Le renforcement du pouvoir royal, la croissance des villes riches, les croisades qui révélèrent les merveilles du Moyen-Orient à l'Occident étonné - tout cela conduira à une transformation profonde de la culture féodale et à l'émergence de nouvelles formes d'art, qui sont généralement appelé courtois, c'est-à-dire courtisans. À cette époque, pour la première fois dans l'histoire de l'humanité, les idéaux de l'amour spirituel ont été cultivés, la poésie et la musique lyriques chevaleresques ont émergé, l'art courtois a émergé, reflétant le concept de valeur chevaleresque, d'honneur et de respect des femmes. Au Moyen Âge, la poésie devient la reine de la littérature, même les chroniques revêtent une forme poétique. Les premiers poèmes d'amour de chevalerie ont été créés en Provence, dans le sud de la France, à la fin du XIe siècle. Et aux XII-XIII siècles. Déjà toutes les villes, tous les châteaux féodaux étaient en proie à de nouvelles tendances. La culture chevaleresque de cour, brillante, raffinée et élégante, s'épanouit en plein épanouissement.

Tout en restant un guerrier, le chevalier devait en même temps avoir d'excellentes manières, connaître la culture, vénérer la Belle Dame, étant un exemple d'étiquette de cour, appelée courtoisie. C’est avec le culte de la « dame de cœur » – la Belle Dame – que débute la poésie courtoise. Les chevaliers-poètes chantaient sa beauté et sa noblesse, et les nobles dames étaient très favorables à la poésie courtoise, qui les élevait sur un haut piédestal.

Bien entendu, l’amour courtois n’était pas sans convention, puisqu’il était totalement subordonné à l’étiquette de la cour. Le fait est que la Belle Dame, chantée par les troubadours du sud de la France et les trouvères du nord de la France, les mineurs chanteurs en Allemagne et les ménestrels en Angleterre, était, en règle générale, l'épouse du suzerain. Et les chevaliers amoureux restaient des courtisans respectueux. Les chants courtois, flattant la vanité de la dame, entouraient en même temps la cour féodale, sur laquelle elle régnait, d’un éclat d’exclusivité.

L'amour courtois se distinguait par un certain nombre de caractéristiques. C'était d'abord un amour secret ; le poète évitait d'appeler sa dame par son nom. L'amour courtois était un amour subtil et raffiné, contrairement à l'amour sensuel et stupide. Elle devait ressembler à une adoration émerveillée. C’est dans cet amour illusoire que se trouvait la plus haute mesure de joie. Mais il ne faut pas exagérer le platonisme de l'amour courtois : les meilleures chansons d'amour de cette époque contiennent des sentiments humains ardents.

Il existe un très grand nombre de textes poétiques créés à cette époque, et aujourd'hui, bien sûr, personne ne sait qui étaient les auteurs de la plupart d'entre eux, mais parmi les poètes incolores, des figures mémorables avec une personnalité brillante sont également apparues. Les troubadours les plus célèbres étaient le frémissant Bernard de Venta-dorn, l'ardent Giraut de Bornet, le sévère Marcabrun, le judicieux Peyrol et le rêveur Jaufre Rudel.

Il existait de nombreuses formes de poésie courtoise en Provence, mais les plus courantes étaient : le canson, l'alba, la ballade, la pastorela, le tenson, la lamentation, les sirventes.

Kansona (« chanson ») a présenté le thème de l'amour sous forme narrative :

A l'heure où le flot inonde du désir de toi, lointain,

Le ruisseau argenté scintille, le pauvre cœur fait mal.

Et les modestes églantiers fleurissent, Les consolations ne valent rien,

Et les carillons du rossignol, s'ils ne m'emportent pas

Ils flottent au loin dans une large vague, dans le jardin, dans son obscurité profonde,

À travers la désolation d'un bosquet sombre ou dans une paix isolée

Que mes airs sonnent ! Votre doux appel - mais où es-tu ?!

(Jaufré Rudel)

Alba (« l'aube du matin ») dédié à l’amour terrestre et partagé. Il raconte comment, après une réunion secrète, les amoureux se séparent à l'aube, et qu'un serviteur ou un ami montant la garde les avertit de l'approche de l'aube :

Je te prie, Dieu tout-puissant et lumineux, mon cher ami ! Je n'ai pas dormi depuis le soir,
Pour qu'un ami puisse repartir d'ici vivant ! J'étais à genoux toute la nuit :

Que ta main droite veille sur lui ! J'ai prié le Créateur avec des mots chauds
La réunion ici dure dès l'aube du soir, pour que je puisse vous revoir.
Et l'heure de l'aube est proche... Et l'heure de l'aube est proche.

(Giraut de Borneil)

Balladeà cette époque, cela signifiait une chanson de danse :

Tout fleurit ! Le printemps est là ! Elle est venue ici vers nous,

Hé! - Comme avril lui-même, brillant.

La reine est amoureuse, Et nous donnons l'ordre aux jaloux :

Hé! - Loin de nous, loin de nous !

Et, privant de sommeil l'homme jaloux, nous avons commencé une danse ludique.

(Chansons sans titre)

Pastorelle- une chanson qui racontait la rencontre d'un chevalier et d'une bergère :

Hier j'ai rencontré une bergère, puis je me suis tourné vers elle :

Ici, à la clôture, errant. - Chéri! Quelle tempête

Vif, quoique simple, De nos jours, le mal s'en va !

J'ai rencontré une fille. - Enfiler! - la fille répondit, -

Elle porte un manteau de fourrure. Vraiment, je suis toujours en bonne santé.

Et katsaveyka colorée, Ne connaissant jamais le rhume, -

Une casquette - pour se protéger du vent. Que la tempête se fâche !..

(Marcabrune)

Pleurer- une chanson dans laquelle le poète aspire, pleure son sort ou pleure la mort d'un être cher :

Non, je ne reviendrai pas, chers amis,

À notre Ventadorn : elle est dure envers moi.

Là j'ai attendu l'amour - et j'ai attendu en vain,

J'ai hâte d'avoir un autre destin !

