Vivaldi "Las cuatro estaciones" - la historia de la creación
Hogar La vida de uno de los compositores más famosos que vivió hace más de 300 años, presentada con bastante claridad en una reputada enciclopedia de Internet, ha sido replicada en varios sitios reputados (y no tan respetados) con la adición de varias máximas del autor. Aquí hay intentos de volver a contar (resúmenes) y varias máximas sobre algunas "amantes" y "secretos" al estilo de Dan Brown y simplemente "ensayos sobre el tema" de varios autores que simplemente cortan el mismo texto enciclopédico para sus propios intereses. Mayoría
materiales interesantes
, como es habitual, se encontraron al final de la lista de búsqueda. Pertenecen a musicólogos, músicos profesionales, que basan sus trabajos en documentos y hechos específicos. La textura más espesa sigue el flujo solista, con todos los instrumentos tocando al unísono basándose en el medio arbusto. El tema regresa nuevamente, lo que actúa como una transición hacia el siguiente pasaje solista del violín principal. De los violines hay un violinista lento y punteado que comienza antes de que la línea lírica del violín solista entre en la batuta. Este tema es muy lento, fluido y sutil y realmente hace que el violín solista se destaque ya que todo el interés está dentro de esa sección. Este movimiento es bastante corto y de tono bastante similar en todo momento, y actúa como un suspiro de alivio entre los dos movimientos más rápidos entre los que se encuentra. Quizás el mejor ejemplo de este tipo de materiales sobre Vivaldi y sus “Estaciones” esté escrito por su nieto.
compositor famoso S. Maikapara - Alexander Maikapar y publicado por él en su propio sitio web -. Fiabilidad impecable, facilidad y lógica de presentación.
material historico en este artículo se convirtió para nosotros en el punto de partida en la creación de nuestra producción de luz y música. Con el amable permiso del autor, decidimos utilizar algunos de los materiales de este artículo en la producción y en nuestro sitio web., y realmente enfatiza la idea de unidad y compañerismo al discutir la temporada. Esto pronto termina cuando las secciones de Allegro comienzan en el bar. El ardiente patrón semiquagist es interpretado por un solista acompañado por una parte del continuo, lo que lo hace aún más emocionante cuando otras partes se unen para crear una textura espesa y deliciosa con la ayuda del compás. de uso interesante Variaciones de Vivaldi.
Así, “Las cuatro estaciones” de Antonio Vivaldi es un ciclo de cuatro conciertos para violín solo y orquesta. Cada uno de los conciertos consta de tres partes y cada una representa una temporada. Forman parte de una colección (Op. 8) titulada “Il Cimento dell’Armonia e dell’Inventione” (“La controversia entre armonía e invención”).
Compuesto - hacia 1720 (A. Vivaldi 32 años). Publicado - 1725 (¡5 años después!). Ámsterdam. Publicado por Michel Le Price. Completo título original: “Le quattro stagioni” (“Las cuatro estaciones”).
El "tema" principal es esencialmente empujado y extendido en diferentes ritmos para crear nuevo efecto para el oyente. Por ejemplo, el uso de semiquavals, semiquavals punteados y tresillos enfatiza el uso de las variaciones rítmicas de Vivaldi en este movimiento. Los modelos semiquapa de la sección de inicio de este movimiento son tan apasionantes que todas las piezas son vitales y cuentan con piezas técnicamente exigentes. Es un movimiento absolutamente hermoso que realmente muestra al solista con una melodía simple pero efectiva sobre los sutiles ritmos punteados que suenan debajo.
“Prete rosso” (“Sacerdote pelirrojo”) es el apodo que recibe Antonio Vivaldi en las memorias de Carlo Goldoni. Y, de hecho, era pelirrojo (“Rojo” era el apodo de su padre) y sacerdote.
Antonio Vivaldi (4 de marzo de 1678, Venecia - 28 de julio de 1741, Viena) nació en la familia de un violinista profesional; su padre tocaba en la Catedral de San Marcos y también participó en producciones de ópera. Antonio recibió una educación en la iglesia y se estaba preparando para convertirse en sacerdote: sucesivamente se convirtió en exorcista (exorcista; 1695), acolythus (receptor; 1696), subdiaconus (protodiácono; 1699), diaconus (diácono; 1700). Pero poco después de ser ordenado sacerdos (sacerdote; 1703), lo que le daba derecho a decir misa él mismo, lo rechazó, citando mal estado salud (sufría de asma, que fue el resultado de una lesión sufrida al nacer pecho). En 1703 fue catalogado como maestro di violino (profesor de violín) en el Ospedale delle Pietà. Este es uno de los orfanatos venecianos para niñas huérfanas. Con un intervalo de dos años, Vivaldi ocupó este cargo hasta 1716, cuando se convirtió en maestro de conciertos. Más tarde, estando ya lejos de Venecia, mantuvo sus conexiones con Pieta (en un momento enviaba allí dos de sus nuevos conciertos cada mes).
Esta interrupción mestiza se utiliza principalmente para enfatizar este cambio armónico desde el primer movimiento, aunque el efecto que tiene en el movimiento es increíblemente fuerte. El tercer y último movimiento del verano es mi movimiento favorito simplemente porque tiene una naturaleza ardiente que no sólo es emocionante sino increíblemente emocionante de escuchar. Tocando al unísono una vez más, el conjunto toca un patrón de trémolo semiquaro que es muy rápido. Este movimiento es técnicamente muy exigente y requiere la máxima concentración por parte de los jugadores debido a varias funciones Llamada y respuesta y rápidos movimientos dinámicos que escribió Vivaldi.
