Considérez l'application et la combinaison différents types compositions en fonction de l'image et du design choisis à l'aide d'exemples.
La nature morte s’intitule « L’histoire d’une lanterne oubliée lors d’un voyage ».
Lors de la création de cette nature morte, seule une lanterne allumée à partir d'objets apportés au bord d'un réservoir enneigé a été utilisée. Ensuite, la texture de la couverture a été ajoutée à Photoshop vieux livre, l'accent est mis sur la flamme.
L'idée était très important lors du choix d'une composition de nature morte. Il aurait dû y avoir un minimum d'objets pour que rien ne détourne l'attention de l'objet principal, et le point de vue aurait dû être choisi pour que l'on puisse lire le paysage en arrière-plan avec la perspective reculée du rivage. La superposition de textures rend la photo plus dramatique. La composition est diagonale, linéaire pour souligner la forme des objets et la ligne de la côte. L'accent principal de la composition est le feu, situé à l'intersection des lignes du nombre d'or. La majeure partie de la composition est décalée vers le bord gauche, de sorte que l'œil du feu continue de suivre la ligne de rivage jusqu'au coin supérieur droit, à la recherche d'un point d'équilibre diagonalement opposé. Un tel endroit pourrait être un navire à l’horizon, dont l’absence augmenterait le sentiment de solitude au travail.
La nature morte s’intitule « Symphonie dans les tons rouge et or ». Le titre et le style de l'œuvre s'inspirent du travail de Whistler, un artiste qui traitait des problématiques harmonies de couleurs comme éléments clés conception artistique. Il appelait souvent ses œuvres « symphonies ». La composition est construite en ovale pour souligner les formes douces et arrondies des objets ; la forme ovale se poursuit dans la fenêtre de l'horloge. Les contours des objets sont adoucis, flous, créant un effet de brume, de lueur, presque de sommeil. Les objets eux-mêmes sont sélectionnés comme symboles de la connaissance : une grenade brisée est la structure de la connaissance, des livres et un parchemin en sont les résultats, et une horloge (symbole du temps) est condition nécessaire. L'œuvre repose sur l'unité des relations tonales et chromatiques (dans les tons sombres).
"Histoire du vieux marin" ou "L'histoire du vieux marin". L'histoire de cette nature morte est assez simple : les objets sont sélectionnés en fonction de leur association avec pays du sud, traitement avec style vieille photo, partiellement peint. Mais la nature morte elle-même est mise en scène de telle manière que ses objets dans leur masse ressemblent à un portrait (les œuvres de l'artiste de la Renaissance D. Arcimboldo sont prises comme base). En conséquence, la production contient une double association avec les voyages longue distance : des objets venus de « pays lointains » et le narrateur - « grand-père le voyageur ».
"Attente". La photo a été prise au Musée des voitures anciennes de Moscou. Composition équilibrée avec un rythme de silhouette tonique. L'intérêt du travail est que chaque sujet a son propre temps. La composition est construite de manière à créer l'impression d'une gare, où les passagers (les choses) attendent devant un panneau (pendant des heures) leur tour...
"Automne". Natures mortes thème d'automne Partout c’est très diversifié, riche et beau. Si l’on se souvient des natures mortes pittoresques de M. di Caravaggio, elles incarnent toute la fécondité de « l’automne », le triomphe de Bacchus. La composition de cette nature morte s’appuie donc sur les techniques utilisées par l’artiste italien. Les objets sont présentés de manière profilée et décorative, la composition est construite selon une forme « triangulaire ». La texture appliquée donne également à l’œuvre un aspect classique.
« Marguerites » ou « Nature morte champêtre ». La composition est également construite en triangle, mais l'accent est mis sur l'éclairage - léger, chaleureux, doux. L'unité des relations tonales et chromatiques (dans des tons clairs) confère à l'œuvre un sentiment de sérénité, de beauté simple et sans prétention.