Je l'aime - tout est de ma faute,

Et donc je suis banni dans des pays lointains,

Privé de ses anciennes faveurs et de son sang...

(Bernart de Ventadorn)

Tenson- une dispute poétique à laquelle participent soit deux poètes, soit un poète et une Belle Dame, un poète et l'Amour :

J'ai récemment commandé - Oh, mon amour, à ton reproche

Mon cœur est silencieux, il ne m'est pas difficile de répondre :

Mais l'Amour discute avec moi, le regard brillant de Long Donna

Elle n'a pas hésité à commencer : j'étais prêt à chanter,

Ami Peyrol, ils ont décidé de le savoir, mais en récompense il pourrait gagner

Dis-moi au revoir, Seulement la douleur du mauvais ressentiment, -

Et avec la vieille chanson ? Donne-moi enfin un peu de paix !

Eh bien, un sort peu glorieux m'attend, je n'ai pas osé me plaindre de toi,

Ceux qui ont perdu courage ! Mais j'ai déjà chanté des chansons !

(Peyrol)

Sirventes- une chanson dans laquelle sont évoquées des questions sociales dont la principale est : qui est le plus digne d'amour - un roturier poli ou un baron sans gloire ?

Périgon ? Parfois sans gloire - Monseigneur ! Depuis longtemps maintenant

Le baron mène sa vie, une coutume s'est instaurée

Il est à la fois impoli et stupide (et il est tout à fait raisonnable !) :

Et un autre méchant n'a aucun droit. Si Donna se comporte bien,

Généreux, courtois, gentil et courageux, Pour associer le destin à des égaux

Et il excellait en science. Cette coutume commandait.

Que pouvez-vous dire à Donna : Comment pouvez-vous donner de l'amour à un homme ?

Lequel de ces deux dois-je choisir, car cela signifie perdre

Quand est-elle attirée par l’amour ? Et respect et honneur...

(Dalphin et Périgon)

1 Villan est un paysan.

La présence dans la poésie provençale de formes telles que tenson, sirventes et lamentation indique que si le thème de l'amour y occupait une position dominante, il n'était pas le seul. Les troubadours répondaient volontiers au sujet du jour et abordaient des questions politiques et sociales dans leurs chansons.

Les troubadours furent les premiers paroliers courtois d'Europe. Ils ont été suivis par les Minnesingers allemands - « chanteurs d'amour ». Cependant, dans leur poésie, l'élément sensuel jouait un rôle moindre que dans la poésie romane, et un ton moralisateur prévalait plutôt, par exemple :

Ces jours sont révolus depuis longtemps. Tout est désormais plongé dans le péché.

Autrefois, Dieu le sait, aimer et vivre était un péché.

Le dirigeant destructeur régnait sur le monde en même temps,

Amour et vertu. Le péché est le gardien du péché... –

et des connotations religieuses :

Saint de notre croix Qui est dans la vanité des plaisirs terrestres

Et vous en êtes digne, heureux de vous enliser.

Quand ton âme est pure, tu mets un manteau avec une croix

Courageux guerrier. Au nom des bonnes actions.

Un tel fardeau n'est pas pour ceux-là, Ton vœu est vain,

Qui est stupide, Quand il n'y a pas de croix sur le coeur.

En même temps, parmi les Minnesingers allemands, il y avait toute une galaxie de poètes qui chantaient de manière très exquise « le grand amour ». De plus, leur particularité était leur détachement total du monde extérieur. Le poète, rempli de désir d'amour, semble errer dans un épais brouillard de mélancolie amoureuse avec son désir d'amour.

Qu'importe avant l'aube ! Que tous ceux qui ne sont pas trop paresseux s'amusent.

Je m'en fiche qu'il fasse jour ou non. Maintenant, tout est pareil pour moi :

Ce n'est pas pour moi que le soleil brille. Où que vous alliez chaque jour,

Une ombre triste lui tira les yeux. C'est triste et triste...

Minnesingers a joué un rôle si important dans la vie culturelle que l'un d'eux, Tannhäuser, est même devenu le héros d'une légende populaire lancée par le grand compositeur allemand du XIXe siècle. Wagner a fondé son opéra appelé « Tannhäuser ».

Dans la légende, Tannhäuser devient l'amant de Dame Vénus et vit avec elle dans la fabuleuse « Montagne de Vénus ». Le pape Urbain maudit le pécheur repentant, déclarant que, tout comme le bâton dans sa main ne peut pas devenir vert, Tannhäuser ne peut pas trouver le pardon sur terre. Tannhäuser, abattu, retourne sur le mont Vénus et le bâton du pape s'épanouit, révélant l'indigne cruauté de ce dernier.

Le travail des troubadours, des trouvères et des minnesingers peut être considéré comme la première grande floraison de la poésie lyrique européenne, suivie d'une floraison encore plus puissante générée par la Renaissance.

Paroles courtoises

Les paroles courtoises sont une manifestation des aspirations anti-ascétiques qui ont saisi de larges pans de la société féodale d'Europe occidentale à l'apogée du Moyen Âge. La poésie courtoise sur le thème de l'amour était associée à une nouvelle interprétation de l'amour, très différente de l'ancienne et née à l'époque féodale. La courtoisie est devenue une réaction aux interdictions religieuses de l'amour charnel.

Paroles courtoises en français

Cette section doit être ouverte en considérant les sources représentées par les paroles de Provence, car en Provence les paroles courtoises sont apparues plus tôt que dans les régions du nord et ont ainsi eu une influence décisive sur la littérature du nord de la France. De manière générale, on peut même parler de littérature provençale indépendante et originale.

Paroles de Provence

En Provence, une langue provençale indépendante s'est développée à partir du latin. Au 11ème siècle La Provence était la région économiquement la plus développée des terres françaises. La chevalerie de Provence était florissante, indépendante et instruite, et entretenait des relations avec le patriciat de la ville ; était très réceptif à toutes sortes de nouvelles tendances. « Les paroles provençales sont nées comme l’expression d’un excès de gaieté. »

La position sociale des troubadours de style chevaleresque était très diversifiée : « Parmi eux se trouvaient quatre ou cinq rois, plusieurs dizaines de grands seigneurs féodaux et un grand nombre de petits chevaliers, mais il y avait aussi de nombreuses personnes de divers rangs associées aux cercles chevaleresques et qui avaient adopté leur vision du monde.