La reputación de Vivaldi comenzó a crecer rápidamente con sus primeras publicaciones: las sonatas en trío (probablemente 1703-1705), las sonatas para violín (1709) y especialmente sus 12 conciertos "L'estro armonico" ("Inspiración armónica") op. 3 (1711). Estos, que contienen algunos de sus mejores conciertos, se publicaron en Amsterdam y se distribuyeron ampliamente por todo el norte de Europa; Esto obligó a los músicos que visitaban Venecia a buscar a Vivaldi allí y, en algunos casos, encargarle otros nuevos, como se hizo, por ejemplo, en la corte de Dresde. A Bach le gustaron tanto los conciertos de Vivaldi que los cinco op. 3 arregló para clavecín y varios conciertos para órgano. Muchos compositores alemanes imitaron su estilo. Publicó dos colecciones de sonatas y siete colecciones más de conciertos, incluida La stravaganza (Extravagance) op. 4 (hacia 1712), “Il cimento dell’armonia e dell’inventione” (“La controversia de la armonía con la invención”), op. 8 (hacia 1720, incluidas Las cuatro estaciones) y La cetra (La lira), op. 9 (1727).
Este movimiento parece relacionarse con el papel más virtuoso desempeñado por el solista, con el movimiento rápido de las semisecretarias rocosas y los ritmos de triolet de la media artesanía. Hacia el final de este movimiento se escucha un fragmento más grande, que contrasta muy bien con el allegro tempo anterior. El segundo movimiento es un trabajo increíblemente delicado que contrasta aún más con el movimiento anterior. Cuando todas las partes están silenciadas, delicados elementos elásticos al comienzo de la capa igualan la textura, lo que crea un sonido elegante y francamente hermoso para el oyente.
La parte móvil principal es la parte solista, pero otras partes tocan notas largas, simplemente añadiendo movimiento a las texturas y timbres. Antes de que te des cuenta, el movimiento termina y el tercer movimiento toma el relevo con una melodía disyuntiva basada en el movimiento de la marca de puntos. Comenzando con un patrón de grietas tímido y repetido que crea una textura bastante espesa. Luego hay interjecciones del solista, que en realidad contrastan con el relajado esfuerzo del conjunto anterior. Este tema libre La llamada y la respuesta ocurren durante la primera parte de este movimiento, y luego Vivaldi pasa a una forma más unificada de escribir.
Es en el género del concierto instrumental donde residen los principales logros de Vivaldi y su importancia en la historia de la música. Fue el primer compositor en utilizar consistentemente la forma ritornello en partes rápidas, y esto se convirtió en un modelo para otros compositores. Lo mismo puede decirse de la forma vivaldiana del concierto en su conjunto, que consta de tres partes: rápido - lento - rápido. De sus aproximadamente 550 conciertos, aproximadamente 350 son para instrumento solista y orquesta (más de 230 para violín); unos 40 dobles (es decir, para dos solistas), más de 30 para varios solistas y casi 60 para una orquesta sin solistas. Vivaldi fue un fabricante de instrumentos original y escribió varios conciertos para combinaciones inusuales de instrumentos, como la viola d'amore y el laúd, o para una variedad de instrumentos de viento, incluidos el chal, el clarinete, la trompa y otros instrumentos raros. También ofrece numerosos recitales para fagot, violonchelo, oboe y flauta. Algunos de sus conciertos están programados, por ejemplo “Tormenta en el mar” (tres conciertos tienen este título), “Caza”, “Ansiedad”, “Descanso”, “Noche”, “Proteo o el mundo de adentro hacia afuera”. Vivaldi también escribió mucha música vocal (iglesia y secular). Él es el autor (por información diferente) de 50 a 70 óperas (unas 20 han sobrevivido).
En ese momento, todo el conjunto interpreta un tema muy familiar: el famoso motivo del medio arbusto. Vivaldi usa mucho el trémolo en este movimiento para agregar tensión, lo que hará que el movimiento general sea mucho más emocionante. Acompañada por el movimiento arrastrado del medio quagir, la línea solista es una melodía extendida que es realmente un placer escuchar.
Una vez más este movimiento es muy corto por lo que finalmente llegamos a último movimiento invierno. El movimiento termina con todas las partes del conjunto tocando al unísono hasta el final del acorde, lo que realmente resalta las fuertes habilidades de escritura de Vivaldi. Nigel Kennedy - cantante principal - ¡disfrútalo! De todas las aspiraciones en contra música clásica el que tiene valor más pequeño, es que todo suena igual. Por supuesto, esto es pura ignorancia; lo mismo podría decirse de Bach, del blues o de cualquier otro estilo del que no se sepa nada.
El tema de las estaciones siempre ha sido popular en el arte. Esto se explica por varios factores. En primer lugar, permitió, mediante este arte concreto capturar eventos y actividades que son más característicos de una época particular del año. En segundo lugar, siempre ha estado dotada de cierta significado filosófico: el cambio de estaciones se consideró en términos del cambio de períodos vida humana, y en este aspecto, es decir, despertar fuerzas naturales, personificó el comienzo y simbolizó la juventud, y el final del camino: la vejez.
Como ocurre con cualquier actividad que se precie, la familiaridad genera una fascinación por las sutilezas y los detalles que los observadores causales pasan completamente desapercibidos. Sin embargo, con Antonio Vivaldi, hay al menos algo de verdad en esta desdeñosa barbe. Aunque escribió 39 óperas, 73 sonatas y mucha música religiosa, Vivaldi es mejor conocido por sus conciertos. Mientras Beethoven escribió siete conciertos, Brahms cuatro y Bach, Haydn, Handel y Mozart no más de unas pocas docenas, ¡Vivaldi escribió más de 500! Cuando eres fértil, es inevitable cierto reciclaje y entrada en la fórmula.
La historia de la música conoce cuatro interpretaciones famosas del tema de las estaciones. Estas obras se llaman “Estaciones”. Se trata de un ciclo de conciertos de Vivaldi, un oratorio de Haydn (1801), un ciclo de piezas para piano de P. I. Tchaikovsky (1876) y un ballet de A. K. Glazunov (1899).
