Fuerza impulsora La acción en el drama de Gorky es una lucha de ideas y, en consecuencia, todo el espectro utilizado por el autor. técnicas artísticas enfatiza esto. Tanto la trama de la obra como su composición también funcionan línea principal dramas. La obra no tiene una trama brillante y en movimiento. Los personajes de la obra están separados, concentrados en distintos rincones del escenario.
La trama principal de la obra.
Temas de mitología y fantasía popular, trabajados con mejores métodos y producciones secuenciales, como en la mayoría nivel profesional, encantar al público -niños y mayores- y recibir aplausos también ha importante, en sus actuaciones en Belo Horizonte y otras ciudades brasileñas y en el exterior. Desde entonces, se han realizado revisiones de mecanismos apropiados para obtener movimientos más precisos para evitar gestos involuntarios, combinados con atención a varios métodos Las manipulaciones condujeron a la mejora necesaria en el desempeño del grupo.
La obra "En las profundidades inferiores" es un ciclo de pequeños dramas, en los que los tradicionales momentos culminantes ocurren detrás de escena (la muerte de Kostylev, el acoso de Vasilisa a Natasha, el suicidio del actor). El autor elimina deliberadamente estos eventos del campo de visión del espectador, enfatizando así que lo principal en la obra son las conversaciones. El drama de Gorky comienza con la aparición del dueño del refugio, Kostylev. De la conversación entre los refugios nocturnos se desprende que está buscando a su esposa Vasilisa, quien se deja llevar por Ash. Con la aparición de Lucas se produce el inicio de la acción (el final del primer acto). En el acto cuádruple llega el desenlace. Monólogo de Satin: “¿Qué es la verdad? ¡Hombre, esa es la verdad! es punto mas alto la intensidad de la acción, el clímax del drama.
El territorio seguro de los cuentos infantiles famosos dio paso a un teatro que valoró nuestras raíces y tradiciones y rescató historias y leyendas del folclore brasileño. La dinámica decorativa, suavizada por la música, ofreció un material lúdico muy adecuado al género. teatro de títeres.
Debajo se abrió un nuevo espacio que permitió montar escenas simultáneas. Introdujo el títere de alambre, una manipulación más compleja, ampliando así la capacidad expresiva. léxico. Más importante, sin embargo, fue la creación de un nuevo texto dramático basado en Brasil y en la tradición minera: el folklore de camino de entrada, alma de la gente Redescubrí a Álvaro y Mada con deliciosas mesas llenas de humor, picardía y poesía.
Los investigadores de la obra de Gorky notaron otra característica: el dramaturgo utiliza los llamados episodios "que riman". Se reflejan dos diálogos entre Nastya y Baron. Al comienzo de la obra, la niña se defiende del ridículo del barón. Después de que Luka se va, los héroes parecen cambiar de roles: todas las historias del barón sobre su antigua vida rica van acompañadas del mismo comentario de Nastya: "¡Eso no sucedió!" La rima semántica exacta de la obra es la parábola de Lucas sobre la tierra justa y el episodio sobre el suicidio del actor. Ambos fragmentos coinciden textualmente en las líneas finales: “Y luego se fue a casa y se ahorcó…” y “¡Oye… tú! ¡Ve... ven aquí! ¡...El actor se ahorcó allí! Estos fragmentos, según el autor, están destinados a conectar partes de la composición.
La composición del espectáculo comenzó a privilegiar la música sabrosa, el arraigo popular y el folklore. Detrás un tiempo corto ya reúne producciones de calidad que pueden presentarse como “teatro de repertorio”. Zona cercana al colegio Bellas Artes fue cedido a Giramundo, lo que permitió adquirir máquinas y herramientas para realizar el montaje de carpintería adecuada.
La composición de la obra es la ausencia de desarrollos argumentales bruscos.
Para grabar el texto y la música, cada espectáculo requirió la actuación de compositores, actores, cantantes e instrumentistas. Giramundo no tuvo en cuenta la observación de Michalski. Pero ha llegado el momento de realizar un trabajo más ambicioso y coherente en esta dirección. Sin embargo, ¿dónde se puede encontrar el texto apropiado?
Los héroes de la obra "At the Bottom" tradicionalmente no se dividen en principales y secundarios. Cada personaje tiene su propia historia, su propio destino y lleva su propio significado en la obra. En la obra se contrastan marcadamente. El autor se refiere a la antítesis más de una vez. En contraste con las terribles condiciones de vida, la pobreza y la desesperanza, el himno al Hombre suena con fuerza.