Le plus important des troubadours provençaux est considéré comme Bernard de Ventadorn (1140-1195), devenu célèbre pour ses cansons dans de nombreuses cours d'Europe.

Bernard de Ventadorn. Miniature du XIIIe siècle.

Son biographe a écrit : « Le Seigneur lui a donné la beauté, un cœur bon et noble - des qualités qui, dans les temps primitifs, donnaient droit à la naissance, ainsi que l'intelligence, la connaissance, la courtoisie et l'éloquence.

C'est dans la poésie de Ventadorn que se développent les traits caractéristiques des paroles des troubadours comme la poésie de la cour féodale avec ses tournois, ses fêtes, ses concours de poètes et le rituel du service de la Dame.

Un autre représentant clé du lyrisme provençal est Bertrand de Born (vers 1135 - vers 1210) ; Le baron de Born était célèbre 10 Histoire de la littérature étrangère. Moyen Âge et Renaissance. M. : Lycée, 1987. P. 83.

Dix en tant que guerrier courageux, diplomate et poète dangereux et perfide. Il était associé à la cour d'Angleterre, qui jouait un jeu politique en Provence. Nous nous intéressons avant tout aux amours et aux sirventes, sa poésie « politique ». Dans les Sirventes de de Born, s'ouvre une image des événements agités, pleins d'anxiété et turbulents de la vie provençale à la fin du XIIe siècle.

En notant les traits caractéristiques de de Born, il faut souligner que, en raison de son orgueil baronnial, il s'est permis de parler avec les rois sur un pied d'égalité, avec le même sentiment d'égalité de caste chevaleresque dont il s'adressait à ses amis et ennemis, les Provençaux. barons. L'idéal politique pour lui n'était pas l'idée de centralisation, mais l'incarnation des hommes libres féodaux avec ses prouesses débridées et son arbitraire impitoyable.

• Histoire de la littérature étrangère. Moyen Âge et Renaissance. M. : Ecole Supérieure, 1987.P. 84.
• Histoire de la littérature mondiale en 9 volumes. T.2. M. : Nauka, 1984. P. 537.

La littérature courtoise se développe dans les cours féodales, elle est créée par des auteurs professionnels, elle n'est pas anonyme : il reste environ 500 noms d'auteurs. Ses créateurs étaient principalement des chevaliers, il existe un petit pourcentage de clercs et de citadins. Les interprètes de ces œuvres sont des jongleurs (écuyer-jongleur au chevalier-poète).

Son origine remonte à la fin du XIe siècle dans le sud de la Provence. Il est né des paroles des troubadours, au début du 14ème siècle, avec la transition vers la ville, il a rapidement dégénéré et a cessé d'exister. Il s'agit de la première littérature profane du Moyen Âge. Elle existe dans les langues nationales, mais son caractère et ses matériaux sont internationaux (c'est sa différence avec l'épopée héroïque). Cela est probablement dû à la communication étroite entre les cours féodales de l'Europe médiévale. Le phénomène de cette littérature lui-même n’a pas d’analogue en Russie. Plus tard, cependant, au XVIe siècle, les premiers romans traduits parurent parmi les Slaves.

La littérature courtoise sait 2 genres : paroles et épopée , cela n’a pas donné lieu à un drame. Le besoin de spectacle était satisfait sous forme de rituels de cour : danses, mascarades, tournois (jeux de bataille). Le culte de l'amour est caractéristique de la littérature courtoise dans tous les genres , cela vient des paroles.

Le lyrisme courtois est né en Provence à la fin du XIe siècle. Après la ruine de la Provence sous couvert d'extermination des hérétiques, le centre s'installe en France (trouvères = troubadours) et en Allemagne (mini zingers = chanteurs d'amour) et en Italie, où un style d'amour va commencer à prendre forme. Genres du lyrisme courtois : canzone - un poème d'amour d'une forme exquise ; sirventa – réflexions sur des sujets moraux et politiques ; lamentation – un poème exprimant la tristesse du poète face à la mort d'une personne ; tenzona – argumentation, dialogue ; pastorella décrit l'amour d'un chevalier et d'une bergère sur fond de nature ; alba (on chante la séparation des amoureux le matin après une rencontre secrète), etc.

Les troubadours et les trouvères ont développé une théorie particulière de l'amour. Il est construit sur l'antithèse de 2 types d'amour : l'amour grand et véritable (fin amor) est la source de tout le meilleur dans la vie d'un chevalier, un tel amour est joyeux ; amour sensuel et charnel (fals amor) - amour grossier, stupide, imaginaire, faux. Haut est l’amour qui incarne à la fois la soumission et l’admiration. Ce genre d'amour ne mène pas au mariage. C'était strictement réglementé par les troubadours. Il y a 4 étapes, 4 états d'amoureux :

Soupirs solitaires (hésitants)

Timide aveu (plaidant),

La permission d'une femme de professer ouvertement son amour (entendue)

Autorisation de fournir des services à une dame (amie), la plus haute récompense est un baiser.

Le résultat du développement de fin amor est son assimilation au culte de la vierge, c'est-à-dire que la christianisation de l'amour est considérée comme un phénomène tardif : la fusion du culte de la dame avec le culte de la Mère de Dieu, la vierge . Il n'y a pas moins de raisons de croire que l'évolution a été inverse : le culte de la dame est né du culte de la Vierge. L'idée chrétienne considère dès l'origine l'amour comme un libre choix de soumission. L'idée de l'amour comme communion avec Dieu remonte à l'Évangile et aux épîtres apostoliques.

Le culte courtois de l’amour a eu une longue vie dans la littérature.

Les paroles courtoises se caractérisent par un système développé de genres, qui s'inscrivent dans un cadre thématique et temporel strict : le plus élevé est le canson, une chanson sur l'amour en tant que tel. Les premiers troubadours ont adopté le terme ver, qui remonte au latin versus - liturgie. Le dernier album est la scène d'adieu de Roméo et Juliette de Shakespeare.