"Las Estaciones" de Antonio Vivaldi es una de las obras más obras populares de todos los tiempos. Para muchos, el mismo nombre "Vivaldi" es sinónimo de "Las cuatro estaciones" y viceversa (aunque escribió muchas otras obras). Incluso en comparación con otros conciertos de la misma obra, estos conciertos demuestran la asombrosa innovación de Vivaldi en el campo del concierto barroco. Echemos un vistazo más de cerca a cada uno de los cuatro conciertos. Y desde el principio, señalaré que el compositor precedía cada uno de los conciertos con un soneto, una especie de programa literario. Se supone que el autor de los poemas es el propio Vivaldi (en adelante los sonetos son traducidos por Vladimir Grigoriev). Entonces…
Los detalles de la vida de Vivaldi son sorprendentemente vagos. Incluso los estudios contemporáneos más extensos dejan muchos vacíos en su ubicación y actividades. Las biografías no suelen dedicar más que unas pocas decenas de páginas a su carrera y el resto a sus obras.
Entre sus responsabilidades estaba la de ofrecer dos conciertos al mes, que eran presentados todos los domingos por la orquesta de la escuela. A pesar de su difícil relación con los administradores de la escuela, Vivaldi disfrutó de una libertad considerable no sólo para infundir a sus composiciones obstáculos técnicos y extravagantes, para desafiar a sus estudiantes y mostrar su arte, sino también para viajar mucho para llevar a cabo encargos y producciones teatrales de sus óperas.
"Primavera" (La Primavera)
¡Se acerca la primavera! Y una canción alegre
La naturaleza está llena. sol y calidez
Los arroyos balbucean. Y noticias navideñas
Zephyr se propaga como por arte de magia.
De repente aparecen nubes aterciopeladas
El sonido del trueno celestial suena como una buena noticia.
Pero el poderoso torbellino pronto se seca,
Y el twitter vuelve a flotar en el espacio azul.
El aliento de las flores, el susurro de la hierba,
La naturaleza está llena de sueños.
El pastorcillo está durmiendo, cansado por el día,
Y el perro ladra apenas audiblemente.
Durante casi 200 años, Vivaldi fue una nota histórica a pie de página, aunque algo influyente: los doce conciertos que componen su primera publicación fueron ampliamente imitados. Sin embargo, como bien ha señalado el Diccionario de Groves, el sistema de repertorio actual encajaría bien en el futuro, pero en cambio había una necesidad constante de una nueva salida. Así, poco después de su muerte, sus diversas publicaciones fueron olvidadas y el resto de su obra permaneció desconocida. El único reconocimiento duradero provino de la ardiente admiración por Bach, quien modeló su propio estilo Concierto según Vivaldi y adaptado al teclado con nueve violines de Vivaldi.
Sonido de gaita de pastor.
El zumbido se extiende por los prados,
Y las ninfas bailando el círculo mágico
La primavera está coloreada de rayos maravillosos.
"" (El Estado)
El rebaño deambula perezosamente por los campos.
Del calor pesado y sofocante
Todo en la naturaleza sufre y se seca,
Todo ser vivo tiene sed.
De repente un apasionado y poderoso
Borey, haciendo estallar el silencio y la paz.
Todo está oscuro, hay nubes de mosquitos furiosos.
Y el pastorcito, atrapado en una tormenta, llora.
La colección se remonta al conde Durazzo, quien compró el lote al Ospedale, donó la mitad al monasterio y pasó el resto a sus herederos. Los procesamientos anularon el testamento del conde, que prohibía la publicación, y las donaciones privadas mantuvieron los resultados intactos y fuera del mercado de antigüedades. Entre ellos estaba gran cantidad originales escritos a mano por Vivaldi, incluidos más de 300 previamente obras desconocidas. Los científicos recorrieron los tesoros y quedaron asombrados por la inesperada variedad y variedad.
Como señaló su primer biógrafo, Mark Pinkerl, los conciertos de Vivaldi son parte de un modelo general de tres partes en el que lo majestuoso y vital descubrimiento importante y un final rápido y divertido están separados por un lento movimiento lírico profundidad sin precedentes, que amplía significativamente la convención del tiempo, proporcionando un breve, relajante y funcional interludio entre la estimulación de los movimientos externos. Michael Talbot encontró su estilo distintivo, presentando melodías de amplios intervalos basadas en el acorde de la tríada tónica y divididas en pequeñas frases repetidas, ritmos fuertes y sincopados basados en material folk y cambios armónicos abruptos e irregulares.
La pobre se congela de miedo:
Caen relámpagos, rugen truenos,
Y saca las mazorcas de maíz maduras
La tormenta está alrededor sin piedad.
"Otoño" (L'Autunno)
La fiesta de la cosecha campesina es ruidosa.
¡Diversión, risas, canciones animadas!
Y el jugo de Baco, encendiendo la sangre,
Derriba a todos los débiles y les da un dulce sueño.
Y el resto está ansioso por una continuación,
Pero ya no puedo cantar ni bailar.
Y, completando la alegría del placer,
La noche sumerge a todos en el sueño más profundo.
Pero incluso dentro de su coherencia de estilo, Vivaldi infundió a su trabajo una variedad constante y, aunque el violín era su favorito, escribió conciertos con casi todos los instrumentos. Así, la famosa frase de Luigi Dellapiccola de que Vivaldi no escribió cientos de conciertos sino sólo un concierto cientos de veces es cierta sólo en el sentido más superficial e ignora la significativa invención de su obra. En ninguna parte esto es más evidente que en Las cuatro estaciones. En su devoción, Vivaldi se refiere a su mecenas, tras haberlo disfrutado durante mucho tiempo, y pide que sean recibidas como si fueran nuevas, sugiriendo así que fueron compuestas e interpretadas mucho antes.
Y por la mañana al amanecer galopan hacia el bosque.
Cazadores, y con ellos cazadores.
Y, habiendo encontrado el rastro, sueltan una jauría de perros,
Conducen a la bestia con entusiasmo, tocando la bocina.
Asustado por el terrible ruido,
Fugitivo herido y debilitado
Huye obstinadamente de los perros que lo atormentan,
Pero lo más frecuente es que al final muera.
"Invierno" (L'Inverno)
Estás temblando, congelándote, en la nieve fría.
Y llegó una ola de viento del norte.