"Groseille". La composition linéaire de la frise est très bien adaptée pour souligner la beauté des lignes des grappes de groseilles et la douceur de leurs transitions. Le rythme des formes arrondies crée une sensation de perles éparses.
"Tout est parti." Composition tonale, frise, entourée d'un triangle. Des fleurs séchées, des pommes « flétries », une assiette poussiéreuse ébréchée étaient considérées comme des symboles de la vieillesse. Les lignes d'inclinaison des fleurs créent la présence de « dialogue » entre les objets, de conversation, d'entraide et de soutien. Les accents sont placés dans des tons jaune-vert.
« Automne glacial" La belle teinte froide bleu-violet présente dans les objets crée une atmosphère de noblesse, une sensation de léger givre et de givre. La coloration originale de la pomme ressemble à des motifs givrés sur du verre.
"Tout est oublié." Composition linéaire de contour de frise. Des fleurs séchées, des pommes « fanées », une assiette poussiéreuse ébréchée sont des symboles de la vieillesse. Contrairement à la nature morte « Everything Is Gone », il n’y a pas de dialogue, c’est pourquoi le titre contient le mot « oublié ». Les accents sont placés dans des tons jaunes et blancs.
"Thé aux baies" Composition diagonale dynamique, linéaire, construite sur le rythme du rouge, du noir et fleurs blanches. Les combinaisons de couleurs ont été choisies en association avec un thé floral aux baies - chaud, avec une teinte rouge-brun complexe. Une légère importance dans le traitement est accordée au style rétro.
"Mûre". Style rétro. Les nobles nuances pourpres foncés des mûres et des fleurs de mauve sont soulignées par le contraste avec jaune tasses
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"Symphonie". Composition diagonale, linéaire. Les fleurs et les feuilles sont disposées dans un ordre semblable à celui d’une partition. Les fleurs dans un vase symbolisent différentes nuances de la musique (forte, piano). La draperie du fond sert de support aux lignes du premier plan.
L'œuvre est basée sur l'unité des relations tonales et chromatiques. Composition linéaire dans une gamme similaire. La nature morte contient l'idée de comparer deux principes - 1. Fragilité, tendresse, légèreté, fugacité, fragilité (phlox), 2. Dureté, éternité, constance, statique (vase en pierre) et les combiner : chaleur, élégance , la plasticité et le caractère unique des contours des fleurs et des lignes colorantes de la pierre.
« Coquillage" La composition est construite en forme de cercle. Les fleurs sont des symboles (allégories) d’étoiles de mer et le vase est constitué de coquillages. La texture ajoutée donne à l’œuvre l’effet de vagues dorées scintillant au soleil.
"Bergère". Ici, le même vase fait office de panier. La disposition des objets (fleurs, feuilles et vase) est plane, décorative, contournée. L'œuvre évoque des associations avec la peinture française de l'époque rococo.
"Ombres du soir" Dans cette nature morte pour construire une composition rôle important joué non seulement par les objets eux-mêmes (asters et pommes), mais aussi par les ombres qui en tombent, qui agissent (en raison de leur forme claire et lisible) comme des sujets photographiques indépendants.
«Pour elle…» La solution tonale de la composition. La nature morte est réalisée à la manière des cartes postales anciennes. Des fleurs (grandes pivoines blanches) dans un vase, des colliers de perles blanches, des bagues et des boucles d'oreilles avec des perles - tout indique la « féminité » de la nature morte. La brume ajoutée et d'autres textures confèrent à l'œuvre une légèreté et une légèreté supplémentaires.
"La vie naturelle." Nature morte se traduit littéralement par « nature morte ». Mais au fil du temps, depuis l’apparition de ce genre dans l’art, la situation a commencé à changer. Un nouveau nom pour ce genre est apparu dans la photographie - « Nature morte » - « vie tranquille", de plus en plus d'expérimentations. L’idée de cette œuvre était « la naissance d’une nouvelle nature morte ». Le chaton dans la nature morte est le centre de la composition - le composant principal de la nature morte. La composition aux tons linéaires est construite en triangle. Le ton clair de la nature morte, les poils rétroéclairés de la fourrure du chaton et sa pose sont des symboles de naissance. Les fruits sont également sélectionnés petite taille pour maintenir l'ambiance.