Serventa (genre), inventé par des chevaliers amoureux de la guerre, n'est pas seulement un chant de guerre. Elle était chantée par un troubadour très militant (Bertrod de Bor), devenu moine à la fin de sa vie.

La poésie courtoise connaît deux styles :

Sombre (klos) - distingué par l'allégorie,

Léger, clair (clar).

Le deuxième genre chronologique des œuvres courtoises est romance . Il apparaît au XIIe siècle et aux XIIe-XIIIe siècles il existe sous forme poétique, puis la prose prévaut.

Le roman est le premier type de récit qui ne revendique pas d’authenticité historique ou mythologique, produit de la fiction poétique. L’élément fabuleusement aventureux le rend semblable à un conte de fées ; il n’y a pas de prose de tous les jours. Tout y est complété par une représentation des expériences émotionnelles du héros, ce qui le rapproche du romantisme. La résolution du conflit est très définitive ; une fin ouverte n’est pas concevable. Mais cela pose déjà la question du rapport entre les sentiments personnels et les responsabilités sociales, et le problème du rapport entre l'individu et la société se pose. L'« homme intérieur » du roman est conscient du problème de la relation entre l'individu et la société : ce problème donne lieu au conflit principal du roman.

Trois courants : ancien, britannique et oriental. Chacun de ces cycles est divisé en sous-cycles ou romans. Dans le cycle britannique, il y a : des romans sur Tristan et Isolde, sur le roi Arthur et les chevaliers de la Table ronde et sur les chevaliers du Graal.

La figure du roi Arthur relie tous les romans du cycle britannique. La figure d’Arthur elle-même n’apparaît au premier plan qu’au XIIe siècle. C'est dans le roman chevaleresque qui remplace peu à peu l'épopée héroïque. Et le légendaire Arthur remplace largement la figure épique de Charlemagne. Il y a un changement de genre et un changement de héros. On ne sait pas ce qui était primordial : un changement de héros ou de genres. Résultat : un changement significatif du paradigme culturel. Loin d’être le héros principal des Celtes, le roi Artorius est apparu au XIIe siècle comme le protagoniste de l’histoire légendaire de l’Europe. Cela se produit après la parution de la chronique latine de Galfred Monuvsky. En 1136 parut sa chronique « L’Histoire des rois de Bretagne ». Cette chronique est traduite en français par Trouvère Vas, sous le titre Brutus (1155). Durant ces années, un certain roi Arthur se fait connaître. Ces œuvres ont développé la légende du roi britannique Arthur, qui peut être considérée comme la préhistoire de la couronne britannique. La couronne anglaise venait de passer aux Tonkogiet, qui intriguaient contre le roi de France et avaient besoin de leur propre histoire. La version de propagande n'explique pas tous les détails. Dans le roman de Tristan et Isolde, cette théorie est la moins applicable : le fond arthurien est minime, c'est une intrigue archaïque très obstinée qui résiste aux traitements politiques, de propagande et même courtois.

Les romans courtois sont de nature cyclique. Une intrigue bien connue est prise et chacun des romans développe un aspect distinct de cette intrigue. La nature de l'intrigue et des personnages du roman est fondamentalement différente de celle de l'épopée : ce n'est pas de l'histoire, mais un conte de fées, un mythe, une légende ; Tristan, Percival, Yvain n'ont pas de prototype historique, tout comme Arthur n'a pas de prototype. Une romance chevaleresque est une utopie médiévale, pas le récit d'un acte épique. . L'idée principale d'un roman chevaleresque médiéval : le rêve d'une belle société, basée sur les idéaux d'honneur et de noblesse. La meilleure confirmation sont les romans du cycle arthurien. Pour les principales intrigues et personnages du roman, des résumés sont compilés dans la littérature moderne (dans son intégralité - le roman sur "Tristan et Isolde").

Le roman poétique chevaleresque sur Tristan et Isolde a été conservé sous la forme de 2 versions incomplètes, écrites par Berul et Tom (Thomas). Ces romans ont été créés dans le dernier tiers du XIIe siècle. La version de Béroul est plus archaïque et est considérée comme la version générale. La version de Tom est la version courtoise. Le roman sur Tristan et Isolde dans les deux versions est précoce, l'intrigue traditionnelle n'est pas soumise à la doctrine courtoise : l'amour est grand, mais très sensuel. Pour un poète courtois, l'amour est joyeux, puisqu'il le conduit à la perfection, mais ici l'amour est plutôt tragique, il apporte douleur et maladie à celui qui aime. Tombé amoureux, Tristan cesse de réaliser des exploits, subordonnant toutes ses capacités à la passion. Les contemporains pouvaient y voir une essence précise.

La source du roman sur Tristan et Isolde sont des légendes celtiques, bien que la base de l'intrigue soit probablement beaucoup plus ancienne. Il y avait d'anciens contes gallois portant les noms de Drustan et Yesil.

Ce qui unit le roman sur Tristan et Isolde aux sources celtiques : elles sont construites sur des motifs traditionnels qui remontent à trois genres de sagas irlandaises :

Le genre de la voile miraculeuse, imram, se transforme en motif principal du cycle de Tristatnov, comme un changement dans le destin du héros : la mer joue un rôle énorme dans le destin de Tristan, la mer est la deuxième après le nom, le personnification principale du destin de Tristan.

Le genre du kidnapping, i-head, se transforme en motif d'amoureux s'enfuyant dans la forêt et de leur vie dans la forêt ; caractéristiquement - le bonheur de la forêt, la fin d'un philtre d'amour, une rencontre avec un ermite, la noblesse de Mark et un tournant dans le sort des héros.

Adjacent au genre de l'imram se trouve le genre de l'echtra, le genre de la visite d'autres mondes ; dans le roman, la Britannia dévastée et brûlée, dans laquelle Tristan trouve la seconde Isolde aux bras blancs, est en corrélation avec un autre monde ; un autre monde est l'image poétique d'un château enchanté inventé par Isolde, une terre poétique et heureuse des vivants, vers laquelle Tristan promet de conduire Isolde. Le thème de la vie céleste, la nouvelle Jérusalem.

