Jeta ende të papritura - një histori bukurie. Jetët më të mira të qeta

Epo, a do të shohim disa foto të tjera?
Jeta të qeta të papritura janë sepse ne zakonisht presim subjekte krejtësisht të ndryshme nga autorët e tyre. Tradicionalisht, këta artistë kanë punuar në zhanre krejtësisht të ndryshme, duke preferuar peizazhin, portretin ose pikturën e zhanrit. Vetëm herë pas here u vinte diçka në kokë dhe thërrisnin: "Më lejoni ta vizatoj këtë vazo me tuberoz!" Vërtetë, kjo ndodhi jashtëzakonisht rrallë. Aq e rrallë saqë më është dashur të gërmoj nëpër burime për gjysmë dite për të gjetur jetën e tyre të qetë.

LE TË FILLOJMË ME TONA:

Marc Chagall "Lule të bardha në një sfond të kuq". 1970. Marku ka vetëm disa natyra të qeta, të pikturuara mosha e pjekur, madje edhe atëherë ai, i mësuar me përshkrimin e fantazmagorisë njeri-kafshë, nuk mund t'i rezistonte asnjërës prej tyre - të paktën do të fuste një pjesë të fizionomisë njerëzore, të paktën diku nga skaji.

Për shembull, unë i dua vërtet natyrat e qeta, por shumica e artistëve jo. Në një farë mënyre kjo nuk është e respektueshme për një krijues të nderuar, të gjithë studentët mësojnë bazat e vizatimit nga natyra të qeta.

Jeta e qetë ishte veçanërisht e papëlqyeshme në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të, në në masën më të madhe- ndër impresionistët nuk e donin edhe shëtitësit tanë. Disa prej tyre nuk gjeta asnjë natyrë të qetë. Nuk ka vepra të tilla, për shembull, nga Nesterov, Kuindzhi, Aivazovsky, Perov, Grigory Myasoedov (kushdo që e gjen, më thotë, do ta shtoj).

Victor Vasnetsov "Buqetë". I mrekullueshëm ose komplot epike- Të lutem, Kiev Katedralja e VladimirËshtë e lehtë të pikturosh, por artisti nuk është shumë i mirë me jetën e qetë. Megjithatë, ato ekzistojnë!

Sigurisht, ka përjashtime midis impresionistëve - Cezanne ishte shumë i dhënë pas jetës së qetë, megjithëse ai nuk e konsideronte veten një impresionist. Post-impresionistët që "patën një shpërthim" me natyrat e qeta ishin Van Gogh dhe Matisse (nuk do t'i mbuloj ato të listuara këtu - ne po kërkojmë vepra të rralla nga "jodashësorë" të natyrës së qetë). Por, në thelb, përfaqësuesve të këtyre tendencave nuk u pëlqeu ky biznes me lule-fruta - borgjez dhe patriarkal, pa ajrin e dashur - i mërzitshëm! Edhe Berthe Morisot është vajza e vetme në mesin e impresionistëve, dhe nuk e pëlqente këtë zhanër paksa "vajzërore".

Ilya Repin "Mollë dhe gjethe", 1879 . Jeta e qetë nuk është tipike për Repin. Edhe këtu përbërja nuk duket si një prodhim klasik - e gjithë kjo mund të jetë e shtrirë diku në tokë nën një pemë, pa syze apo perde.

Nuk shqetësohesha gjithmonë për jetën e qetë kohë të këqija. Filloi të shfaqet në shekullin e 16-të, ndërsa si pjesë e pikturave të zhanrit, dhe në shekullin e 17-të, falë holandezëve, u rrit në një zhanër të pavarur pikture. Ishte shumë popullor në shekullin e 18-të dhe gjysmën e parë të shekullit të 19-të, dhe më pas, falë lëvizjeve novatore në art, popullariteti i tij filloi të bjerë. Ringjallja e modës për natyrën e qetë filloi rreth viteve 20 të shekullit të 20-të. Shumë artistë përfaqësues arti bashkëkohor përsëri ata morën vazo dhe pjeshkë, por këto ishin tashmë forma të reja. Sigurisht, zhanri nuk vdiq kurrë plotësisht, dhe një galaktikë e tërë artistësh të natyrës së qetë ekzistonte (dhe tani ekziston). Ne do të flasim për këtë më vonë, por tani për tani do të hesht, do të komentoj vetëm diçka, dhe ju thjesht shikoni natyrat e rralla të autorëve që i kanë pikturuar ato vetëm herë pas here:

Valentin Serov "Jargavanët në një vazo", 1887.
mbi të tijën vepra të famshme ju mund të shihni vetëm një pjesë të natyrës së qetë - pjeshkë para vajzës. Piktori më i mprehtë i portretit me sa duket ishte mërzitur të pikturonte lule dhe kufoma zogjsh.

Isak Levitan. "Vjollcat e pyllit dhe të harruarit", 1889.Gjeniu i peizazhit rus ndonjëherë pikturonte natyra të mrekullueshme të qeta. Por shumë rrallë! Ekziston edhe një kavanoz me luleradhiqe - bukuroshe!