"Asters". Nature morte classique, la forme du vase est soulignée par un fond sombre. La composition est diagonale, la prépondérance dans le bouquet de deux asters (lilas et blanc) est côté droit crée une histoire sur la façon dont 2 fleurs sont sorties masse totale de s'admirer dans le miroir. Et le miroir lui-même, en combinaison avec un fond sombre, donne à l'œuvre une touche théâtrale.
Bûcher. La composition classique, construite sur les relations tonales entre les objets, est construite selon une figure « triangulaire », où son axe central joue également un rôle important (il y a des points sémantiques dessus : la tête d'une jeune fille à la fenêtre de Vermeer, un feuille blanche sur fond sombre d'un livre, une pièce de monnaie). Deux bougies parallèles et la fumée qui s'en dégage donnent une composition dynamique.
Nature morte classique avec le papillon. Une composition en deux parties, construite sur la combinaison de groupes d'objets et la conclusion de leurs figures de composition - le groupe de support (dans cette nature morte - un triangle obtenu par un groupe de feuilles) est situé à l'intérieur du groupe principal (une ellipse obtenue déclaration générale articles). Composition « contour », « linéaire ». Le support de couleur des coins inférieur gauche et supérieur droit (papillon et draperie en arrière-plan) est également (avec la ligne visuelle du bec verseur de la cruche) et une sortie dynamique vers la gauche coin supérieur.
Mamut. "Composition tonale classique construite dans une figure" triangle rectangle" Les natures mortes forment deux groupes équilibrés l'un par rapport à l'autre : groupe 1 - deux cruches, groupe 2 - deux éléphants.
Céramique. Composition « Tone », disposée en ovale. Les sorties dynamiques sont les lignes visuelles de la feuille d'érable, de deux épis de maïs et du manche de la planche. Plus près gamme de couleurs non seulement unit les objets, mais souligne également leur individualité en renforçant le rôle de la texture.
Un classique de la nature morte. Composition « Contour », « linéaire », construite sur l'interaction de deux groupes d'objets, combinés en formes géométriques: 1er groupe - "semi-ovale" construit sur des accents dans les tons jaune-vert - principal, 2ème groupe - "triangle" construit sur des couleurs proches - supplémentaire. La composition contient des sorties dynamiques dans les coins supérieur gauche et supérieur droit : feuilles de fleurs, anse de panier, dessus de bougie, anse de cruche.
Teekane. « Une composition tonale basée sur le contraste des tons clairs et foncés. Le centre de composition principal est construit sur des points contrastés, le centre supplémentaire sur des points proches. Le rythme de la composition est donné par les rayures en arrière-plan, elles sont également équilibrantes.
Mandarines. Cadre 1. Composition diagonale avec un groupe d'objets en outre combinés en figure géométrique"ellipse". La composition est contournée, construite sur des combinaisons de couleurs similaires.
Mandarines. Cadre 2. Composition en deux parties (triangle et ellipse), contour, construite sur des combinaisons de couleurs similaires. Sorties dynamiques : 1 - lignes visuelles le long de la feuille et du col de la cruche jusqu'au coin supérieur gauche ; 2 - lignes visuelles le long des peaux de mandarine dans les coins inférieurs gauche et droit.
Auteur : Ioulia Dorofeeva
Lors de la mise en scène d'une nature morte, vous devez mettre en valeur le sujet principal, qui est le plus significatif tant par son sens que par sa forme et sa couleur. D'autres éléments doivent être sélectionnés en fonction sens sémantique sujet principal.