Parmi les motifs celtiques spécifiques, les plus importants sont les motifs des geas, des sortilèges et le motif des chaînes de l'amour : dans le roman, ce motif se transforme en motif de la boisson d'amour que Tristan et Isolde boivent sur le navire.

Il existe également des motifs plus spécifiques : des motifs associés à deux hirondelles. Motifs de contes de fées : obtenir une beauté, une voile noire et blanche, une bataille avec un dragon. Une attention particulière devrait être accordée à : une tentative de minimiser le rôle des femmes par rapport aux sagas celtiques (beaucoup ont appelé le roman le roman « À propos de Tristan », car il devrait y avoir un protagoniste - un chevalier).

Sur le plan de la composition, le roman sur Tristan est structuré comme sa vie : de la naissance à la mort. La naissance de l’amour pour Isolde constitue un tournant dans cette histoire de la vie du héros. Dans la tradition hagiographique, un tel tournant était la révélation qui survenait après les épreuves. La vie de Tristan peut être représentée graphiquement sous la forme d'une sorte de parabole. Le nom qui lui a été donné à la naissance (tristesse, tristesse) est le destin d'un héros et l'altruisme - deux constantes. Ligne ascendante : c'est un héros - un chevalier idéal (architecte, sorcier, constructeur naval). Dans cette lignée, il réalise trois exploits sous forme de duel. Ils ont une signification symbolique : il conquiert la terre, restitue la dette à son père, bat le géant Warhold, restitue la dette au roi Marc, tue le dragon, rembourse la dette à la famille d'Isolde, dont il a tué le parent, + obtient la beauté. En tant que chevalier, il était pleinement réalisé à ce moment-là. Dans la tradition hagiographique, c’est dans cet état qu’ils se présentent devant le Tout-Puissant. Dans notre histoire, la rencontre avec Dieu est remplacée par la rencontre avec l'amour. Dans la lignée descendante, Tristan est dominé par l'amour : le repentir lui est étranger ainsi qu'à Isolde, ils sont sans péché, bien qu'ils sachent qu'ils sont coupables devant Marc. Puis ils se séparent pour s'unir dans la mort. La première erreur est la boisson, la deuxième erreur est de tricher avec la couleur des voiles. D’une certaine manière, cela corrige le premier. Le premier, une boisson, leur donnait de l'amour, mais ne leur donnait pas le droit d'être ensemble, le second leur permet de s'unir dans la mort.

Le motif du philtre d'amour est présent dans toutes les versions médiévales du roman. Cela semble souvent déprimant pour une personne moderne. Mais cela n'apparaît pas pour justifier cette passion, mais pour expliquer deux miracles : le phénomène de réciprocité de l'amour et le caractère indispensable de l'homme amoureux. Un tel amour est rare ; chaque époque comprend à nouveau de tels miracles. Seule la personne découverte dans le roman découvre que tout dans la sphère terrestre peut changer. Sauf l'amour, qui est singulier, irremplaçable. La fin du roman est paradoxalement lumineuse ; elle fait naître la foi dans le triomphe de l'amour, symbolisé par les pousses vertes du chèvrefeuille. Au XIXe siècle, sur la tombe d'Eliza et Abilar, une arche en chèvrefeuille est apparue, érigée par les descendants.

"Le chant des Nibelungen"

C'est le produit d'une féodalité très mature. La créativité épique appartient alors au passé : le roman chevaleresque est déjà venu la remplacer. Le poème, tel qu'il nous est parvenu, a été créé dans les terres du Danube sur le territoire de l'Autriche moderne au tournant des XIIe et XIIIe siècles. L'auteur était soit un talentueux chanteur-shpilman (artiste), soit un traducteur de romans chevaleresques, soit un ecclésiastique du cercle de l'évêque Pilgrom. C'était un poète talentueux et expérimenté. Elle a subi une si forte influence du roman courtois que beaucoup nient son lien avec l'épopée héroïque.

La forme extérieure du poème est proche d'un roman, mais la nature du matériau n'est pas typique d'un roman, en particulier dans la deuxième partie de la « Chanson » avec son puissant élément épique. Il est évident que l'auteur a travaillé sur le matériau d'anciens chants épiques. Il est généralement admis qu'il est basé sur deux poèmes allemands : sur la mort de Siegfried et la mort des Burgoons.

Deux parties de la « Chanson » :

Dans le premier, l'atmosphère d'un roman chevaleresque prévaut ; la base épique est difficile à saisir (on a essayé de lui trouver un prototype historique, par exemple, comme Miromin). Mais c’est quand même un héros de conte de fées, pas un héros historique. La première partie (avant la mort de Siegfried) : tous les personnages sont courtois et sophistiqués. Là-bas, les invités viennent aux fêtes et aux divertissements sans armes : dans l'épopée héroïque, cela est exclu, là-bas ils ne se séparent pas des armes.

Dans la deuxième partie règne l'atmosphère d'un chant d'escouade héroïque, autre grand chant sur la défaite ici, il n'y a pas de vainqueur : les escouades de tous les rois et toute la famille des souverains bourguignons périssent.

Par rapport à la version de « l'Ancien Edda » : l'histoire gagne une place importante à la mythologie, mais en même temps les deux événements principaux reçoivent une nouvelle coloration mythologique et mystique (motif du solstice). Les deux tragédies (la mort de Siegfried et les Bourguignons) s'avèrent liées au culte de la nature, perçu de manière mystique. 2 solstices ainsi que deux fêtes (chez les Bourguignons et dans le royaume des Huns) : cette symétrie témoigne de la grande habileté de l'auteur du poème.

Le grain historique de la chanson est un événement réel : 437 - la chute du royaume des Bourguignons sur le Rhin sous les assauts des Huns. Dans ce « Chant », ils mourront au-delà du Danube. Un laps de temps très long sépare un événement historique de son enregistrement : l'événement et l'enregistrement sont séparés de sept siècles. Ni la chanson sur Sid ni celle sur Roland n’avaient une telle distance.

L'article de Gourevitch « Le continuum espace-temps du Chant des Nibelungen ».