El frío hace que te castañeteen los dientes mientras corres,
Te golpeas los pies, no puedes mantenerte caliente
Cada uno de los cuatro conciertos está precedido por un soneto lleno de alusiones maduras para la representación sonora. No sólo se imprimen poemas individuales en la partitura junto con la música que pretenden representar, sino que Vivaldi agrega más frases para aclarar alusiones específicas. Su música describe algunos de manera bastante literal y otros de manera metafórica.
Si bien todo esto puede parecer un esquema seco para una pista con efectos sonoros, todo encaja con la música y sigue siendo fascinante escucharlo y disfrutarlo siglos después. Si bien Las Cuatro Estaciones puede haberse originado como una tarea típica para que las niñas jugaran una vez, Vivaldi claramente puso su corazón y alma en este trabajo. Una orquesta completa de cuerdas y un piano, modificado para emular un clavecín, crean una rica textura que realmente nos permite sentir el calor del verano, la lujuria de la danza campesina y las tormentas que son tan importantes para el drama de Beethoven como para la decoración barroca. Las indulgencias "románticas" incluyen portamento, vibrato exuberante, frases muy formadas, dinámicas hinchadas y enormes ralentizaciones a la espera de las cadencias finales.
Que dulce es el confort, la calidez y el silencio.
Refugiarse del mal tiempo en invierno.
Fuego de chimenea, espejismos medio dormidos.
Y las almas congeladas están llenas de paz.
En la extensión invernal el pueblo se regocija.
Cayó, resbaló y volvió a rodar.
Y es una alegría escuchar cómo se corta el hielo.
Debajo de un patín afilado que está atado con hierro.
Y en el cielo se encontraron Siroco y Bóreas,
La batalla entre ellos continúa en serio.
Aunque el frío y la ventisca aún no se han rendido,
El invierno nos regala sus placeres.
Molinari no duda en cambiar ocasionalmente la partitura, añadiendo una contramelodía, reduciendo a la mitad o duplicando el tempo y repitiendo la hermosa melodía del Adagio de Invierno con toda la orquestación. Los tempos son moderados y la interpretación es expresiva sin exageración ni manierismo. tensión, Molinari logra el equilibrio perfecto entre la fascinación por la escritura extravagante de Vivaldi y la estilización abstracta del arte. Su grabación tiene una distinción poco común y aún proporciona una experiencia profundamente satisfactoria y completamente experiencia musical. De hecho, la continuidad dinámica y la grabación vibrante lo hacen incluso muy elegante.
Más adelante en su artículo, A. Maikapar proporciona datos extremadamente interesantes sobre varios medios expresividad musical utilizada por Vivaldi en los conciertos de Four Seasons, los comentarios del compositor en las partituras, la época y el lugar en que se creó esta obra. Describe detalladamente cada concierto, pasando de los poemas a las notas, sin olvidar la realidad que rodea a Vivaldi. Es bueno leer su artículo, especialmente para los músicos, mientras escuchan simultáneamente grabaciones de conciertos (intente encontrarlo en Internet). mejor rendimiento) y comparar impresiones de lo que leyó y escuchó. Te aseguro que no te arrepentirás del tiempo invertido.
Creo que no todos los oyentes sofisticados conocen los sonetos, que juegan un papel clave no sólo en la interpretación, sino también en la percepción de esta obra. Y no hay muchos artistas que quieran seguir exactamente el plan original de Vivaldi. La colección musical del “Teatro de la Luz” contiene alrededor de 5 (!) representaciones de “Las Estaciones”. El abanico de interpretaciones es enorme, desde el auténtico clásico pre-jazz de vanguardia.
Después de leer el brillante artículo de A. Maykapar, no consideramos que ninguna de las actuaciones que teníamos fuera digna de ilustrar los sonetos mencionados anteriormente. Hemos encontrado y utilizamos en la producción otra versión de la actuación que, en nuestra opinión, se adapta perfectamente al plan original de Antonio Vivaldi: la música del programa.
La música de programa es música que corresponde a un tema específico. en este caso, programa literario. En "Seasons" realmente estamos tratando con el mismo este programa: la música sigue exactamente las imágenes de los poemas. Los sonetos se corresponden tan bien con la forma musical de los conciertos que uno involuntariamente sospecha si los sonetos fueron compuestos con música ya escrita.
Los espectadores verán en nuestra producción casi todas las premisas programáticas de Vivaldi: viento y lluvia, cantos de pájaros, bailes de ninfas y una escena de caza. Lo único en lo que decidimos desviarnos de los planes del gran compositor fue en el reflejo de la naturaleza. La naturaleza del norte de Italia (mira el mapa donde se encuentra Venecia) es ciertamente más suave que la de Rusia. Es poco probable que Vivaldi haya visto la belleza del invierno ruso, haya podido sentir los contrastes y la tristeza de mediados de otoño, la oscuridad y la desesperanza de finales de noviembre sin nieve. Por lo tanto, decidimos ilustrar varias partes de los conciertos tercero (otoño) y cuarto (invierno) tal como nosotros, los residentes de la llanura de Rusia Central, vemos estos períodos del año, realzando la impresión de la música muy figurativa de estas partes.
La historia de vida de Antonio - Lucio Vivaldi - es la siguiente nombre completo El compositor está lleno de trabajo, experimentación, innovación y servicio desinteresado al arte. Durante casi medio siglo vida activa(murió a los 62 años), a pesar de las enfermedades y sufrimientos inherentes a cualquier persona, llevó a la gente la luz de su brillante talento.
Como suele suceder, la gente paga el bien con el mal. Antonio Vivaldi murió en la pobreza y la soledad, lejos de su tierra natal. Su lugar de enterramiento en una tumba de mendigo en Viena (Austria) se perdió hace mucho tiempo. Sus conciertos fueron olvidados durante casi 200 años, y solo a principios del siglo XX (aproximadamente desde 1934) su obra revivió y nuevamente comenzó a brindar a la gente la luz mágica de una música maravillosa.
Por cierto, Luce (el segundo nombre de Vivaldi) significa "luz".