Les objets d'une nature morte doivent être bien éclairés, vous devez donc réfléchir à la meilleure façon de procéder. Si les objets sont éclairés de face, ils seront à peine perceptibles en raison de l’absence d’ombres sur leurs surfaces. Lorsqu'ils sont rétroéclairés, les objets se transforment en contours solides. La position la plus favorable des objets est obtenue avec un certain éclairage du côté supérieur, lorsque les objets semblent plutôt tridimensionnels.
Lorsqu'on place l'image d'un groupe d'objets sur le plan d'une feuille de papier, il est important de conserver l'échelle du groupe d'objets par rapport à champ libre au format d'une feuille de papier afin que les objets ne soient pas à l'étroit et pas trop lâches. La feuille de papier doit être placée en fonction de la nature du regroupement d'objets, comme cela a déjà été mentionné à plusieurs reprises. Lorsque vous placez un groupe d'objets sur le plan d'une feuille de papier, vous devez simultanément déterminer correctement les centres de composition et visuels. Comme le montre la pratique, dans la plupart des cas, les étudiants n'y prêtent pas suffisamment attention lorsqu'ils résolvent un problème de composition, c'est pourquoi ces deux centres s'éloignent excessivement l'un de l'autre, violant ainsi l'intégrité compositionnelle de l'image.
Il convient de noter qu'en réalité le centre visuel ne coïncide pas toujours avec celui de la composition. Cela dépend en grande partie de la nature du sujet de l'image. Le centre visuel doit être compris comme le centre du plan de l'image, sa pyramide visuelle et le centre de composition doit être compris comme tout objet principal autour duquel se trouvent des objets secondaires ou auxiliaires (Fig. 84). Selon la nature de l'objet image, les centres de composition et visuels doivent être soit légèrement éloignés les uns des autres, soit combinés.
Cela permet de subordonner les détails secondaires au sujet principal de l'image et de donner ainsi à l'image une intégrité de composition. Pour résoudre ce problème dans l'image, il est nécessaire de sélectionner correctement le point de vue des positions spatiales des objets les uns par rapport aux autres, car quand différents points Du point de vue, l'objet principal se déplacera par rapport aux objets proches, soit vers la droite, soit vers la gauche, ou apparaîtra en leur centre. Pour résoudre de manière optimale le problème de composition de l'image, vous devez d'abord examiner attentivement le réglage à grande échelle avec différents côtés, et ne pas se contenter d'un choisi au hasard" espace libre" pour le représenter. Après avoir choisi un certain point de vue (lieu), vous devez réfléchir à la perspective (ligne d'horizon). La surface de la table sur laquelle se trouvent les objets de la production doit être clairement visible, puisqu'elle fait partie de la disposition, et les objets représentés doivent évoquer un sentiment de durabilité.
Si toutes ces conditions sont réunies dans l'environnement même des objets et de leur représentation, la nature morte reçoit la plus grande expressivité et les élèves peuvent plus facilement saisir traits caractéristiques articles. Cela facilite grandement la solution de la tâche éducative.
Dessiner une nature morte permet aux étudiants d'utiliser de manière créative les connaissances précédemment acquises sur les règles de perspective, les compétences de construction constructive d'objets sur un plan et la capacité acquise à identifier des formes tridimensionnelles avec le clair-obscur et à transmettre la texture des objets. La représentation d'une nature morte complique grandement la nécessité de transmettre environnement spatial ton de fond. C'est une condition importante relier des objets entre eux sur un fond commun et amener le dessin à l'intégrité tonale, compositionnelle et à l'unité harmonieuse.
Lorsque vous commencez à représenter une nature morte, vous devez respecter strictement principe méthodologique séquence de dessin (du général au spécifique et du spécifique au général), sans laquelle il est difficile de comprendre le sens principal de l'image. La violation de ce principe lors du travail sur un dessin complique considérablement l'assimilation matériel pédagogique Il est donc très important pour les étudiants de consolider les étapes individuelles. Au fur et à mesure que vous maîtriserez le matériel pédagogique sur la représentation de natures mortes simples et que vous compliquerez progressivement les tâches, vous pourrez passer à des natures mortes plus complexes, notamment des draperies.
