... niti ena bolha ni huda: vse so črne, vsi skočijo." Material s strani
Noratova Cobra je od takrat postala znana kot "najbolj brazilska od vseh pesmi." Za pridobitev montažnih pravic za spektakel so Alvaro, Teresinha in Madu obiskali avtorja, navdušen nad projektom, med dolgim pogovorom je dal dragocene informacije o zasnovi in procesu izdelave pesmi ter ponudil skupino dodatne dokumentacije, fotografije in raziskave o mitu o Cobra Onorato in amazonski kulturi. Končno se je strinjal, da Giramundu podeli vse končne pravice do uporabe pesmi za gledališko zbirko.
torej umetniška izvirnost Drama Gorkyja "Na dnu" je:
- oblikovanje akutnih filozofskih problemov;
- zavrnitev svetle gibljive zgodbe;
- »rimane« epizode;
- pomanjkanje delitve na glavne in sekundarne like;
- dinamični dialogi, značilnost govora junaki predstave.
Dramo »Na dnu« je Gorki zasnoval kot eno od štirih iger v ciklu, ki prikazuje življenje in pogled na svet ljudi iz različne plasti družbe. To je eden od dveh namenov ustvarjanja dela. Globok pomen, ki ga je avtor postavil vanj - poskus odgovora na glavna vprašanja človeškega obstoja: kaj je človek in ali bo obdržal svojo osebnost, ko je potonil "na dno" moralnega in družbenega obstoja.
Od tam je domišljija divjala, blodila in rojevala oblike fantastične mitologije - rastline, živali, duhove prednikov, boga, naravni elementi, čudne načine, ki bi dali telo in gibanje lepo besedilo Raoul Boppa. Namenov je več: prvič, ustvariti v bistvu brazilsko lutkovno gledališče. Zato izbira: Cobra Norato, najbolj brazilska od vseh doslej napisanih pesmi. V čast avtorju Raoulu Boppu za njegovo veliko zapuščino pristne brazilske poezije. Drugič, preučevanje jezika lutkovnega gledališča v raziskovalnem smislu; uporaba potenciala lutke na nestandardnem področju.
Zgodovina predstave
Prvi dokazi o delu na predstavi segajo v leto 1900, ko je Gorky v pogovoru s Stanislavskim omenil svojo željo po pisanju prizorov iz življenja flopa. Nekaj skic se je pojavilo konec leta 1901. V pismu založniku K. P. Pyatnitskyju, ki mu je avtor posvetil delo, je Gorky zapisal, da so mu bili v načrtovani igri jasni vsi liki, ideja, motivi za dejanja in "to bo strašljivo." Končna različica dela je bila pripravljena 25. julija 1902, objavljena v Münchnu in šla v prodajo konec leta.
Ena naloga: poiskati dramo v literarnem besedilu brez gledaliških namenov, brez zatekanja k priredbam ali prepisovanju scenarija. Razumemo, da ima vse v pesmi življenje: drevesa, reke, živali. In oživiti to je obrt lutkarja. In metamorfoze likov, vizualno in zvočno bogastvo gozda prispevajo k poletom domišljije in ustvarjalni svobodi. Na tej točki je Alvaro Apocalypse vključil nove materiale in nove konstrukcijske metode, katerih cilj je bil doseči večjo lahkotnost in bolj animirane gibe, zaradi česar je manipulacija lažja in hitrejša.
Stvari niso bile tako rožnate s produkcijo predstave na odrih ruskih gledališč - bila je praktično prepovedana. Izjema je bila le Moskovsko umetniško gledališče, druga gledališča so morala pridobiti posebno dovoljenje za produkcijo.
Naslov drame se je med delom spremenil vsaj štirikrat, avtor pa nikoli ni določil žanra - objava se je glasila "Na dnu življenja: prizori". Skrajšano in danes vsem poznano ime se je prvič pojavilo na gledališkem plakatu med prvo produkcijo v Moskovskem umetniškem gledališču.
Vprašanje glasbe je postalo bolj temeljno kot ilustrativno za poudarjanje scenarija. Koncept spektakla je zahteval materialno glasbo kot element, ki je tesno povezan z besedilom in vizualna oblika. Alvaro je znal besedilu dati teatralen in dramatičen pristop, ne da bi izpustil eno samo vejico. Prejema najpomembnejše nagrade brazilskega gledališča. Do danes je bila predstava predstavljena v gledališčih in na trgih ter v drzni izvedbi na odru, postavljenem na vodi.