En busca de ideas para una nueva producción, Madu sugirió el poema Cobra Norato, de Raoul Bopp, ícono de nuestra literatura desde el primer momento del Modernismo. Álvaro Apocalipsis dice que "un rayo cruzó el cielo de Girumundo". Nos las arreglamos librerías ciudad hasta que lo encontraron. Ese mismo día comenzamos a desentrañar el poema con la perspectiva de ponerlo en escena. Descubrieron que el poema había dormido en el inconsciente de cada uno de ellos, por ejemplo, de un conocido en el que llevaba años con él.
El entusiasmo se redobló cuando, apoyados en una bibliografía, analizaron el poema a la luz de la literatura, la antropología, el mito y las alternativas tecnológicas. La elección de las imágenes fundamentales fue paralela a la edición del guión, acordando que el poema no sufriría ningún cambio.
Gorky siempre dio lenguaje gran valor. Y en la obra, son los diálogos los que dan a la acción una atmósfera de tensión y conflicto. El autor pone en boca del héroe palabras brillantes y concisas para expresar la idea principal: sobre el propósito del Hombre: “¡Sólo el hombre existe, todo lo demás es obra de sus manos y su cerebro! ¡Humano! ¡Es genial! ¡Suena orgulloso! El destino se reflejó en el discurso de cada personaje, trasfondo social, nivel de cultura. Por ejemplo, el discurso de Lucas es inusualmente aforístico: "Donde hace calor, allí está la patria", "No hay orden en la vida, no hay limpieza", "... ni una sola pulga es mala: todas son negras, Todos saltan”. Material del sitio
Desde entonces, Cobra de Norato se ha hecho conocido como "el más brasileño de todos los poemas". Para obtener los derechos de montaje del espectáculo, Álvaro, Terezinha y Madu visitaron al autor, entusiasmados con el proyecto, durante una larga conversación le brindó información valiosa sobre el diseño y el proceso de realización del poema y le ofreció un grupo de documentación adicional. fotografías e investigaciones sobre el mito de la Cobra Onorato y la cultura amazónica. Finalmente, accedió a ceder a Giramundo todos los derechos finales para utilizar el poema en la colección teatral.
De este modo, originalidad artística La obra de Gorky "En las profundidades inferiores" es:
- formulación de problemas filosóficos agudos;
- rechazo de una historia brillante y conmovedora;
- episodios "que riman";
- falta de división en personajes principales y secundarios;
- diálogos dinámicos, característica del habla héroes de la obra.
La obra "En las profundidades inferiores" fue concebida por Gorky como una de las cuatro obras de un ciclo que muestra la vida y la cosmovisión de las personas de diferentes capas sociedad. Este es uno de los dos propósitos de crear una obra. Significado profundo, que el autor puso en él: un intento de responder a las principales preguntas de la existencia humana: qué es una persona y si conservará su personalidad, habiéndose hundido "hasta el fondo" de la existencia moral y social.
A partir de ahí, la imaginación se volvió loca, delirante, dando origen a formas de mitología fantástica: plantas, animales, espíritus ancestrales, dios, elementos naturales, formas extrañas que le darían cuerpo y movimiento hermoso texto Raúl Boppa. Las intenciones son varias: en primer lugar, crear, en esencia, un teatro de títeres brasileño. De ahí la elección: Cobra Norato, el más brasileño de todos los poemas escritos hasta ahora. En honor al autor Raoul Bopp por su gran legado de auténtica poesía brasileña. En segundo lugar, estudiar el lenguaje del teatro de títeres en un sentido de investigación; utilizando el potencial de la muñeca en un área no estándar.
Historia de la obra
La primera evidencia de trabajo en la obra se remonta a 1900, cuando Gorky, en una conversación con Stanislavsky, mencionó su deseo de escribir escenas de la vida de un albergue de mala muerte. Algunos bocetos aparecieron a finales de 1901. En una carta al editor K. P. Pyatnitsky, a quien el autor dedicó la obra, Gorky escribió que en la obra planeada todos los personajes, la idea, los motivos de las acciones estaban claros para él y "dará miedo". La versión final de la obra estuvo lista el 25 de julio de 1902, se publicó en Munich y salió a la venta a finales de año.
Una tarea: buscar el dramatismo en un texto literario sin intenciones teatrales, sin recurrir a adaptaciones o reescrituras de guion. Entendemos que todo en el poema tiene vida: árboles, ríos, animales. Y darle vida a la vida es el oficio de un titiritero. Y las metamorfosis de los personajes, la riqueza visual y sonora del bosque contribuyen a los vuelos de imaginación y libertad creativa. En este punto, Alvaro Apocalypse incorporó nuevos materiales y nuevos métodos constructivos encaminados a obtener mayor ligereza y movimientos más animados, haciendo más fácil y rápida la manipulación.