Vasily Surikov "Buqetë".
Autori i "Mëngjes së Ekzekutimit Streltsy" e donte shtrirjen dhe dramën. Por edhe këto janë ruajtur - trëndafila pak naivë dhe simpatikë.

Boris Kustodiev. “Nata natyra me fazanë", 1915 . Veprat e tij shpesh paraqesin natyra të mëdha të qeta - ai pikturoi tregtarë dhe fshatarë me faqe rozë në tavolina të mbushura fjalë për fjalë nga ushqimi. Dhe në përgjithësi, kanavacat e tij të gëzuara dhe të ndritshme duken si një natyrë të qetë, edhe nëse është një portret, por ka pak imazhe individuale jo të gruas së tregtarit, por të mëngjesit të saj.

Victor Borisov-Musatov "Jargavan", 1902.
Më pëlqejnë shumë getat e tij origjinale, ndryshe nga të tjerët. Ju gjithmonë mund ta njihni atë, dhe në këtë jetë të qetë gjithashtu.

Mikhail Vrubel "Lule në një vazo blu", 1886
Çfarë talenti! Sa zhgënjyes pak kohë kisha! Lulet janë gjithashtu të mrekullueshme, ashtu si edhe demonët.

Vasily Tropinin "Snipe e Madhe dhe Bullfinch", 1820.
Artisti serf dukej se kishte pak respekt për zhanrin e jetës së qetë, dhe për këtë arsye pothuajse kurrë nuk e pikturoi atë. Ajo që shihni nuk është as një kanavacë e plotë, por një skicë.

Kazimir Malevich. "Natyrë e qetë". A menduat se mollët e tij ishin katrore?

Ivan Kramskoy "Buqetë me lule. Phloxes", 1884
Doja të shkoja direkt në dacha - gjithashtu kisha phlox atje gjatë verës.

Wassily Kandinsky "Peshku në një pjatë blu". Jo gjithçka është ende plotësisht e strukur, në foto mund të gjurmohen sytë, madje edhe goja, madje janë afër!

Nathan Altman "Mimoza", 1927
më pëlqen. Ka diçka në të.

Ivan Shishkin, 1855.
Ku janë arinjtë dhe pylli?!

Doja të përfshija edhe Petrov-Vodkin, por ai ka mjaft natyra të qeta, siç dukej. Dhe Mashkov, Lentulov, Konchalovsky, kështu që ata nuk janë të përshtatshëm për këtë post.

E HUAJ:

Egon Schiele "Një natyrë e qetë", 1918
Mendonit se ai dinte të vizatonte vetëm të mitur të zhveshur?

Alfred Sisley. "Nata e vdekur me një çafkë". Zogjtë e ngordhur - dramë në jetën e përditshme.

Më shumë Sisley. Epo, unë e dua atë!

Gustave Courbet. Mollë dhe shegë në një pjatë. 1871

Edgar Degas "Gruaja e ulur nga një vazo me lule", 1865
Pavarësisht emrit, gruaja zë 30 për qind të sipërfaqes së kanavacës, kështu që ajo e konsideroi atë një natyrë të qetë. Në përgjithësi, Degas i pëlqente të pikturonte njerëzit shumë më tepër sesa lulet. Sidomos balerinat.

Eugene Delacroix. "Buqetë".
Epo, faleminderit Zotit, askush nuk ha njeri dhe nuk gjuan askënd!

Theodore Gericault "Nata natyra me tre kafka"
Në përgjithësi, Zhericault në një farë mënyre i pëlqente në mënyrë të dyshimtë kufomat blu dhe të gjitha llojet e "shpërbërjes". Dhe jeta e tij e qetë është e përshtatshme.

Camille Pissarro "Ndotjet me mollë dhe enë", 1872

Claude Monet "Një jetë e qetë me dardha dhe rrush", 1867.
Ai kishte disa natyra të qeta, por relativisht pak.

Auguste Renoir "Nata natyra me një vazo të madhe lulesh", 1866
Krahasuar me të tjerët të paraqitur këtu, ai ka mjaft natyra të qeta. Dhe çfarë lloji! Një nga bashkëkohësit e tij tha se ai nuk ka vepra të trishtuara dhe unë e adhuroj atë, kështu që e shtyva këtu. Dhe gjithashtu sepse jeta e tij e qetë janë ende pak të njohura, shumë më pak të njohura se të gjithë këta larës, etj.

A e dini kush është ky?! Pablo Picasso! 1919

Pablo ishte jashtëzakonisht produktiv! Numër i madh piktura! Dhe mes tyre, natyrat e qeta zënë një përqindje shumë më të vogël se çdo gjë tjetër, madje edhe atëherë ato ishin kryesisht "kubiste". Kjo është arsyeja pse ai u përfshi në përzgjedhje. Për t'ju dhënë një ide se sa i çmendur (por sigurisht i talentuar!) dhe i paqëndrueshëm ishte, shikoni foton më poshtë. Ky është gjithashtu ai, dhe në të njëjtin vit!

Pablo Picasso "Një jetë e qetë në një komodinë", 1919

Paul Gauguin "Ham", 1889.
Gratë Tahiti shkuan më vonë, ai u nis për në Tahiti 2 vjet më vonë (do të mbaroj së shkruari tani dhe do të gërmoj nëpër frigorifer).