Zaradi izpovedanih čustev je pisec komentiral, da je skupina razumela pesem "bolj kot jaz." Raoul Bopp bi umrl nekaj mesecev kasneje. Zato je Cobra Norato problem za vsakega gledalca, ki goji kakršne koli predsodke do lutkovnega gledališča. Malo verjetno je, da bo kdo lahko pozabil na sijaj šarma in plastičnosti predstave. Vse v dogajanju je nenehno močno in živo, kar se v pripovedi odvija tako mikavno čarobne besede, mi ne uspe iskreno opisati močnih in včasih strašljivih podob predstave, katerih pogled lahko večjemu nič hudega slutečemu gledalcu zastane dih.
Prvi nastopajoči so bili zvezdniška zasedba Moskovskega umetniškega gledališča akademsko gledališče: K. Stanislavsky je igral vlogo Satina, V. Kachalov je igral Barona, I. Moskvin je igral Luka, O. Knipper je igral Nastjo, M. Andreeva je igrala Natašo.
Glavni zaplet dela
Miti o amazonskih legendah se odvijajo v subtilnih gibih – lutke se upravljajo z veliko spretnostjo, poleg tega jim pomaga prižgana osvetlitev. mednarodni ravni. Kače, ki se spremenijo v fante, ali fantje, ki se infiltrirajo v Indijo, in otroci, ki se spremenijo v kače, vse to je prikazano v čarobni pripovedi. Za Mariángel Alves Lima, država Sao Paulo.
Cobra Norato je potrditev vere v naravo brazilskega človeka. To, kar delo afirmira, je nekakšna ljubezenska pesem, povzdigovanje in potrditev vere v naravo in človeka te dežele. Vsako predstavniško prizadevanje se osredotoča na prepoznavanje in komuniciranje prav tega močna lepota. Vizualni in slušni znaki spektakla so zato namenoma zapeljivi. Ustvarjeni so bili, da bi bili očarani z enako intenzivnostjo realnosti, na katero se nanašajo.
Zaplet predstave je vezan na odnose med liki in vzdušje splošnega sovraštva, ki vlada v zavetišču. To je zunanji obris dela. Vzporedna akcija raziskuje globino človekovega padca »na dno«, mero nepomembnosti družbeno in duhovno degradiranega posameznika.
Dogajanje predstave se začne in konča zgodba odnos med dvema likoma: tatom Vaskom Pepelom in ženo lastnika sobodajalca Vasiliso. Ash obožuje svojo mlajšo sestrico Natasho. Vasilisa je ljubosumna in nenehno tepe svojo sestro. Njen ljubimec ima še en interes - osvoboditi se želi moža in Asha potisne k umoru. Med potekom igre Ash v prepiru dejansko ubije Kostyleva. V zadnjem dejanju predstave gostje zavetišča pravijo, da bo Vaska morala iti na trdo delo, vendar bo Vasilisa še vedno "prišla ven". Tako se dogajanje zapleta okoli usod obeh junakov, a še zdaleč ni omejeno nanju.
Zgodovina predstave
Prvič, ustna interpretacija pesmi je več kot le podpora prizoru. Obstaja ritem in izum zvočnih kombinacij s tem močna sila sugestijo, da ustno opisane podobe z avtonomno silo napolnijo prostor predstave.
Tridimenzionalni liki, ki jih je navdihnilo popularno kiparstvo, so vstavljeni v to pokrajino, ustvarjeno z interpretacijo in glasbo Lindemberge Cardoso. Lutke vabijo na potovanje skozi pokrajino, za katero je značilen gigantizem. To je povabilo, nedvomno aluzivno, ki sledi kooptirajočim gibom moža kače. Mračno skrivnostnost amazonskih gozdov mangrov omehčajo predrzne predstave likov. Prevladujoča antropomorfna predpostavka nakazuje, da je džungla predvsem subjekt, ki manifestira in hrani življenje.
Časovno obdobje igre je več tednov zgodnja pomlad. Letni čas je pomembna sestavina predstave. Eden prvih naslovov, ki jih je avtor dal delu, je "Brez sonca". Res je pomlad in morje vse naokoli sončna svetloba, v zavetju in v dušah njegovih prebivalcev pa je tema. Sončni žarek za prenočišča je bil potepuh Luka, ki ga nekega dne pripelje Nataša. Luka prinaša upanje na srečen izid v srca tistih, ki so padli in izgubili vero najboljši ljudje. Vendar na koncu predstave Luka izgine iz zavetišča. Liki, ki so mu zaupali, izgubijo vero v najboljše. Predstava se konča s samomorom enega od njih – Igralca.