Las cosas no fueron tan color de rosa con la producción de la obra en los escenarios de los teatros rusos: estaba prácticamente prohibida. Sólo se hizo una excepción con el Teatro de Arte de Moscú; otros teatros tuvieron que obtener un permiso especial para la producción.
El título de la obra cambió al menos cuatro veces durante la obra, y el autor nunca determinó el género: en la publicación se leía "En el fondo de la vida: escenas". El nombre abreviado y familiar para todos apareció por primera vez en el cartel del teatro durante la primera producción en el Teatro de Arte de Moscú.
La cuestión de la música se ha vuelto fundamental, más que ilustrativa, para resaltar el escenario. El concepto de espectáculo requería material de la música, como elemento que interactuaba estrechamente con el texto y forma visual. Álvaro supo darle al texto un enfoque teatral y dramático sin omitir una sola coma. Recibe los premios más importantes del teatro brasileño. Hasta el día de hoy, el espectáculo se ha presentado en teatros y plazas y, en una atrevida representación, en un escenario montado sobre el agua.
La emoción confesada llevó al escritor a comentar que el grupo entendió el poema "más que yo". Raoul Bopp moriría meses después. Por tanto, Cobra Norato supone un problema para cualquier espectador que albergue algún tipo de prejuicio contra el teatro de títeres. Difícilmente alguien podrá olvidarse del resplandor del encanto y la plasticidad del espectáculo. Todo en la acción es constantemente fuerte y vivo, lo que se desarrolla en la narrativa de manera tan cautivadora. palabras mágicas, no puedo describir honestamente las poderosas y a veces inquietantes imágenes del programa, cuya mirada puede cortar el aliento de un espectador más desprevenido.
Los primeros artistas fueron el elenco estrella del Teatro de Arte de Moscú. teatro academico: K. Stanislavsky interpretó el papel de Satin, V. Kachalov interpretó a Barona, I. Moskvin interpretó a Luke, O. Knipper interpretó a Nastya, M. Andreeva interpretó a Natasha.
La trama principal de la obra.
Los mitos de las leyendas amazónicas se desarrollan con movimientos sutiles: las muñecas son controladas con gran destreza, además de ser ayudadas por la iluminación encendida. nivel internacional. Serpientes que se convierten en chicos, o Boyois que se infiltran en la India, y niños que se convierten en serpientes, todo ello mostrado en una narrativa mágica. Para Mariángel Alves Lima, Estado de Sao Paulo.
Cobra Norato es una confirmación de la fe en la naturaleza del hombre brasileño. Lo que la obra ofrece como afirmación es una especie de canto de amor, una exaltación y reafirmación de la fe en la naturaleza y el hombre de este país. Cada esfuerzo de representación se centra en identificar y comunicar este mismo fuerte belleza. Las señales visuales y auditivas del espectáculo son, por tanto, deliberadamente seductoras. Fueron creados para ser encantados con la misma intensidad de realidad con la que se relacionan.
La trama de la obra está ligada a las relaciones de los personajes y al ambiente de odio general que reina en el refugio. Este es el contorno exterior de la obra. Una acción paralela explora la profundidad de la caída de una persona “hasta el fondo”, la medida de la insignificancia de un individuo social y espiritualmente degradado.
La acción de la obra comienza y termina. historia la relación entre dos personajes: el ladrón Vaska Pepel y la esposa del dueño de la pensión Vasilisa. Ash ama a su hermana pequeña Natasha. Vasilisa está celosa y golpea constantemente a su hermana. También tiene otro interés en su amante: quiere liberarse de su marido y empuja a Ash al asesinato. Durante el transcurso de la obra, Ash mata a Kostylev en una pelea. En el último acto de la obra, los invitados del refugio dicen que Vaska tendrá que someterse a trabajos forzados, pero Vasilisa todavía "saldrá". Por lo tanto, la acción gira en torno al destino de los dos héroes, pero está lejos de limitarse a ellos.
Historia de la obra
En primer lugar, la interpretación oral de un poema es más que un soporte a la escena. Hay ritmo y la invención de combinaciones de sonidos con tales fuerza poderosa la sugerencia de que las imágenes descritas oralmente llenen el espacio de la actuación con una fuerza autónoma.
Dentro de este paisaje, creado por la interpretación y música de Lindemberge Cardoso, se insertan personajes tridimensionales inspirados en la escultura popular. Los muñecos invitan a un viaje a través de un paisaje caracterizado por el gigantismo. Se trata de una invitación, sin duda alusiva, que sigue los movimientos de cooptación del hombre serpiente. El turbio misterio de los manglares amazónicos se suaviza con las descaradas actuaciones de los personajes. El supuesto antropomórfico predominante sugiere que la selva es principalmente un sujeto que manifiesta y alberga vida.