Edouard Manet "Karafila dhe clematis në një vazo kristali", 1882
Ka edhe vepra të mrekullueshme, për shembull "Trëndafila në një gotë shampanjë", por jeta e qetë e Manet në trashëgiminë e tij është gjithmonë në sfond. Por më kot, apo jo?

Francois Millet, 1860.
Vetëm darkë për të gjithë fshatarët dhe korrësit e tij.

Berthe Morisot "Vazo blu", 1888
Megjithatë, nuk mund të rezistoja!

Frederic Basil. "Njerë e qetë me peshq", 1866
Është e thjeshtë dhe madje e vrazhdë, por mendoj se mund të aroma edhe peshku! A duhet të shkoj të hedh plehra?...

Henri "Oficeri doganor" Ruso, "Buqetë me lule", 1910

E papritur në zhanër, por e qëndrueshme në stil. Doganieri mendjelehtë ishte gjithmonë i vërtetë me veten.

Të gjithë, faleminderit për vëmendjen tuaj!
si ju pëlqen?

PS. E megjithatë Kuzma Petrov-Vodkin, sepse ai është i mrekullueshëm!:

Kuzma Petrov-Vodkin "Violina në një kuti", 1916, Muzeu i Arteve Odessa
Ai ka mjaft natyra të qeta. E mrekullueshme, thjesht e mrekullueshme! Të tilla të lehta, verore - sigurohuni që të shikoni në internet, të lëvizni mënjanë kalin e kuq dhe pajisje të tjera revolucionare! Por, meqenëse kemi një postim për natyra të pazakonta të qeta, zgjodha atë më atipiken për këtë autor.

Faleminderit përsëri për vëmendjen tuaj!

Qëndrimi ndaj jetës së qetë në periudha të ndryshme ndryshoi, herë harrohej praktikisht dhe herë ishte zhanri më popullor i pikturës. Si një zhanër i pavarur i pikturës, ai u shfaq në veprat e artistëve holandezë në shekullin e 17-të. Në Rusi për një kohë të gjatë ende jeta trajtohej si zhanër më të ulët, dhe vetëm në fillim të shekullit të 20-të u bë një zhanër i plotë. Gjatë një historie katërshekullore, artistët kanë krijuar shumë numër i madh natyra të qeta, por edhe mes këtij numri mund të veçojmë veprat më të njohura dhe më domethënëse për këtë zhanër.

"Nata natyra me proshutë dhe argjendi" (1649) nga Willem Claes Heda (1594-1682).

Artisti holandez ishte mjeshtër i njohur natyra e qetë, por është kjo pikturë që bie në sy në punën e tij. Këtu vërehet aftësia virtuoze e Hedës në përcjelljen e objekteve të përditshme shtëpiake - krijohet një ndjenjë realiteti për secilën prej tyre. Në tryezë, e mbuluar me një mbulesë tavoline të pasur, qëndron një limon qelibar, një copë proshutë e freskët dhe enë argjendi. Dita e nesërme sapo ka përfunduar, ndaj ka një rrëmujë të lehtë në tavolinë, e cila e bën foton edhe më reale. Ashtu si shumica e natyrave të qeta holandeze të kësaj periudhe, këtu çdo objekt mbart një lloj kuptimi. Kështu, enët e argjendit flasin për pasurinë tokësore, proshuta tregon gëzime sensuale, dhe limoni - bukuri e jashtme që fsheh hidhërimin e brendshëm. Përmes këtyre simboleve, artisti na kujton se duhet të mendojmë më shumë për shpirtin dhe jo vetëm për trupin. Piktura është bërë në një gamë të vetme kafe-gri, karakteristikë e të gjithë pikturës holandeze të kësaj epoke. Përveç dekorueshmërisë së dukshme, kjo jetë e qetë flet edhe për të padukshmen " jetë e qetë» objekte, gjë që u vu re nga syri i vëmendshëm i artistit.

“Pjeshkë dhe dardha” (1895) Paul Cézanne (1830-1906).

Zhanri i jetës së vdekur ka qenë gjithmonë shumë konservator. Prandaj, pothuajse deri në fillim të shekullit të 20-të, ajo dukej njësoj si në shekullin e 17-të. Derisa Paul Cezanne e mori atë. Ai besonte se piktura duhet të përcjellë në mënyrë objektive realitetin, dhe pikturat duhet të bazohen në ligjet e natyrës. Cezanne kërkoi të përçonte jo të ndryshueshme, por cilësi të vazhdueshme objekt, nëpërmjet sintezës së formës dhe ngjyrës, unifikimit të formës dhe hapësirës. Dhe zhanri i natyrës së qetë u bë një objekt i shkëlqyer për këto eksperimente. Secili prej objekteve në natyrën e qetë "Pjeshkë dhe dardha" është përshkruar me të kënde të ndryshme vizion. Pra, ne shohim tavolinën nga lart, frutat dhe mbulesën e tavolinës nga ana, një tavolinë të vogël nga poshtë dhe enën në përgjithësi njëkohësisht me anët e ndryshme. Cezanne përpiqet të përcjellë sa më saktë formën dhe vëllimin e pjeshkës dhe dardhës. Për këtë ai përdor ligjet optike, kështu që nuancat e ngrohta (e kuqe, rozë, e verdhë, e artë) perceptohen nga ne si të spikatura, dhe nuancat e ftohta (blu, indigo, jeshile) - tërhiqen në thellësi. Prandaj, forma e objekteve në jetën e tij të qetë nuk varet nga ndriçimi, por bëhet konstante. Kjo është arsyeja pse Cezanne duket monumentale.