Spektakel postopoma osvetljuje skoraj neskončne možnosti lepote tega vitalna masa, ločiti detajl in ga vključiti v celoto, ki jo evocira pripoved. Bolj kot mednarodni uspeh kritikov in javnosti se nas je najbolj dotaknil Raoul Bopp. Zelo star je z velikim navdušenjem gledal predstavo in nam na koncu rekel: »Vi ste pesem razumeli bolje kot jaz!« Gledališče za odraslo občinstvo, ki ga je avtor prevedel kot "norost" z neverjetno živopisnostjo, ki poudarja njihovo grotesknost in kritičnost, pogum, ki v skupino vnaša veliko ozaveščenost, pa tudi veliko kontroverznosti.
Glavni junaki
Predstava opisuje življenje moskovske hišice. Glavni junaki so bili torej njeni prebivalci in lastniki lokala. V njem se pojavljajo tudi ljudje, povezani z življenjem ustanove: policist, ki je tudi stric gostiteljice sobodajalca, prodajalec cmokov, nakladalci.
Še več, »njegova posebnost nas privlači z možnostmi, ki jih običajno besedilo nikoli ne ponudi«. Da bi raziskal groteskne vidike karikature, je izdelal trofejne in žične lutke, ki so, čeprav jih je bilo težje manipulirati, omogočale geste in bolj tekoče gibe ter bolj prefinjen izraz telesa. Preučevanje prostorskosti kot nosilca izražanja ni bilo novo, a se je v tej predstavi na zelo izviren način odzval na dušeče vzdušje, ki ga ustvarja avtor. K podpori te klime so prispevali tako kulisa kot razsvetljava, prav tako tudi glasba, ki jo je Lindemberge Cardozo mojstrsko poustvaril v tem delu, kar potrjuje produktivno zavezništvo z Giramundom, ki se je začelo v Noratovem delu Cobra.
Šuler, nekdanji kaznjenec Satin in potepuh, potepuh Luka so nosilci dveh nasprotujočih si idej: potrebe po sočutju do človeka, odrešilne laži iz ljubezni do njega in potrebe po spoznanju resnice, kot dokazu človekove veličine. , kot znak zaupanja v njegovo moč duha. Da bi dokazal zmotnost prvega pogleda na svet in resničnost drugega, je avtor gradil dejanje predstave.
Predstava, zaradi katere zaupamo ustvarjalni moči brazilskega gledališča. Z avantgardnim duhom in okusom za eksperimentiranje bo Alvaro zasnoval druge predstave z značajem inovativnosti in preloma s tistim, kar bi bilo značilno za lutkovno gledališče. V tem obdobju so se produkcije začele ali v celoti realizirale v delavnicah Zimskega festivala, v katerih so sodelovali študenti in igralci iz različnih kotih države in tujine ter so predstavljeni kot končni program dogodka.
Ker se vedno odziva na pritisk političnega reda in sociokulturne spremembe, ki se dogajajo v državi in svetu, zelo dobro poudarja svoje nezaupanje do vsega okoli sebe. Tako bo s pretiranim sarkazmom videti svet moči, nasilja, javnega ali zasebnega. Zamisel za oddajo bi odražala emocionalni odnos, ki so ga člani skupine vzdrževali s priljubljeno stvaritvijo, in ponudila priložnost, da se vrnejo k delu z elementi versko izročilo Minas v svojem liričnem vidiku, katerega poezija je povezana z izkušnjami iz otroštva drug drugega.
Vsi drugi liki tvorijo ozadje te bitke idej. Poleg tega so zasnovani tako, da prikazujejo in merijo globino padca, na katero je oseba sposobna pasti. Pijanec igralec in neozdravljivo bolna Anna, človeka, ki sta popolnoma izgubila vero v lastno moč, padeta pod oblast čudovita pravljica, kamor jih popelje Luka. Od tega so najbolj odvisni. Z njegovim odhodom fizično ne morejo živeti in umreti. Ostali prebivalci zavetišča Lukov pojav in odhod dojemajo kot igro pomladnega sončnega žarka – pojavil se je in izginil.
Raziskava Joséja Adolfa Mure je prispevala k reševanju in preoblikovanju teh manifestacij, ki so osnovale tradicijo na območju Belo Horizonte, vendar je padla v razpad, saj je bila skoraj osamljena - in fragmentarna - v spominu starejših. Iz zbranega in preurejenega gradiva se je rodil scenarij predstave. Skladatelj Lindemberg Cardozo bo spet poklican k opravljanju glasbenih nalog. Organiziral in poustvarjal je teme, hkrati pa ohranjal njihovo pristnost in preprosta lepota. Skladatelj je bil odgovoren tudi za pripravo in vodenje nabora instrumentalistov in zbora za snemanje skladbe spektakla.