El período de tiempo de la obra es de varias semanas. inicio de la primavera. La época del año es un componente importante de la obra. Uno de los primeros títulos que le dio el autor a la obra es “Sin sol”. De hecho, es primavera y el mar por todas partes. luz de sol, y en el refugio y en las almas de sus habitantes hay oscuridad. El rayo de sol para los refugios fue Luka, un vagabundo al que Natasha trae un día. Lucas trae esperanza de un resultado feliz a los corazones de aquellos que han caído y han perdido la fe en la mejor gente. Sin embargo, al final de la obra, Luka desaparece del refugio. Los personajes que confiaron en él pierden la fe en los mejores. La obra termina con el suicidio de uno de ellos, el actor.
Poco a poco el espectáculo ilumina las casi infinitas posibilidades de la belleza de este masa vital, separando un detalle e integrándolo en la totalidad evocada por la narración. Más que el éxito internacional de crítica y público, fue Raoul Bopp quien más nos conmovió. Ya muy mayor, vio el espectáculo con mucha emoción y finalmente nos dijo: “¡Ustedes entendieron el poema mejor que yo!”. Teatro para un público adulto, traducido como "locura" por el autor con una viveza asombrosa, destacando su carácter grotesco y crítico, una valentía que aporta una gran conciencia al grupo, además de mucha polémica.
Personajes principales
La obra describe la vida de un albergue de mala muerte de Moscú. Los protagonistas principales, pues, fueron sus habitantes y los propietarios del establecimiento. También en él aparecen personas relacionadas con la vida del establecimiento: un policía, que también es tío de la dueña de la pensión, un vendedor de empanadillas, cargadores.
Además, “su peculiaridad nos atrae con posibilidades que nunca ofrece el texto ordinario”. Para explorar los aspectos grotescos de la caricatura, construyó trofeos y títeres de alambre que, aunque más difíciles de manipular, permitían gestos y movimientos más fluidos, así como una expresión corporal más refinada. El estudio de la espacialidad como soporte de expresión no era nuevo, pero en esta performance respondió de manera muy original a la atmósfera asfixiante creada por el autor. A sostener este clima contribuyeron tanto la escenografía como la iluminación, así como la música, que Lindemberge Cardozo recreó magistralmente en esta obra, confirmando la productiva alianza con Giramundo iniciada en la pieza Cobra de Norato.
Schuler, el ex convicto Satin y el vagabundo, el vagabundo Luke, son portadores de dos ideas opuestas: la necesidad de compasión por una persona, una mentira salvadora por amor a ella y la necesidad de conocer la verdad, como prueba de la grandeza de una persona. , como señal de confianza en su fuerza de espíritu. Para demostrar la falsedad de la primera cosmovisión y la verdad de la segunda, el autor construyó la acción de la obra.
Un espectáculo que nos hace confiar en el poder creativo del teatro brasileño. Con espíritu vanguardista y gusto por la experimentación, Álvaro concebirá otros espectáculos con carácter de innovación y ruptura con lo que sería propio del teatro de títeres. Durante este período se iniciaron o realizaron íntegramente producciones en los talleres del Festival de Invierno con la participación de estudiantes y actores de diferentes rincones países y en el extranjero y se presentan como el programa final del evento.
Siempre reaccionando a la presión del orden político y a los cambios socioculturales que se están produciendo en el país y en el mundo, subraya muy bien su desconfianza hacia todo lo que le rodea. Así lucirá con exagerado sarcasmo el mundo del poder, de la violencia, ya sea pública o privada. La idea del espectáculo reflejaría la relación afectiva que los integrantes del grupo mantenían con una creación popular, ofreciendo la oportunidad de volver a trabajar con elementos. tradición religiosa Minas en su vertiente lírica, cuya poesía se relaciona con las vivencias infantiles de cada uno.
Todos los demás personajes forman el trasfondo de esta batalla de ideas. Además, están diseñados para mostrar y medir la profundidad de caída a la que es capaz de caer una persona. El actor borracho y Anna, una enferma terminal, personas que han perdido por completo la fe en sus propias fuerzas, caen bajo el poder de maravilloso cuento de hadas, a lo que Luke los lleva. Son los que más dependen de ello. Con su partida, físicamente no pueden vivir ni morir. El resto de los habitantes del refugio perciben la aparición y partida de Luka como el juego de un rayo de sol primaveral: apareció y desapareció.