Alexey Goltykhov
Estaciones
12 Cuadros característicos para piano.
"Seasons" de Tchaikovsky es una especie de diario musical del compositor, que captura episodios de la vida que le son queridos, encuentros e imágenes de la naturaleza. Como recordó más tarde su hermano M.I Tchaikovsky: “Peter Ilich, como rara vez cualquier otro, amaba la vida.<...>Cada día tenía un significado para él y le entristecía despedirse de él pensando que no quedaría rastro de todo lo que había experimentado." La música de una de las obras maestras musicales de Tchaikovsky, el ciclo para piano "Times", está llena de este sentimiento lírico del compositor, el amor por la vida y la admiración por ella "una enciclopedia de la vida inmobiliaria rusa del siglo XIX y el paisaje de la ciudad de San Petersburgo se puede llamar este ciclo de 12 pinturas características para piano. En sus imágenes, Tchaikovsky. Capturó las infinitas extensiones rusas, la vida rural, las pinturas de los paisajes de la ciudad de San Petersburgo y las escenas de la vida musical doméstica del pueblo ruso de esa época.
La aparición del ciclo "Estaciones" está directamente relacionada con la historia de la relación de Tchaikovsky con la familia Bernard de los editores de música de San Petersburgo y su revista "Nouvellist", fundada en 1842. El mayor de la familia, Matvey Ivanovich Bernard (1794-1871), fundador de la editorial musical y de la revista Nouvellist, fue también pianista y compositor. El negocio lo continuó su hijo Nikolai Matveevich (1844-1905), también un músico famoso. El editor de la revista era hermano del fundador de la empresa, Alexander Ivanovich (1816-1901), un famoso pianista y compositor. "Nouvellist" presentó al público nuevas obras de compositores rusos, músicos aficionados y autores extranjeros. Además de textos musicales, publicó información sobre nuevos escenarios de ópera, conciertos en Rusia, Europa occidental y América.
Tchaikovsky colaboró con Nouvelliste desde 1873, componiendo varios romances para la revista. El motivo de la redacción del ciclo "Las Estaciones" fue un pedido del editor de la revista "Nouvellist" N.M. Bernard, recibido por Tchaikovsky en una carta (no conservada), aparentemente en noviembre de 1875. Sin embargo, su contenido es fácil de imaginar a partir de la respuesta del compositor fechada el 24 de noviembre de 1875: “Recibí su carta. Le estoy muy agradecido por su amable disposición a pagarme una tarifa tan elevada. Intentaré no perder la cara. Y por favor, pronto le enviaré la primera pieza, y tal vez dos o tres a la vez. Si nada interfiere, todo irá bien: ahora estoy muy inclinado a retomar sus piezas para piano. En consecuencia, el editor ofreció al compositor los nombres de las obras, es decir, las tramas, las imágenes.
En el número de diciembre de la revista "Nuvellist" de 1875 ya había aparecido para los suscriptores un anuncio sobre la publicación en al año que viene un nuevo ciclo de obras de Tchaikovsky y una lista de títulos de obras correspondientes a cada mes del año y coincidentes con los títulos propuestos posteriormente por el compositor en el manuscrito del ciclo.
La información sobre el avance de la composición del ciclo es extremadamente escasa. Se sabe que cuando comenzaron las obras a finales de noviembre de 1875, Tchaikovsky se encontraba en Moscú. El 13 de diciembre de 1875, el compositor escribió a N.M. Bernard: “Esta mañana, y tal vez incluso ayer, te las enviaron por correo las dos primeras obras. No sin cierto temor, te las reenvié: me temo que tú. Las encontrará largas y malas. Por favor, debe expresar su opinión con franqueza para que pueda tener en cuenta sus comentarios a la hora de componer las siguientes obras.<...>Si la segunda obra te parece inadecuada, escríbeme al respecto.<...>Si deseas recomponer “Maslenitsa”, por favor no te pongas ceremonial y asegúrate de que antes de la fecha límite, es decir, antes del 15 de enero, te escribiré otra. Me pagas un precio tan terrible que tienes todo el derecho a exigir todo tipo de cambios, adiciones, recortes y recomposiciones." Las obras obviamente satisficieron a N.M. Bernard, ya que fueron publicadas exactamente a tiempo y en total conformidad con el autógrafo.
Cuando se publicó “Las estaciones” en “Nuvelliste”, cada obra recibió epígrafes poéticos. Al parecer, fue el editor quien inició la inclusión de poemas de poetas rusos como epígrafes de las obras de teatro ya escritas de Tchaikovsky. Se desconoce si Tchaikovsky sabía esto de antemano, si los poemas fueron acordados con él durante la publicación. Pero todas las publicaciones durante su vida incluyeron estos epígrafes poéticos, por lo que Tchaikovsky los aceptó y aprobó de una forma u otra.
Aunque Tchaikovsky conocía de antemano los nombres de las obras, hizo sus propias adiciones al manuscrito en dos casos: la obra número 8 "Cosecha" recibió el subtítulo Scherzo y la obra número 12 "Navidad" - Vals. Estos subtítulos se conservaron en las ediciones de Bernard, pero P.I.
El título del ciclo “Las Estaciones” aparece por primera vez con la primera publicación de todas las obras juntas, realizada a finales de 1876 por N.M. Bernard, una vez finalizada la publicación de la revista. Pasó a todas las ediciones posteriores, aunque con algunas diferencias en el subtítulo. Bernard dice: "12 imágenes características". EN publicaciones de por vida P.I.Yurgenson: “12 pinturas características”, más tarde - “12 pinturas características”.
La revista se publicaba mensualmente, el primero de mes. Las obras de Tchaikovsky abrieron todos los números, excepto el de septiembre. Este número fue el primero en presentar una pieza del compositor V.I. Glavač, autor permanente de “Nuvellista”, “Canción de marcha serbia” (“Rado ide srbin u vojnike”), arreglada para piano, como respuesta a los acontecimientos actuales del guerra en los Balcanes en ese momento, en la que participó Rusia. En la revista número 9 apareció un anuncio de que los suscriptores recibirían una edición separada de las 12 obras como bonificación a finales de año. N.M. Bernard publicó el ciclo completo de Tchaikovsky a finales de 1876 en una publicación separada titulada "Las estaciones". La portada tenía 12 imágenes: medallones y el título "Estaciones".