Nastya, ki prodaja svoje telo "na bulvarju", verjame, da obstaja svetla ljubezen, in to je bilo v njenem življenju. Kleshch, mož umirajoče Anne, verjame, da se bo dvignil z dna in se spet začel preživljati z delom. Nit, ki ga povezuje z njegovo delovno preteklostjo, ostaja škatla z orodjem. Na koncu predstave jih je prisiljen prodati, da bi pokopal ženo. Natasha upa, da se bo Vasilisa spremenila in jo nehala mučiti. Po še enem udarcu, po odhodu iz bolnišnice, se ne bo več pojavila v zavetišču. Vaska Pepel si prizadeva ostati z Natalijo, vendar se ne more izviti iz mrež močne Vasilise. Slednja pa pričakuje, da ji bo smrt moža odvezala roke in ji dala dolgo pričakovano svobodo. Baron živi od svoje aristokratske preteklosti. Kockar Bubnov, uničevalec »iluzij«, ideolog mizantropije, verjame, da so »vsi ljudje odveč«.
Analiza predstave
Delo je nastajalo v razmerah, ko so po gospodarski krizi v 90. letih 19. stoletja v Rusiji zapirale tovarne, prebivalstvo naglo revščilo, mnogi so se znašli na dnu družbene lestvice, v kleti. Vsak od likov v predstavi je v preteklosti doživel padec na dno, družbeno in moralno. Zdaj živijo v spominu na to, vendar se ne morejo dvigniti "na svetlobo": ne vedo, kako, nimajo moči, sramujejo se svoje nepomembnosti.
Luka je za nekatere postal luč. Gorki je Luki dal "govoreče" ime. Nanaša se tako na podobo svetega Luke kot na koncept »zvitosti«. Očitno je, da želi avtor prikazati nedoslednost Lukeževih idej o blagodejni vrednosti vere za človeka. Gorki Lukov sočutni humanizem tako rekoč zreducira na koncept izdaje – po zapletu predstave potepuh zapusti zavetišče ravno takrat, ko tisti, ki so mu zaupali, potrebujejo njegovo podporo.
Saten je figura, ki izraža avtorjev pogled na svet. Kot je zapisal Gorki, Satin ni ravno primeren lik za to, a drugega lika s tako močno karizmo v predstavi preprosto ni. Satin je Lukov idejni antipod: ne verjame v nič, vidi neusmiljeno bistvo življenja in položaj, v katerem so se znašli on in ostali prebivalci zavetišča. Ali Satin verjame v človeka in njegovo moč nad močjo okoliščin in storjenih napak? Strastni monolog, ki ga vodi, ko se v odsotnosti prepira z odhajajočim Luko, pusti močan, a protisloven vtis.
V delu je tudi nosilec "tretje" resnice - Bubnov. Ta junak, tako kot Satin, "se zavzema za resnico", le da je zanj nekako zelo strašljivo. Je mizantrop, a v bistvu morilec. Le da ne umrejo zaradi noža v njegovih rokah, ampak zaradi sovraštva, ki ga goji do vseh.
Dramatika se iz dejanja v dejanje povečuje. Povezovalni oris so Lukovi tolažilni pogovori s tistimi, ki trpijo zaradi njegovega sočutja, in Satinove redke pripombe, ki kažejo, da pozorno posluša govore potepuha. Vrhunec predstave je Satinov monolog, izrečen po Lukovem odhodu in begu. Fraze iz nje se pogosto citirajo, ker imajo videz aforizmov; “Vse v človeku je človeku vse!”, “Laž je vera hlapcev in gospodarjev... Resnica je bog svoboden človek!”, “Človek – to se sliši ponosno!”
Grenak rezultat predstave je zmaga svobode padlega človeka, da propade, izgine, odide, ne da bi za seboj pustil sled ali spomine. Prebivalci zavetišča so osvobojeni družbe, moralnih standardov, družine in preživetja. Avtor: na splošno, so osvobojeni življenja.
Predstava »Na dnu« obstaja že več kot stoletje in še vedno ostaja eno najmočnejših del ruske klasike. Predstava da misliti o mestu vere in ljubezni v človekovem življenju, o naravi resnice in laži, o človekovi sposobnosti, da se upre moralnemu in družbenemu propadu.