"Mbulesa e tavolinës blu" (1909) Henri Matisse (1869-1954).

Edhe njerëzit e papërvojë në pikturë kanë një ide se si duken natyrat e qeta. Këto janë piktura që përshkruajnë kompozime nga çdo send shtëpiake ose lule. Sidoqoftë, jo të gjithë e dinë se si përkthehet kjo fjalë - ende jetë. Tani do t'ju tregojmë për këtë dhe shumë gjëra të tjera që lidhen me këtë zhanër.

Origjina e fjalës "njerë e qetë"

Pra, shprehja natyra morte erdhi në rusisht, natyrisht, nga frëngjishtja. Siç mund ta shihni, ajo është e ndarë në dy pjesë - "natyrë" dhe "morte", të cilat përkthehen përkatësisht si "natyrë, natyrë, jetë" dhe "e vdekur, e qetë, e palëvizshme". Tani i bashkojmë të dy pjesët dhe i marrim të gjithë fjalë e njohur"fatë e qetë".

Bazuar në të gjitha sa më sipër, mund të konkludojmë se jeta e qetë është një zhanër i përshkrimit të artistit të një natyre të ngrirë, të palëvizshme në kanavacë. Vërtetë, ndonjëherë mjeshtrit e jetës së qetë plotësojnë pikturat e tyre me imazhe të krijesave plotësisht të gjalla - fluturat, vemjet, merimangat dhe insektet, madje edhe zogjtë. Por përjashtimi konfirmon vetëm rregullin bazë.

Formimi i zhanrit

Historia e natyrës së qetë shkon prapa pothuajse 600 vjet. Deri në shekullin e 16-të askujt nuk i ka shkuar mendja se mund të pikturosh me ndonjë lloj bojërash objekte të pajetë, edhe pse shumë e bukur. Pikturat e natyrës së qetë thjesht nuk ekzistonin në ato ditë. Në mesjetë, piktura i kushtohej tërësisht Zotit, kishës dhe njeriut. Artistët pikturuan piktura mbi tema fetare, dhe portretet gjithashtu u vlerësuan shumë. Edhe peizazhi ka vepruar vetëm si një shtesë.

Por megjithatë, disa elementë të natyrës së qetë u ndeshën tashmë në shekullin e 15-të nga piktorët holandezë. Pikturat e tyre me përmbajtje tradicionale fetare ose mitologjike, si dhe portretet e tyre, përmbajnë imazhe të kurora lulesh të pikturuara me kujdes, libra, pjata dhe madje edhe kafka njerëzore. Do të kalojnë nja dy shekuj dhe e gjithë bota do të admirojë krijimet e të ashtuquajturve holandezë të vegjël - mjeshtër të pikturës së jetës së qetë.

Sidoqoftë, jeta e qetë i detyrohet shfaqjes së saj si një zhanër i pavarur i artit të bukur jo holandezëve, por francezëve. Të tillë si Francois Deporte, Jean-Baptiste Chardin, Jean-Baptiste Monnoyer dhe Jean-Baptiste Oudry formuluan parimet bazë të pikturës "objekt", formuan konceptin e saj bazë dhe i treguan publikut të gjerë të gjithë bukurinë dhe sharmin e natyrës së qetë.

Epoka e holandezëve të vegjël - kulmi i pikturës së jetës së qetë

Pra, le të përpiqemi të kthejmë prapa disa shekuj më parë për të kuptuar se kush janë holandezët e vegjël dhe pse, kur bëhet fjalë për natyrën klasike të qetë, ata mbahen mend gjithmonë. Jeta e para holandeze e qetë janë krijimet e piktorëve që jetuan në Holandë në shekullin e 17-të. Holandezët e vegjël - ky është emri i zakonshëm për një shkollë pikture dhe një komunitet artistësh që krijuan piktura të vogla të jetës së përditshme. Sigurisht, ata pikturuan jo vetëm natyra të qeta.

Midis tyre kishte shumë peizazhistë dhe mjeshtra të pikturës së zhanrit. Kanavacat e tyre nuk ishin të destinuara për pallate dhe kisha, por për të dekoruar shtëpitë e qytetarëve të zakonshëm. Në atë kohë, rreth 3 mijë artistë jetonin në Holandën e vogël, dhe të gjithë ata dalloheshin për aftësinë e tyre të madhe për punë dhe aftësinë për të transferuar bukurinë e botës së përditshme mirë në kanavacë. Më pas, historianët e artit do ta quajnë këtë herë Rilindjen Hollandeze. Pikërisht atëherë u përhap gjerësisht zhanri i natyrës së qetë.