Trois chronotopes : l'antiquité fabuleuse, l'époque héroïque des migrations des peuples et la modernité courtoise. La « Chanson » n’a pas d’histoire.

Les premières étapes du développement du terrain sur le sol allemand sont difficiles. En Allemagne, multitribale, douloureusement christianisée. Les chansons n’ont pas pu être enregistrées, personne n’y a pensé.

Le Chant des Nibelungs est une épopée centrifuge.

Les premières étapes de l'intrigue des Nibelungen sont reconstituées à partir des épopées scandinaves (Elder Edda, Volsung saga et Tiedrich saga).

L'action s'étend sur environ 40 ans : les personnages ne vieillissent pas et ne changent pas. L'action du premier volet se déroule à Worms à la cour des rois burgoniens Guntor et frères. Kremhilda, leur sœur, fait un rêve prophétique à propos de sa fiancée : un faucon picoré par les aigles. Les Nibelungs - l'auteur ne comprend pas très bien cela. Initialement, les niflungs sont les gardiens des entrailles de la terre. Les Niflungs sont les propriétaires du trésor, voués à la mort. Donc dans l'Edda. L'auteur de la chanson sur les Nibelungen ne le sait plus. Dans les chants, les Nibelungs sont le nom de celui qui possède le trésor.

Dans les Nibelungen, le motif de la malédiction disparaît : le trésor est un symbole de pouvoir, de domination, de richesse. Le motif de l'anneau disparaît également dans la chanson (dans l'Edda, il est incroyablement significatif : le trésor a été maudit à cause de l'anneau volé). Il n'y a pas de bague, pas de Valkyrie, pas d'amour entre Brunhild et Siegfried, pas de jalousie. Dans la lignée Brunhild-Singfried, leur appartenance au monde des contes de fées, leur vengeance et leur haine ont été préservées.

Singfried tombe amoureux de Kremhild à cause de rumeurs sur sa beauté (motif courtois). Ce motif est étranger à l'épopée héroïque : Singfried, égal aux rois, est prêt à servir Guntor. Siegfried vit longtemps à la cour des Burgun : il épouse Guntor, etc. A une femme.

Le jumelage frauduleux devient fatal pour de nombreux héros, principalement pour Singfried lui-même. A la place de Gunthor, Siegfried subit trois fabuleuses épreuves. Un élément de conte de fées apparaît : la cape d'invisibilité, qui remplace le motif mythologique de la dualité.

La tromperie de la mariée a eu lieu, mais est restée secrète. Elle accepte de devenir l'épouse du plus fort. Déjà à Worx, Siegfried aidera Gunthor sur le lit nuptial.

La querelle des reines est le véritable début de la tragédie (dans l'Edda plus ancienne, une querelle n'était pas nécessaire : Brynhild aimait Sigurd). La scène au temple et la dispute : une motivation purement courtoise de la rivalité entre les reines. Querelles de femmes : Kremhild montre une bague et une ceinture.

Le motif du meurtre de Siegfried dans le Nibelungenlied est réduit. Dans l'Ancien Edda, cela est expliqué de manière beaucoup plus approfondie. Il y a un transfert en insulte de classe : pourquoi mon mari a-t-il épousé un vassal, humilié mon honneur et celui des Bourguignons.

La mort de Siegfried n’est pas le contenu principal, mais les principaux hauts et bas sur le chemin de la tragédie principale, la mort des nations. Le vassal fidèle Hagen entreprend de tuer Siegfried.

Les blessures de Siegfried assassiné saigneront à l'approche des tueurs. Violation de serments par les Bourguignons, meurtre dans le dos.

Motif de conte de fées : l’invulnérabilité du héros (entre les omoplates) ; un tel motif n’existe pas dans l’Ancien Edda ;

La première partie était structurée comme une romance chevaleresque : là Hagen est un vassal + loyauté, Kremhilda est une épouse attentionnée qui a commis une erreur fatale. Les personnages sont doubles : ils sont basés sur deux chansons apparues à des époques différentes.

Aux XIe-XIIIe siècles. les villes deviennent des centres d’artisanat, de commerce et de culture. Les croisades des seigneurs féodaux européens ont lieu à l'Est, en Palestine. L’isolement de l’Europe qui a duré plusieurs siècles touche à sa fin. A cette époque, en France et dans d’autres pays européens, se développe une culture laïque fondée sur un code de moralité chevaleresque. Le culte de la Belle Dame naît. La place du jongleur, shpilman, balbuzard pêcheur fut prise par un autre poète, instruit, servant à la cour du seigneur féodal. A cette époque, une réforme de la langue littéraire et de la versification a lieu. Les poètes de cette époque étaient appelés troubadours.

Un monde artistique à part entière est en train d’émerger : l’universitaire. Son propre système de personnages - divisé en mauvais et en bons dans leur attitude envers les amoureux. La joie et l'ennui sont contrastés. Même l’amour non réciproque est une joie. L'ennui est l'absence d'amour, l'incapacité d'aimer.

Le lyrisme et le roman connaissent leur plus grand développement en France. Le centre de la poésie chevaleresque est le sud de la France (Provence), influencé par l'Orient arabe. Après l'effondrement de l'empire de Charlemagne, la Provence devient indépendante. Une langue littéraire (provençal, occitan) s'est développée ici à partir du latin. La poésie provençale est un modèle pour tous les peuples européens. La poésie et la langue provençales ont survécu pendant 200 ans avant d'être annexées par le Nord de la France. Les créateurs de paroles provençales étaient des troubadours ou des trouvères. Ils aspirent à l’excellence professionnelle et développent de nombreuses formes et genres poétiques :

canzone - un poème d'amour d'une forme exquise ;

sirventa – réflexions sur des sujets moraux et politiques ;

lamentation – un poème exprimant la tristesse du poète face à la mort d'une personne ;

tenzona – argumentation, dialogue ;

Pastorella décrit l'amour d'un chevalier et d'une bergère sur fond de nature ;

alba (on chante la séparation des amoureux le matin après une rencontre secrète), etc.

La science connaît environ 500 noms de poètes troubadours.