Las investigaciones de José Adolfo Mura contribuyeron al rescate y recomposición de estas manifestaciones que fundaron la tradición en la zona de Belo Horizonte, pero que cayó en desintegración, siendo casi la única - y fragmentaria - en memoria de los mayores. Del material recopilado y reorganizado nació el guión del programa. Una vez más, el compositor Lindemberg Cardozo será convocado para desempeñar funciones musicales. Organizó y recreó temas manteniendo su autenticidad y belleza simple. El compositor también se encargó de preparar y dirigir un conjunto de instrumentistas y un coro para grabar la pista del espectáculo.
Nastya, que vende su cuerpo "en el bulevar", cree que hay un amor brillante, y así fue en su vida. Kleshch, el marido de la moribunda Anna, cree que saldrá del fondo y empezará a ganarse la vida trabajando de nuevo. El hilo que lo conecta con su pasado laboral sigue siendo una caja de herramientas. Al final de la obra, se ve obligado a venderlos para poder enterrar a su esposa. Natasha espera que Vasilisa cambie y deje de torturarla. Después de otra paliza, tras salir del hospital, ya no aparecerá en el refugio. Vaska Pepel se esfuerza por quedarse con Natalya, pero no puede salir de las redes de la poderosa Vasilisa. Esta última, a su vez, espera que la muerte de su marido le desate las manos y le dé la tan ansiada libertad. El barón vive de su pasado aristocrático. El jugador Bubnov, el destructor de las "ilusiones", el ideólogo de la misantropía, cree que "todos los hombres son superfluos".
Análisis de juego
La obra fue creada en condiciones en las que, después de la crisis económica de los años 90 del siglo XIX, las fábricas cerraron en Rusia, la población se empobrecía rápidamente y muchos se encontraban en el último peldaño de la escala social, en el sótano. Cada uno de los personajes de la obra experimentó una caída al fondo, social y moral, en el pasado. Ahora viven en el recuerdo de esto, pero no pueden elevarse “hacia la luz”: no saben cómo, no tienen fuerzas, se avergüenzan de su insignificancia.
Luke se convirtió en una luz para algunos. Gorky le dio a Luka un nombre "parlante". Se refiere tanto a la imagen de San Lucas como al concepto de “astucia”. Es obvio que el autor busca mostrar la inconsistencia de las ideas de Lucas sobre el valor beneficioso de la fe para el hombre. Gorky prácticamente reduce el humanismo compasivo de Luka al concepto de traición: según la trama de la obra, el vagabundo abandona el refugio justo cuando quienes confiaban en él necesitan su apoyo.
Satin es una figura diseñada para expresar la cosmovisión del autor. Como escribió Gorky, Satin no es un personaje adecuado para esto, pero simplemente no hay otro personaje en la obra con un carisma igualmente poderoso. Satin es la antípoda ideológica de Luke: no cree en nada, ve la esencia despiadada de la vida y la situación en la que se encuentran él y el resto de habitantes del refugio. ¿Satén cree en el Hombre y su poder sobre el poder de las circunstancias y los errores cometidos? El apasionado monólogo que pronuncia, discutiendo in absentia con el fallecido Luka, deja una impresión fuerte pero contradictoria.
También hay un portador de la "tercera" verdad en la obra: Bubnov. Este héroe, como Satin, "defiende la verdad", solo que de alguna manera le da mucho miedo. Es un misántropo, pero, en esencia, un asesino. Solo que no mueren por el cuchillo que tiene en las manos, sino por el odio que siente por todos.
El dramatismo de la obra aumenta de acto en acto. El esquema de conexión son las reconfortantes conversaciones de Luke con quienes sufren su compasión y los raros comentarios de Satin, que indican que escucha atentamente los discursos del vagabundo. El clímax de la obra es el monólogo de Satin, pronunciado después de la partida y huida de Luke. A menudo se citan frases de él porque tienen la apariencia de aforismos; “¡Todo en una persona es todo para una persona!”, “La mentira es la religión de esclavos y amos... La verdad es dios hombre libre!”, “¡Hombre, eso suena orgulloso!”
El amargo resultado de la obra es el triunfo de la libertad del hombre caído de perecer, desaparecer, irse, sin dejar rastro ni recuerdos. Los habitantes del refugio están libres de la sociedad, las normas morales, la familia y los medios de vida. Por en general, están libres de vida.
La obra "En las profundidades inferiores" existe desde hace más de un siglo y sigue siendo una de las obras más poderosas de los clásicos rusos. La obra te hace pensar en el lugar de la fe y el amor en la vida de una persona, en la naturaleza de la verdad y la mentira, en la capacidad de una persona para resistir el deterioro moral y social.