Jeta më e mirë holandeze ende

Në këto ekspozita të bukura, para të pranishmëve shtrohen enë të ndryshme kuzhine, fruta, lule luksoze dhe sende shtëpiake. Jeta e vdekur me lule ishin shumë të njohura. Kjo ishte pjesërisht për shkak të faktit se në Holandë që nga kohra të lashta ka pasur një kult të luleve dhe kopshtarisë. Një nga përfaqësuesit më të shquar të pikturës holandeze të natyrës së vdekur të shekullit të 17-të. ishin artistët Jan Davids de Hem, si dhe djali i tij Cornelis de Hem.

Pikturat e tyre fituan popullaritet dhe famë kryesisht për faktin se ata me mjeshtëri dinin të përshkruanin lule dhe fruta. Vëmendje e kujdesshme ndaj detajeve së bashku me të rafinuar skema e ngjyrave dhe kompozimi i ndërtuar në mënyrë ideale i bëri pikturat e tyre të pakrahasueshme. Këta artistë pikturuan buqeta lulesh luksoze që qëndronin në vazo të bukura, pranë të cilave fluturonin fluturat; kurora me fruta; gota transparente të mbushura me verë; enët me rrush dhe fruta të tjera; instrumente muzikore etj. Jeta të famshme të qeta baba dhe bir mahniten me realizmin e tyre, paraqitjen delikate të lojës së dritës dhe ngjyrosjen e hollë.

Jeta e vdekur në pikturën impresioniste

Impresionistët francezë, si dhe post-impresionistët, i kushtuan shumë vëmendje zhanrit të jetës së qetë. Natyrisht, stili i tyre i pikturës ndryshonte ashpër nga sofistikimi realist i holandezëve të vegjël, sepse impresionistët nuk tërhiqeshin nga piktura klasike. Edouard Manet, Edgar Degas, Van Gogh - të gjithë këta artistë donin të pikturonin lule dhe bimë, sepse të dy janë pjesë e natyrës, bukurinë e së cilës ata kënduan gjatë gjithë jetës së tyre.

Auguste Renoir pikturoi një galeri të tërë të natyrave të qeta të bukura të ajrosura gjatë jetës së tij. Ndonjëherë imazhi i një "natyre të ngrirë" kërkohet nga impresionistët vetëm si një shtesë. Për shembull, në pikturën "Dreka në bar" nga Edouard Manet, në plan të parë mund të shihni një jetë të mrekullueshme të qetë me rroba, fruta dhe ushqime të shpërndara të shpërndara në bar. Van Gogh pikturoi shumë natyra të pazakonta të qeta. Shumë njerëz e njohin atë ose "Irises", por ai gjithashtu ka piktura të tilla si "Këpucët e Van Gogh" ose "Karrika e Van Gogh" - të gjitha këto janë gjithashtu shembuj të pikturës së natyrës së vdekur.

Jetë e qetë ruse

Është për t'u habitur që në Rusi jeta ende si një zhanër i veçantë nuk ishte e kërkuar për një kohë të gjatë, pasi konsiderohej pothuajse më e ulta nga të gjitha llojet e artit të bukur, e cila nuk kërkon asnjë njohuri themelore, nuk ka aftësi të veçanta në pikturë. Vetëm në gjysmën e dytë të shekullit XIX. Ruse Peredvizhniki ishin në gjendje të ngjallnin interes për këtë zhanër të artit në mesin e publikut rus.

Më pas, shumë piktorë rusë u interesuan për pikturën e jetës së qetë. Jeta e vdekur e artistëve të famshëm si Igor Grabar, Kuzma Petrov-Vodkin, Ivan Khrutskoy mund të shihen në sallat e Galerisë Tretyakov, Muzeut Rus, Muzeut artet figurative ato. Pushkin në Moskë, si dhe në Hermitage. Por lulëzimi i vërtetë i pikturës së natyrës së vdekur ndodhi në vendin tonë gjatë epokës së socializmit.

Foto natyra e qetë

Me ardhjen e fotografisë, një tjetër zhanër u shfaq në botën e artit: fotografia e jetës së vdekur. Sot, shumë njerëz janë të apasionuar pas krijimit të kryeveprave fotografike. Disa foto thjesht mahnitin me përsosmërinë dhe aftësinë e fotografit. Ndonjëherë, me ndihmën e një aparati fotografik, fotografë të talentuar arrijnë të fotografojnë natyra të qeta që nuk janë aspak inferiore ndaj krijimeve më të famshme të holandezëve të vegjël.

Për të filluar të vizatoni një natyrë të qetë, fillimisht duhet ta kompozoni atë nga disa objekte. Për eksperimentet tuaja të para në pikturën e jetës së qetë, është më mirë të mos bëni kompozime komplekse.

Tjetra, ne vizatojmë një natyrë të qetë hap pas hapi. Së pari ju duhet të bëni një vizatim me laps ose qymyr. Më pas vijon një nënlyerje e lehtë, duke zbuluar ngjyrat dhe hijet kryesore të përbërjes dhe vetëm atëherë mund të vazhdoni drejtpërdrejt në vizatimin e detajeve.

Le të kalojmë në fazën përfundimtare të kësaj serie postimesh rreth zhanrit të jetës së qetë. Ai do t'i kushtohet punës së artistëve rusë.