No hay información sobre la primera representación pública de todo el ciclo ni sobre obras individuales. Tampoco hay respuesta de la prensa a la publicación. Sin embargo, muy pronto “Seasons” se hizo extremadamente popular tanto entre los músicos aficionados como profesionales y, posteriormente, se convirtió en una de las obras para piano más famosas de toda la música rusa.
"En la chimenea". Enero:
"Y un rincón de felicidad pacífica
La noche estaba cubierta de oscuridad.
El fuego de la chimenea se apaga
Y la vela se apagó."
A. S. Pushkin
"En la chimenea." Enero. Kamelek es específico nombre ruso una chimenea en una casa noble o algún tipo de hogar en una casa campesina. Por mucho tiempo tardes de invierno Toda la familia se reunió alrededor del hogar (chimenea). En las chozas campesinas tejían, hilaban y tejían encajes, mientras cantaban canciones tristes y líricas. En las familias nobles tocaban música, leían en voz alta y conversaban junto a la chimenea. La obra "En la chimenea" pinta un cuadro con un tono elegíaco y soñador. Su primera sección se basa en tema expresivo, que recuerda a la entonación de la voz humana. Son como frases cortas pronunciadas lenta y deliberadamente, en un estado de profunda reflexión. Acerca de esto estado emocional se puede encontrar en las cartas de Tchaikovsky: “Este es ese sentimiento melancólico que tienes por la noche, cuando estás sentado solo, cansado del trabajo, tomas un libro, pero se te cae de las manos. Apareció todo un enjambre de recuerdos. que han pasado y pasado tantas cosas, y es agradable recordar tu juventud, y es una lástima el pasado, y no hay ganas de empezar de nuevo. Es agradable relajarse y mirar a tu alrededor.<...>Es a la vez triste y algo dulce sumergirse en el pasado”.
"Carnaval". Febrero:"Pronto Maslenitsa está enérgica
Hervirá un gran festín".
P.A.
"Carnaval". Febrero. Maslenitsa o Maslenitsa es una semana festiva antes de la Cuaresma. Maslenitsa se celebra con alegres festividades, juegos atrevidos, paseos a caballo y diversas actividades divertidas. Y en las casas hornean panqueques, un plato pagano específico que ha entrado firmemente en la vida rusa desde tiempos inmemoriales. Esta fiesta combinaba los rasgos de la despedida pagana del invierno y la bienvenida a la primavera y el rito cristiano antes del inicio de la Cuaresma, que precede a la gran fiesta de la Pascua, la Resurrección de Cristo.
"Maslenitsa" es una pintura festival folklórico, donde momentos pintorescos se combinan con onomatopeyas al son de la música de una multitud ambulante, sonidos traviesos instrumentos folklóricos. Toda la obra consiste, por así decirlo, en un caleidoscopio de pequeños cuadros que se reemplazan unos a otros, con el regreso constante del primer tema. Con la ayuda de figuras rítmicas angulares, Tchaikovsky crea una imagen con exclamaciones ruidosas y alegres de la multitud y patadas de mimos bailando. Estallidos de risa y susurros misteriosos se fusionan en una imagen brillante y colorida de la celebración.
"Canción de la alondra" Marzo:"El campo está repleto de flores,
Ondas de luz se derraman en el cielo.
Alondras primaverales cantando
Los abismos azules están llenos"
A.N.
"Canción de la Alondra". La alondra es un ave de campo venerada en Rusia como un pájaro cantor primaveral. Su canto se asocia tradicionalmente con la llegada de la primavera, el despertar de toda la naturaleza de la hibernación y el comienzo de una nueva vida. La imagen del paisaje primaveral ruso está dibujada de manera muy simple, pero medios expresivos. Toda la música se basa en dos temas: una melodía lírica melodiosa con modesto acompañamiento de acordes y una segunda, relacionada con ella, pero con grandes subidas y respiración amplia. El entrañable encanto de toda la obra reside en el entrelazamiento orgánico de estos dos temas y diferentes matices de humor: soñador, triste y luminoso. Ambos temas tienen elementos que se asemejan a los trinos del canto primaveral de la alondra. El primer tema crea una especie de marco para el segundo tema, más desarrollado. La obra concluye con los trinos de una alondra que se desvanecen.
"El azul está limpio
Campanilla de invierno: flor,
Y al lado hay corrientes de aire
La última bola de nieve.
ultimas lagrimas
Sobre el dolor del pasado
Y los primeros sueños
Sobre otras felicidades..."
A.N.
"Campanilla de invierno" de abril. Snowdrop es el nombre que se le da a las plantas que aparecen inmediatamente después de que se derrite la nieve del invierno. Conmovedoramente después del frío invernal, los poros muertos y sin vida, las pequeñas flores azules o blancas aparecen inmediatamente después de que se derrita la nieve del invierno. La campanilla de invierno es muy popular en Rusia. Es venerado como símbolo de una nueva vida emergente. A él se le dedican poemas de muchos poetas rusos. La obra "Snowdrop" se basa en un ritmo similar al de un vals y está completamente imbuida de impulso y una oleada de emociones. Transmite conmovedoramente la emoción que surge al contemplar naturaleza primaveral, y un sentimiento gozoso, escondido en lo más profundo del alma, de esperanza para el futuro y expectativa oculta.
"¡Qué noche! ¡Qué dicha es todo!
¡Gracias, querida tierra de medianoche!
Del reino del hielo, del reino de las ventiscas y la nieve.
¡Qué fresco y limpio sale tu mayo!”
A.A.Fet
Las noches blancas son el nombre que reciben las noches de mayo en el norte de Rusia, cuando hay tanta luz por la noche como durante el día. Las noches blancas en San Petersburgo, la capital de Rusia, siempre se han celebrado con románticas festividades nocturnas y cantos. La imagen de las noches blancas de San Petersburgo está plasmada en pinturas de artistas rusos y poemas de poetas rusos. Así es como se llama "Noches blancas" la historia del gran escritor ruso Fyodor Dostoievski.