Le thème principal de la poésie chevaleresque est l'amour. L'objet de l'amour est une femme mariée, épouse d'un seigneur féodal. Par conséquent, l’une des idées de la littérature courtoise est une protestation contre le mariage en tant que transaction entre parents. La poésie décrit l'amour secret, le nom de la dame n'est pas mentionné, parce que... cela pourrait lui faire du mal. C'est un amour subtil et raffiné. La plus haute récompense pour un poète est un baiser. Le culte du service à la Belle Dame s’est également développé dans la littérature. La poésie décrit des images, des positions et des situations originales.

La poésie courtoise reflète artistiquement l'énorme processus moral associé à l'amour individuel.

Avec un grand nombre de nuances de paroles de troubadour, son trait commun est le désir de joie terrestre, de beauté matérielle, mais en même temps, la noblesse intérieure des sentiments. «Raison», «jeunesse» et «mesure», tels sont les slogans constamment répétés dans la poésie des troubadours.

L'amour, selon les troubadours, est déterminé par le libre choix personnel, qui nie les liens de classe, d'Église et de féodalité. C’est pourquoi un motif très courant dans la poésie troubadour est que l’objet de l’amour est une femme mariée. Cela reflète la protestation naturelle du sentiment humain contre les mariages de convenance qui prévalaient dans le milieu aristocratique de cette époque. Si, d'une part, l'amour chez les troubadours était une glorification du sentiment libre et que leurs paroles élevaient la poésie au niveau de l'art véritable, alors en même temps, chez des poètes peu originaux et enclins aux clichés, les deux conduisaient à maniérisme et formalisme; dans leurs paroles, toute spontanéité et toute sincérité disparaissaient souvent. La compréhension de l'amour prend ici une coloration spécifiquement chevaleresque : elle devient un service féodal rendu à une dame, un sentiment courtois par excellence.

Très tôt et très certainement, les paroles des troubadours ont eu un impact sur la poésie du nord de la France. Ici, les paroles chevaleresques sont nées, quoique avec un certain retard, des mêmes racines et des mêmes bases socioculturelles que celles du Sud. Au début, il s'est développé de manière indépendante, se distinguant par la simplicité relative de ses formes et de son contenu. Mais bientôt elle fut influencée par les paroles provençales, d'où elle tira la philosophie correspondante et de nombreuses caractéristiques de style.

Les créateurs de paroles courtoises étaient les troubadours - poètes et chanteurs provençaux. L'origine du mot « troubadour » lui-même est liée au sens du verbe trobar - « trouver » (au sens de « inventer, trouver quelque chose de nouveau »). La période d'existence est les XIe-XIIIe siècles. Il convient de noter que les troubadours, contrairement aux vagantes, qui écrivaient à la fois en latin et dans leur langue maternelle, écrivaient exclusivement en provençal et étaient déformés de telle manière qu'il n'est presque pas traduit en russe avec le sens exact. des vers. Le premier troubadour est considéré comme Guillem d'Aquitaine (1071-1126). Jauffre Rudel (milieu du XIIe siècle) était également célèbre, Marcabrun (milieu du XIIe siècle), Bernard de Ventadorn (années de création : 1150). - 1180), Giraut de Bornel (1162 - 1200), Bertrand de Born (c. 1140 - 1215), Arnaut Daniel (c. 1140 - 1200) , Peire Vidal (dernier quart du XIIe siècle).

2) Caractère traditionnel de la poésie. S'inscrivant pleinement dans le système canonique des genres, les paroles des troubadours nécessitaient essentiellement non pas un individu, mais une image de genre de l'auteur, avec laquelle le véritable « je » du poète cherchait à fusionner. Bien sûr, le travail des troubadours reflétait leurs véritables passions, goûts et croyances, leur expérience de vie réelle, mais tout cela était certainement projeté sur le cadre fixé dans la tradition (situationnelle et visuelle), puisque les troubadours étaient convaincus qu'une telle tradition avait a développé les meilleurs moyens pour atteindre n'importe quel état ou mouvement de l'âme et la tâche est seulement de « faire revivre » les formes toutes faites du genre avec un sentiment sincère. Autrement dit, la poésie des troubadours s'est construite sur l'identification des événements réels de la vie représentés avec des modèles stables de sa perception.

Distingués par convention et canonicité, tous les personnages et situations des paroles des troubadours étaient décrits à l'aide d'un système de formules stables. La dame des poètes courtois est certainement belle. Elle est parfaite d'âme et de corps et est capable d'inspirer une passion sublime et dévorante. La Dame était caractérisée par des signes tels que « joues fraîches », « satin des mains », « lumière des yeux », reflétant la substance étincelante de la beauté divine. Bertrand de Born a même écrit une chanson sur la « Dame composite », où il réunit des traits empruntés aux Dames d'autres poètes. Le « je » du héros lyrique avait un caractère similaire : quels que soient la classe spécifique, les signes psychologiques et autres des troubadours, chacun d'eux représentait le chanteur de l'amour courtois sous la forme idéale.

3) Caractéristiques de la doctrine courtoise de l'amour. L'amour ne s'intéresse pas aux résultats ; il se concentre non sur la réalisation d'un objectif, mais sur l'expérience, qui seule peut apporter la plus grande joie à l'amant. Cette joie s'obtient à travers un long chemin de souffrance, mais la souffrance elle-même volontairement acceptée se transforme en joie pour le troubadour.

Sans rompre avec l'érotisme originel, le nouveau concept, qui rendait la Dame fondamentalement inaccessible, concentrait l'énergie de l'amour sur son aspect idéal. Ayant été source d'amélioration spirituelle pour un homme, cet amour a en quelque sorte libéré la femme de l'attitude qui prévalait tout au long du Moyen Âge à son égard en tant qu'être d'un ordre inférieur, auteur de la Chute et vaisseau du mal.

Les troubadours ne chantaient pas leur sensualité, mais quelque chose de complètement différent : l’amour de l’homme pour le Bien, la Beauté et la Perfection, principes qui ont un pouvoir absolu sur le monde, le remplissant de sens et de chaleur morale. Leur innovation réside dans le fait que pour la première fois ils ont décidé d'identifier ce bien non pas directement avec Dieu et la Vierge Marie, mais avec féminité idéalisée, incarnant les valeurs spirituelles les plus élevées, concentrées et personnifiées à l'image d'une Dame.