Le të fillojmë me Fjodor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Grafika të natyrës së vdekur nga F.P. Tolstoi, skulptori, medalisti, vizatuesi dhe piktori i famshëm rus, është ndoshta pjesa më e shquar dhe më e vlefshme e tij. trashëgimia krijuese, megjithëse vetë artisti tha se i krijoi këto vepra "në kohën e tij të lirë nga studimet serioze".

Prona kryesore e vizatimeve të jetës së qetë të Tolstoit është natyra e tyre iluzore. Artisti kopjoi me kujdes natyrën. Ai u përpoq, sipas tij me fjalët e mia, “për të përcjellë me qartësi të rreptë nga jeta në letër lulen e kopjuar ashtu siç është, me të gjitha detajet më të vogla që i përkasin kësaj luleje”. Për të mashtruar shikuesin, Tolstoi përdori teknika iluzioniste si imazhi i pikave të vesës ose letra e tejdukshme që mbulonte vizatimin dhe ndihmonte për të mashtruar syrin.

Ilya Efimofich Repin (1844-1930) gjithashtu më shumë se një herë iu drejtua një motivi të tillë të jetës së qetë si lulet. Punime të tilla përfshijnë pikturën " Buqetë vjeshte” (1892, Galeria Tretyakov, Moskë), ku artisti përshkruan me të njëjtën vëmendje një peizazh vjeshte, një grua të re që qëndron kundër një sfondi të pemëve të arta dhe një buqetë modeste me lule të verdha dhe të bardha në duar.

I. Repin. Buqetë vjeshte. Portreti i Vera Repinës. 1892, Galeria Tretyakov

Historia e pikturës "Mollë dhe gjethe" është disi e pazakontë. Jeta e qetë, duke kombinuar fruta dhe gjethe, u vu në skenë për studentin e Repin, V.A. Serova. Mësuesi i pëlqeu aq shumë përbërja e lëndës sa vendosi të pikturonte vetë një natyrë të tillë të qetë. Lulet dhe frutat tërhoqën shumë artistë, të cilët parapëlqenin ndër të tjera këto, që tregonin në mënyrë më poetike dhe më të bukur botën natyrore. Edhe I.N. Kramskoy, i cili ishte shpërfillës ndaj këtij zhanri, gjithashtu i bëri haraç jetës së qetë duke krijuar foto spektakolare“Buqetë me lule. Phloxes” (1884, Galeria Tretyakov, Moskë).

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) është i njohur për shumicën prej nesh si një artist që i kushtoi vëmendje në punën e tij peizazhit, portretit dhe pikturës historike. Sidoqoftë, duhet theksuar se subjekti në punën e tij ka luajtur gjithmonë rol të rëndësishëm dhe shpesh zinte të njëjtin pozicion të barabartë me elementët e tjerë të kompozimit. Tashmë e përmenda pak më lart puna e nxënësve"Mollë mbi gjethe", 1879, ekzekutuar nën drejtimin e Repin. Nëse e krahasoni këtë vepër me një vepër të shkruar për të njëjtën temë nga Repin, mund të shihni se jeta e qetë e Serovit është më e ngjashme me etyd sesa piktura e mësuesit të tij. Artisti fillestar përdori një këndvështrim të ulët, kështu që plani i parë dhe i dytë kombinohen dhe sfondi zvogëlohet.

Piktura "Vajza me pjeshkë", e njohur për të gjithë që nga fëmijëria, shkon përtej zhanrit të portretit dhe nuk është rastësi që quhet "Vajza me pjeshkë" dhe jo "Portreti i Vera Mamontova". Mund të shohim se këtu kombinohen tiparet e portretit, interierit dhe natyrës së qetë. Artisti i kushton po aq vëmendje imazhit të një vajze me bluzë rozë dhe disa objekteve, por të grupuara me mjeshtëri. Pjeshkë të verdhë të zbehtë shtrihen në një mbulesë tavoline të bardhë, gjethe panje dhe një thikë me shkëlqim. Gjëra të tjera në sfond janë pikturuar gjithashtu me dashuri: karrige, një pjatë e madhe prej porcelani që dekoron murin, një figurinë e një ushtari lodër, një shandan në dritare. Drita e diellit, duke derdhur nga dritarja dhe duke hedhur reflektime të ndritshme mbi objekte, i jep imazhit një bukuri poetike.

Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) shkroi: "Dhe përsëri më godet, jo, jo, por dëgjoj atë notën intime kombëtare që dua ta kap në kanavacë dhe në stoli. Kjo është muzika e një personi të tërë, jo e copëtuar nga shpërqendrimet e Perëndimit të rregulluar, të diferencuar dhe të zbehtë.”

Në Akademinë e Arteve, mësuesi i preferuar i Vrubelit ishte Pavel Chistyakov, i cili i mësoi piktorit të ri të "vizatonte me formë" dhe argumentoi se format tredimensionale nuk duhet të krijohen në hapësirë ​​me hije dhe konture, ato duhet të ndërtohen me vija. Falë tij, Vrubel mësoi jo vetëm të tregojë natyrën, por të zhvillojë një bisedë intime, pothuajse të dashur me të. Jeta e mrekullueshme e mjeshtrit "Rose Hip" (1884) u bë në këtë frymë.