La música de la obra transmite un cambio de estados de ánimo contradictorios: los pensamientos tristes son reemplazados por el dulce desvanecimiento de un alma que rebosa de alegría en el contexto de un paisaje romántico y completamente extraordinario de la época de las Noches Blancas. La obra consta de dos grandes apartados, una introducción y una conclusión, que son constantes y enmarcan toda la obra. La introducción y la conclusión son un paisaje musical, una imagen de noches blancas. La primera sección se basa en melodías breves: suspiros. Parecen recordarte el silencio de una noche blanca en las calles de San Petersburgo, la soledad, los sueños de felicidad. La segunda sección tiene un tono impetuoso e incluso apasionado. La excitación del alma aumenta tanto que adquiere un carácter entusiasta y alegre. Después hay una transición gradual a la conclusión (cuadro) de toda la obra. Todo se calma y nuevamente el oyente ve una imagen del norte, blanco, buenas noches en majestuoso y austero en su inmutable belleza San Petersburgo.
Tchaikovsky estaba adscrito a San Petersburgo. Aquí pasó su juventud, aquí se convirtió en compositor, aquí experimentó la alegría del reconocimiento y el éxito artístico, aquí completó su camino de la vida y fue enterrado en San Petersburgo.
"Vamos a tierra, hay olas.
Besarán nuestros pies
Estrellas con tristeza misteriosa
Brillarán sobre nosotros"
A.N.
"Barcarola" junio. Barka es palabra italiana, significa barco. Barcarola en la música folclórica italiana era el nombre que se le daba a las canciones de un barquero o remero. Estas canciones estaban especialmente extendidas en Venecia, una ciudad a orillas de innumerables canales, por donde la gente viajaba en barcos día y noche y cantaba al mismo tiempo. Estas canciones eran, por regla general, melodiosas, y el ritmo y el acompañamiento imitaban el suave movimiento del barco bajo el uniforme chapoteo de los remos. En la música rusa la primera mitad del siglo XIX siglo recibido generalizado Barcarolas. Se convirtieron en una parte integral de la música vocal lírica rusa y también se reflejaron en la poesía y la pintura rusas. “Barcarola” es otro paisaje musical de San Petersburgo del ciclo “Estaciones” de Tchaikovsky. Incluso en su título, la obra hace referencia a imágenes de canales de agua y numerosos ríos, en cuyas orillas se ubica. capital del norte Rusia. La amplia melodía de la primera parte de la obra suena cálida y expresiva. Parece "balancearse" sobre las ondas del acompañamiento, que recuerdan a las modulaciones de guitarra y mandolina tradicionales de la barcarola. En el medio, el tono de la música cambia y se vuelve más alegre y despreocupado, como si incluso se pudiera escuchar el rápido y ruidoso chapoteo de las olas. Pero entonces todo se calma y vuelve a fluir una melodía de ensueño, embriagadora por su belleza, ahora acompañada no sólo de un acompañamiento, sino también de una segunda voz melódica. Suena como un dúo de dos cantantes. La obra termina con el desvanecimiento gradual de toda la música, como si el barco se alejara y con él las voces y el chapoteo de las olas se alejaran y desaparecieran.
"Te pica el hombro. ¡Mueve el brazo!
¡Huelalo en tu cara, viento del mediodía!"
A.V.Koltsov
"La canción del cortacésped" Julio. Los cortacéspedes eran predominantemente hombres que salían al campo temprano en la mañana para cortar el césped. Los movimientos uniformes de manos y trenzas, por regla general, coincidían con el ritmo de las canciones laborales que se cantaban durante el trabajo. Estas canciones han existido en Rusia desde la antigüedad. Cantaron juntos y alegremente mientras cortaban el césped. Cortar el césped también es un tema muy popular en el arte ruso. Fue cantada por muchos poetas rusos y plasmada en pintura por artistas rusos. Y el pueblo compuso muchísimas canciones. “The Mower’s Song” es una escena de la vida popular del pueblo. La melodía principal contiene entonaciones que recuerdan a canciones populares. La obra tiene tres grandes secciones. Están relacionados entre sí en carácter. Aunque la primera y la tercera parte son, en realidad, el canto de un cortacésped, un campesino que corta alegre y enérgicamente un prado y canta a todo pulmón una canción amplia y, al mismo tiempo, rítmicamente clara. En el episodio central, en el movimiento más rápido de los acordes parpadeantes del acompañamiento, se puede escuchar la similitud con los sonidos de los instrumentos populares rusos. Al final, con un acompañamiento más amplio, la canción vuelve a sonar, como si tras un breve descanso el campesino se pusiera a trabajar con renovado vigor. A Tchaikovsky le encantaba este verano en el pueblo y en una de sus cartas escribió: “¿Por qué es este simple paisaje ruso, por qué un paseo en verano en Rusia por el pueblo a través de los campos, a través del bosque, en "La noche en la estepa me ponía en tal estado que me acostaba en el suelo con una especie de agotamiento por el influjo del amor por la naturaleza."
"Las personas con familias
comenzaron a cosechar
Cortar hasta las raíces
¡Centeno alto!
En choques frecuentes
Las gavillas están apiladas.
De carros toda la noche
La música se esconderá."
A.V.Koltsov
"Cosecha". Agosto. La cosecha es la recolección del grano maduro del campo. La época de la cosecha en la vida de un campesino ruso es la más importante. Las familias trabajaban en el campo, como dicen, desde el amanecer hasta el anochecer. Al mismo tiempo cantaron mucho. "Cosecha" es una gran escena folclórica de la vida campesina. En el manuscrito, el compositor subtituló “Scherzo”. Y, de hecho, “Harvest” es un scherzo extendido para piano que describe un cuadro vívido de la vida de un granjero ruso. Hay un resurgimiento, un ascenso, característico de una gran colaboración campesinos En la parte central, la imagen de una brillante escena folclórica cambia a un paisaje lírico de pueblo, característico de la naturaleza de Rusia Central, en el que se desarrolla la escena de la cosecha. En relación con este fragmento musical, recuerdo la afirmación de Tchaikovsky: “No puedo imaginar cuán encantadores son para mí el pueblo ruso, el paisaje ruso...”