Cette idéalisation avait un double sens. D’une part, l’amour pour la Dame était pensé comme un reflet et un avant-goût de l’amour céleste et prenait donc la forme d’une déification et d’un culte religieux. En excluant l’élément charnel et conjugal des relations, les poètes ont souligné la nature purement spirituelle des sentiments qu’ils glorifient.

D'autre part, le fait même de mettre en valeur non pas le bien abstrait et non le Dieu céleste, mais la Dame « terrestre », bien que déifiée, parle du désir des troubadours de consolider les valeurs les plus élevées non pas dans l'au-delà, religieuses, mais dans la sphère « de ce monde ». Ceci confirme qu'en utilisant des significations et des formules mystiques, les troubadours créaient néanmoins des laïque paroles.

Il faut souligner que, formée dans un environnement féodal, la poésie des troubadours conceptualisait inévitablement l'amour pour une Dame en termes de relations féodales. Adorant la Dame comme une divinité, le poète était à la fois « fidèle » et la « servait » comme vassal de son seigneur,

La beauté de la Dame était interprétée comme un reflet de la beauté et de la perfection divines, et l'amour comme une aspiration à cet idéal et le désir de l'atteindre. La dame n'est ainsi devenue qu'une personnification de ces propriétés idéales qu'une personnalité courtoise s'efforce de posséder. Dans ce cas, le rôle décisif a été joué par le motif de l'amour non partagé et insatisfait (images d'une « Dame lointaine », « Dame inaccessible »), c'est-à-dire un idéal inaccessible vers lequel on ne peut que tendre sans fin. Arnaut de Mareil écrivait : « Je ne pense pas que l’amour puisse être divisé, car s’il est divisé, il faut changer de nom. »

La poésie des troubadours était un « jeu » esthétique conscient et déterminé, mais ce n'était en aucun cas un jeu formaliste, car l'amour courtois pour la Dame s'incarnait avec une plénitude absolue précisément dans l'acte de créativité poétique : pour glorifier au mieux la Dame précisément destiné à composer le meilleur, c'est-à-dire le plus sophistiqué, une chanson en son honneur. C'est pourquoi le mot avait la plus grande charge sémantique et la plus grande tension dans le lyrisme courtois "chanter", ce qui signifiait :

• 1) créer la chanson elle-même ;
• 2) exprimer le sentiment exalté d'un troubadour ;
• 3) chanter Fin’Amors ;
• 4) créer une harmonie sonore qui suscite un sentiment de « joie » courtoise ;
• 5) l'amour.

En se croisant, toutes ces significations ont créé un noyau sémantique unique, de sorte que finalement « chanter » et « aimer » ont commencé à être perçus comme des synonymes absolus. Ainsi, la chanson d’amour semblait fermée sur elle-même, car elle était l’aspiration incarnée au bien, à la vérité et à la beauté, la plus haute tension des pouvoirs créateurs du troubadour, résolue dans la Joie courtoise.

4) La notion d'univers courtois. La place centrale dans le monde poétique des troubadours était occupée par le concept de Fin'Amors (« amour subtil », « parfait » généré par Dieu) comme source de tout l'ensemble des qualités courtoises, commençant par la loyauté et la valeur et se terminant par avec toute forme de politesse et de courtoisie. Ce concept s'oppose à Fals'Amors - un amour « faux », « dénué de sens » - le produit d'un mal abstrait, menant au-delà des frontières du monde courtois. Autour de l'opposition de ces deux concepts se forme un ensemble complexe de termes qui constituent le noyau principal des valeurs courtoises. Tout cela se reflète dans l'image de l'Arbre allégorique de l'Amour.

Dieu ( comme la seule source possible d'amour) ? des fins amours ? Cortezia? valeurs courtoises – 1) valeur ( la valeur intrinsèque d'une personnalité courtoise, qui naît de la présence de beauté, d'intelligence, de jeunesse)

2) joi ( joie découlant du service courtois) 3) pretz (honneur) bref, c'est un comportement courtois : la générosité,

mezoura (mesure) loyauté , générosité, discours courtois.

Il s'oppose à un système de qualités anti-courtoises :

Le mal (le mal abstrait, pas le diable) ? de faux amours ? Vilénia(incivilité) ? 1) crime ( antithèse valeur – faux-semblant, derrière lequel se cachent des qualités négatives : la laideur, la bêtise, la vieillesse ), 2) enoi (désir, ennui, irritation due au manque de courtoisie) 3) désonor 4) démesura ( antithèse des paragraphes 3-4 : arrogance, infidélité, manque de courtoisie).

5) Principaux genres et personnages. Le travail des poètes provençaux en termes de genre était très formalisé (normalisé) : le respect des règles d'écriture d'une œuvre était accordé une grande importance, tant sur le fond que sur la forme. Dans le même temps, le contenu des chansons était souvent attribué à un genre donné ainsi que certains éléments de composition obligatoires.

La poésie des troubadours est avant tout amoureuse. Les troubadours chantaient l'amour dans le genre numériquement prédominant et le plus important de la chanson courtoise, ou cansons

Le canson provençal contient généralement 5 à 7 strophes, fermées par une ou deux prémisses (tornades). Les prémisses se composent de 3-4 versets, répétant la structure métrique et les rimes de la strophe finale. Ils contiennent généralement une indication du destinataire de la chanson, souvent cryptée avec un nom conventionnel, « señal ».

Cependant, les troubadours ne chantaient pas seulement l'amour et les dames. Dans leurs œuvres, ils ont répondu à toutes les questions urgentes de notre temps : ils ont écrit sur des événements politiques, des questions morales, ont ridiculisé leurs opposants politiques ou religieux, prêché des croisades, glorifié le courage et la générosité de leurs mécènes et amis et pleuré leur mort. Tout cela pourrait être fait dans le genre sorrentie. Dans les Sirventas, il était d'usage d'utiliser des schémas métriques et de la musique de cansons déjà existants.