En conclusion, nous vous rappelons que les techniques et règles de base de la construction de la perspective, des proportions, des lois du clair-obscur et des relations tonales, les tâches et le processus de l'image elle-même restent les mêmes, comme dans les tâches précédentes sur la représentation d'un groupe d'objets constitués de simples corps géométriques.
Le travail sur une nature morte est divisé en plusieurs étapes. Tout d’abord, l’emplacement de la nature morte sur une feuille de papier est déterminé, c’est-à-dire que la composition de la feuille est créée. Pour ce faire, réalisez plusieurs croquis de petite taille sur une feuille de papier, en essayant de comprendre comment la lumière et les ombres sont réparties sur tous les objets, où se trouvent les zones les plus éclairées et les plus sombres de la nature morte. Ils notent également quels objets constituent le premier plan, lesquels se retirent à l'arrière-plan, quel objet est le plus sombre, lequel est le plus clair.
Ensuite, un dessin du décor est réalisé sur la feuille principale. Dans la peinture à l'aquarelle, le dessin ne transmet pas en détail la lumière et l'ombre des objets, mais joue un rôle auxiliaire - il indique les limites de la forme qui, grâce au travail avec la couleur, semble volumineuse et matérielle. Vous pouvez réaliser le dessin au crayon ou au fusain afin de pouvoir le fragiliser facilement sans endommager la surface du papier, qui a une très grande valeur pour la peinture à l'aquarelle. Le chiffre révèle forme générale, les proportions des objets, tracent les principales limites de la lumière et de l'ombre d'une forme volumétrique et marquent les zones d'éblouissement. Après avoir réalisé un dessin et humidifié le papier avec de l'eau pour qu'il ne soit pas gras, ils commencent à réaliser une nature morte.
Elles commencent par un transfert généralisé des volumes des objets. Trouvez les couleurs des objets et des arrière-plans, déterminant les relations de base des couleurs dans une nature morte. Les couleurs obtenues par mélange de peintures sont vérifiées sur une palette. Si nécessaire, des couleurs peuvent être précisées. Les couleurs trouvées sont appliquées par grandes taches aux endroits correspondants du dessin de nature morte. Chaque couleur est comparée aux autres et, si nécessaire, clarifiée. Les couleurs commencent à être appliquées le plus souvent à partir des endroits clairs des objets, puis se déplacent vers les plus sombres, puis vers les plus sombres, aux bons endroits, effectuant une transition en douceur de couleur claireà un plus sombre en utilisant des techniques d'écriture appropriées. Si nécessaire, la couleur est renforcée par des applications répétées. De cette manière, les relations entre les couleurs dans le travail de l’aquarelle prennent progressivement vie. En appliquant la couleur de l'ombre, la couleur du réflexe est mise en évidence, et sur la partie éclairée - la lumière.
Après avoir déterminé les relations de base des couleurs de la production, nous passons à l'élaboration détaillée des formes volumétriques. À l'aide de grands traits d'une solution de peinture assez épaisse, la couleur de la lumière, de l'ombre, de la pénombre et du reflet est spécifiée. Il faut veiller à ne pas trop étendre la couleur de la partie éclairée. Pour ce faire, comparez-le avec une feuille de papier blanc sur laquelle ils dessinent. Pour transmettre le volume d'un objet à travers une transition progressive des couleurs du clair au foncé, vous pouvez utiliser la technique de l'écriture « humide ».