Në sfondin e draperisë së hollë me motive lulesh, artisti vendosi një vazo elegante të rrumbullakët të pikturuar me modele orientale. Lulja delikate e trëndafilit të bardhë, e hijezuar nga pëlhura blu-jeshile, bie qartë në sy dhe gjethet e bimës pothuajse bashkohen me qafën e zezë vezulluese të zbehtë të vazos. Kjo përbërje është e mbushur me hijeshi dhe freski të pashprehur, të cilës shikuesi thjesht nuk mund të mos i nënshtrohet.

G.N arriti një aftësi të madhe në krijimin e jetës "të rreme". Teplov dhe T. Ulyanov. Më shpesh, ata përshkruanin një mur me dërrasë, mbi të cilin vizatoheshin nyje dhe vena druri. Objekte të ndryshme vareshin në mure ose futeshin pas shiritave të gozhduar: gërshërë, krehër, letra, libra, fletore muzikore. Orë, bojëra, shishe, shandanë, pjata dhe sende të tjera të vogla vendosen në rafte të ngushtë. Duket se një grup i tillë artikujsh është krejtësisht i rastësishëm, por në fakt kjo është larg nga rasti. Duke parë natyra të tilla ende, mund të hamendësohen interesat e artistëve që luanin muzikë, lexonin dhe ishin të interesuar për artin. Mjeshtrit përshkruanin me dashuri dhe zell gjërat e dashura për ta. Këto piktura prekin sinqeritetin dhe spontanitetin e tyre të perceptimit të natyrës.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) gjithashtu i kushtoi shumë nga puna e tij zhanrit të jetës së qetë. Në kanavacat e tij të gëzuara mund të shihni pëlhura të ndezura prej sateni, samovarë bakri të shkëlqyeshëm, shkëlqimin e enëve prej balte dhe porcelani, feta të kuqe shalqini, tufa rrushi, mollë dhe kek të shijshëm. Një nga pikturat e tij të shquara është "Gruaja e tregtarit në çaj", 1918. Është e pamundur të mos admirosh shkëlqimin e ndritshëm të objekteve të paraqitura në kanavacë. Një samovar me gaz, tul i kuq i ndezur i shalqinjve, mollë me shkëlqim dhe rrush transparent, një vazo qelqi me reçel, një tas sheqeri i praruar dhe një filxhan që qëndron para gruas së tregtarit - të gjitha këto gjëra i shtojnë imazhit një humor festiv.

Në zhanrin e natyrës së qetë vëmendje e madhe iu kushtua të ashtuquajturës "mashtrime të jetës së vdekur". Shumë natyra të qeta janë "të rreme", pavarësisht faktit se ato detyra kryesore po mashtronte shikuesin, kanë merita të padyshimta artistike, veçanërisht të dukshme në muze, ku, të varura në mure, kompozime të tilla, natyrisht, nuk mund ta mashtrojnë publikun. Por këtu ka përjashtime. Për shembull, "Nata natyra me libra", e bërë nga P.G. Bogomolov, është futur në një "raft librash" iluzore dhe vizitorët nuk e kuptojnë menjëherë se ajo është vetëm një pikturë.

“Nata natyra me një papagall” (1737) nga G.N. Teplova. Me ndihmën e linjave të qarta, të sakta që kthehen në konture të buta, të lëmuara, hije të lehta, transparente dhe nuanca delikate ngjyrash, artisti tregon një sërë objektesh të varura në një mur dërrase. Druri është përpunuar me mjeshtëri, nuancat e tij të kaltërta, rozë, të verdha ndihmojnë në krijimin e një ndjesie pothuajse reale të erës së freskët të drurit të sapoplanifikuar.

Jetët e qeta ruse "të rreme" të shekullit të 18-të tregojnë se artistët nuk janë ende mjaft të aftë në përcjelljen e hapësirës dhe vëllimeve. Është më e rëndësishme që ata të tregojnë strukturën e objekteve, sikur të transferohen në kanavacë nga realiteti. Ndryshe nga natyrat e qeta holandeze, ku gjërat e përthithura nga mjedisi i dritës përshkruhen në unitet me të, në pikturat e mjeshtrave rusë, objektet e pikturuara me shumë kujdes, madje me përpikëri, jetojnë sikur vetvetiu, pavarësisht nga hapësira përreth.

NË fillimi i XIX shekulli, një rol të madh në zhvillimin e mëtejshëm të natyrës së qetë luajti shkolla e A.G. Venetsianov, i cili kundërshtoi dallimin e rreptë të zhanreve dhe u përpoq t'u mësonte studentëve të tij një vizion holistik të natyrës.

A.G. Venetsianov. Lëmë, 1821-23

Shkolla veneciane hapi një zhanër të ri për artin rus - dizajnin e brendshëm. Artistët treguan dhoma të ndryshme të një shtëpie fisnike: dhomat e ndenjes, dhomat e gjumit, zyrat, kuzhinat, klasat, njeriu etj. Në këto vepra një vend të rëndësishëm i është kushtuar imazhit artikuj të ndryshëm, megjithëse vetë jeta e qetë nuk ishte pothuajse asnjë interes për përfaqësuesit e rrethit të Venetsianov (në çdo rast, shumë pak natyra të vdekura të ekzekutuara nga studentët e piktorit të famshëm kanë mbijetuar). Sidoqoftë, Venetsianov u bëri thirrje studentëve të tij që të studiojnë me kujdes jo vetëm fytyrat dhe figurat e njerëzve, por edhe gjërat përreth tyre.