"¡Es hora, es hora! Suenan los cuernos:
Perros con equipo de caza
¿Qué luz están sentados sobre los caballos?
Los galgos saltan en manadas."
A. S. Pushkin
"Caza". Septiembre. Cazar es una palabra que, como en todos los demás idiomas, significa cazar animales salvajes. Sin embargo, la palabra en sí proviene de la palabra rusa "caza", que significa deseo, pasión, deseo de algo. La caza es un detalle muy característico de la vida rusa en el siglo XIX. A esta trama están dedicadas muchas páginas de obras de literatura rusa. Recuerdo descripciones de caza sobre la novela de L. Tolstoi, cuentos e historias de I. Turgenev, pinturas de artistas rusos. La caza en Rusia siempre ha sido actividad de gente apasionada y fuerte, y era muy ruidosa, divertida, acompañada de cuernos de caza y con muchos perros de caza. La caza en las propiedades nobles del siglo XIX, en los meses de otoño, no era tanto un oficio necesario como un pasatiempo que requería coraje, fuerza, destreza, temperamento y pasión por parte de sus participantes.
Otoño, todo nuestro pobre jardín se está desmoronando,
Las hojas amarillas vuelan con el viento..."
A.K.
"Canción de otoño". Octubre en Rusia siempre ha sido una época cantada por muchos escritores, poetas, artistas y músicos. También vieron en él las bellezas únicas de la naturaleza rusa, que en otoño se viste con atuendos dorados, brillando con su exuberante multicolor. Pero hubo otros momentos del otoño: este es un paisaje aburrido, el otoño muriendo de la naturaleza y la tristeza por el verano que pasa como símbolo de la vida. Morir en la naturaleza en vísperas del invierno es una de las situaciones más trágicas y paginas tristes vida de otoño. “Autumn Song” ocupa el ciclo lugar especial. En su color trágico, es su centro de contenido, el resultado de toda la narrativa sobre la vida rusa y la vida de la naturaleza rusa. Octubre, “Autumn Song” es una canción sobre la muerte de todos los seres vivos. La melodía está dominada por entonaciones tristes: suspiros. En la parte media hay un cierto ascenso, una inspiración temblorosa, como si destellara la esperanza de vida, un intento de preservarse. Pero la tercera sección, repitiendo la primera, vuelve nuevamente a los tristes “suspiros” iniciales, y ya a una muerte total y completamente desesperada. Frases finales Los juegos con la marca del autor “morendo”, que significa “congelado”, parecen no dejar esperanzas de renacimiento, de que surja una nueva vida. Toda la obra es un boceto lírico y psicológico. En él se fusionan el paisaje y el estado de ánimo de una persona. “Todos los días salgo a dar un largo paseo, encuentro un rincón acogedor en el bosque y disfruto sin cesar del aire otoñal, saturado con el olor de las hojas caídas, el silencio y el encanto del paisaje otoñal con su color característico”, escribió el compositor. .
"No mires con nostalgia el camino
Y no te apresures tras la troika
Y triste ansiedad en mi corazón
Date prisa y apágalo para siempre".
N.A.Nekrasov
"A las tres." Noviembre. Troika es el nombre en Rusia para los caballos enjaezados bajo un mismo arco. A menudo se colgaban campanas que, cuando se conducía rápidamente, sonaban fuerte y brillaban con un sonido plateado. En Rusia les encantaba conducir rápido en troikas, y hay muchas canciones populares al respecto. La aparición de esta obra en el ciclo de Tchaikovsky se percibe, aunque en un tono bastante elegíaco, como una verdadera esperanza de vida. Un camino en las infinitas extensiones rusas, tres caballos: estos son símbolos de la vida en curso. Noviembre en Rusia es, aunque mes de otoño, pero el invierno ya aparece en toda su forma. “Hace mucho frío, pero el sol todavía calienta un poco. Los árboles están cubiertos por un velo blanco y este paisaje invernal es tan hermoso que es difícil expresarlo con palabras”, escribió Tchaikovsky. La obra comienza con una amplia melodía que recuerda a un ruso libre. canción popular. Siguiéndola, comienzan a escucharse ecos de reflexiones tristes y elegíacas. Pero entonces las campanas colocadas en los tres caballos empiezan a sonar cada vez más cerca. Un timbre alegre ahoga temporalmente el estado de ánimo triste. Pero luego vuelve la primera melodía: la canción del cochero. La acompañan campanas. Al principio, sus suaves sonidos se desvanecen y luego desaparecen por completo en la distancia.
Una vez en la noche de la Epifanía
Las chicas se preguntaron
Un zapato detrás de la puerta
Se lo quitaron del pie y lo arrojaron".
V.A.Zhukovsky
"Navidad". Diciembre. La Navidad es el período comprendido entre Navidad y Epifanía. Una festividad que combina elementos de los ritos cristianos con los antiguos y paganos. En Navidad, los mimos iban de casa en casa, las niñas se preguntaban sobre su destino futuro. En las familias reinaba la alegría festiva. Los mimos, vestidos no según la costumbre, sino por diversión, caminaban de casa en casa durante la Navidad, cantaban canciones navideñas y bailaban en círculos. En sus casas fueron atendidos y obsequiados. La pieza final del ciclo, "Navidad", tiene el subtítulo "Vals" en el manuscrito del compositor. Y no es casualidad, el vals era un baile popular en aquella época, símbolo de las fiestas familiares. La melodía principal de la obra es de estilo música cotidiana, cuyos fragmentos se alternan con episodios de vals. Y finaliza la obra, y con ella todo el ciclo, en un sereno vals, una celebración hogareña alrededor de un bonito árbol de Navidad.