Pour transmettre le volume d'un objet, il faut comparer la luminosité et la saturation des couleurs dans la lumière et dans l'ombre de chaque objet. La solution pittoresque de l'espace est véhiculée par des changements de perspective et de couleur. Les objets situés plus près du spectateur ressortent plus clairement, tous les détails de la forme, toutes les transitions de couleurs en volume y sont plus clairement visibles. Plus l'objet est éloigné du spectateur, plus dans une plus grande mesure il perd en luminosité et en saturation des couleurs, et moins le contraste entre la lumière et l'ombre diminue. Lors de la mise en évidence de plans de nature morte, vous devez toujours comparer les couleurs des objets situés à différentes distances du spectateur. Si toutefois des objets situés plus loin dépassent trop, il faut réduire la saturation de leurs couleurs, adoucir les contours de leur forme ou rehausser la couleur des objets du premier plan.
L'impression de profondeur de l'espace dans une nature morte dépend aussi de l'interprétation du fond sur lequel se trouvent les objets. Par conséquent, vous devez être très prudent lorsque vous travaillez en arrière-plan. La couleur de fond est toujours comparée à la couleur des objets. Le fond d'une couleur claire avec une saturation élevée, qui peut fortement dépasser vers l'avant, est particulièrement difficile. Avec un tel fond, il est préférable de prendre des objets de mise en scène qui contrastent avec celui-ci en couleur. Le contraste aidera à révéler la couleur et la forme des objets, à enrichir la solution picturale de toute la nature morte et à mettre en évidence la position des objets au premier plan.
En transmettant en détail les relations chromatiques et tonales de la nature, nous réalisons ainsi le transfert de matière. Pour ce faire, il faut diversifier la technique d'application des traits, c'est-à-dire les agrandir, parfois plus petits, tout en changeant la direction des traits en fonction de la forme et du matériau de l'objet. Ils terminent la nature morte par une généralisation de nuances de couleurs individuelles, les subordonnant à toutes les autres couleurs. Cela permet d'obtenir l'intégrité de l'impression de la production. Il est préférable de réaliser les derniers traits avec des couleurs transparentes et vives. Lors de la réalisation d'une nature morte en peinture, il est important de voir la nature correctement à tout moment : de manière holistique - lors de la détermination des relations générales des couleurs et à la fin de l'œuvre, en particulier - lors de l'élaboration des détails, c'est-à-dire suivre les principes « du général au spécifique » et « du particulier au général ». Cela aidera à trouver et à transmettre dans la peinture le lien entre les objets en termes de tonalité de couleur, de luminosité, de saturation des couleurs et de leur placement spatial.
Vous pouvez faire des travaux de peinture à l'aquarelle différentes méthodes. Par exemple, vous pouvez d'abord peindre l'intégralité du croquis avec une couleur qui n'est pas complètement saturée, puis amener la saturation de toutes les couleurs à correspondre à la nature. Lors de la réalisation d'un croquis, la couleur peut être prise immédiatement complètement saturée, afin de la laisser intacte à l'avenir. Dans ce cas, le croquis est écrit en plusieurs parties, les couleurs sont sélectionnées avec soin, réfléchies et disposées « proprement ». Cette méthode de travail nécessite une expérience et des compétences considérables. Dans un seul travail, vous pouvez utiliser différentes manières techniques de peinture à l'aquarelle : « humide », « sèche », « alla prima », glaçage. Pour représenter des objets situés au premier plan, la technique « sèche » est souvent utilisée, et les objets situés en arrière-plan sont peints selon la technique « humide ».
En travaillant sur diverses natures mortes, dans lesquelles sont comparés des objets de matériaux et de textures différents - durs, mous, mats, brillants, transparents, denses, légers, lourds, etc., on apprend leur beauté et on acquiert expérience requise dans leur représentation, ils étudient différentes méthodes de techniques de peinture à l'aquarelle, développent des compétences dans la réalisation d'œuvres de peinture complexes, telles que l'image d'une tête humaine, d'une figure humaine, nue et vêtue. Manuel « Dessin et peinture » pour les écoles techniques (SPO) Auteur A.V. Sekacheva, A.M. Chuikina, L.G. Pimenova Moscou, 1983