Një objekt në pikturën e Venetsianov nuk është një aksesor, ai është i lidhur pazgjidhshmërisht me pjesën tjetër të detajeve të figurës dhe shpesh është çelësi për të kuptuar imazhin. Për shembull, një funksion i ngjashëm kryhet nga drapërët në pikturën "The Reapers" (gjysma e dytë e viteve 1820, Muzeu Rus, Shën Petersburg). Gjërat në artin venecian duket se janë të përfshira në jetën e pangutur dhe të qetë të personazheve.

Megjithëse Venetsianov, sipas të gjitha gjasave, nuk pikturoi vetë natyra të qeta, ai e përfshiu këtë zhanër në sistemin e tij të mësimdhënies. Artisti ka shkruar: Gjërat e pajetë nuk i nënshtrohen atyre ndryshimeve të ndryshme që janë karakteristike për objektet e gjalla, ato qëndrojnë, e mbajnë veten në vëmendje, të palëvizshme përballë një artisti të papërvojë dhe i japin atij kohë për të gërmuar më saktë dhe më me maturi, për të parë marrëdhënien e njërit; pjesë në një tjetër, si në vija, ashtu edhe në dritëhije me vetë ngjyrën, të cilat varen nga hapësira që zënë objektet.”.

Sigurisht, jeta e qetë luajti një rol të madh në sistemi pedagogjik Akademia e Arteve në shekujt XVIII-XIX (në klasat studentët bënë kopje të natyrave të qeta nga mjeshtrit holandezë), por ishte Venetsianov, ai që inkurajoi artistët e rinj t'i drejtoheshin natyrës, ai që futi jetën e qetë në kurrikulën e tij të vitit të parë, të përbërë nga gjëra të tilla si figura suvaje, enë, shandanë, shirita shumëngjyrësh. , fruta dhe lule. Artikuj për natyra ende edukative Venetsianov i zgjodhi ato në mënyrë që të ishin interesante për piktorët fillestarë, të kuptueshëm në formë dhe të bukur në ngjyra.

Në pikturat e krijuara nga studentët e talentuar të Venetsianov, gjërat përcillen me vërtetësi dhe freski. Këto janë natyrat e qeta të K. Zelentsov, P.E. Kornilov. Në veprën e artistëve venecianë ka edhe vepra që në thelbin e tyre nuk janë të qeta, por, megjithatë, roli i gjërave në to është i madh. Mund të emërtohen, për shembull, pikturat "Zyra në Ostrovki" dhe "Reflektimi në pasqyrë" nga G.V. Magpies ruhen në koleksionin e Muzeut Rus në Shën Petersburg.

G.V. Magpie. "Zyra në Ostrovki." Fragment, 1844, Muzeu Rus, Shën Petersburg

Jeta e vdekur në këto vepra nuk shfaqen në mënyrë të pavarur, por si pjesë të brendshme të rregulluara në mënyrë unike nga mjeshtri, që korrespondojnë me strukturën e përgjithshme kompozicionale dhe emocionale të figurës. Elementi kryesor lidhës këtu është drita, duke lëvizur butësisht nga një objekt në tjetrin. Duke parë kanavacat, e kuptoni sa interesante bota rreth nesh një artist që përshkruante me dashuri çdo objekt, çdo gjë më të vogël.

Jeta e qetë e paraqitur në "Zyrën në Ostrovki", megjithëse zë një vend të vogël në përbërjen e përgjithshme, duket jashtëzakonisht domethënëse, e theksuar për faktin se autori e ka rrethuar nga pjesa tjetër e hapësirës me një shpinë të lartë të divanit dhe e ka prerë majtas dhe djathtas me kornizë. Duket se Soroka është marrë aq shumë nga objektet e shtrira në tavolinë, sa për pak ka harruar detajet e tjera të fotos. Mjeshtri shkroi me kujdes gjithçka: një stilolaps, një laps, një busull, një raportues, një thikë shkrimi, një numërator, fletë letre, një qiri në një shandan. Këndvështrimi nga lart ju lejon të shihni të gjitha gjërat, pa bllokuar asnjëra prej tyre tjetrën. Atribute të tilla si një kafkë, një orë, si dhe simbole të "kotësisë tokësore" (një figurinë, letra, numëratore) lejojnë disa studiues të klasifikojnë jetën e qetë si një lloj vanitas, megjithëse një rastësi e tillë ka shumë të ngjarë; artisti bujkrobër përfitoi nga ajo që ishte shtrirë në tryezë pronari i tij.

Mjeshtri i famshëm i kompozimeve objektesh të të parit gjysma e shekullit të 19-të shekulli kishte një artist I.F. Khrutsky, i cili pikturoi shumë piktura të bukura në frymën e jetës së qetë holandeze të shekullit të 17-të. Ndër veprat e tij më të mira janë "Lulet dhe frutat" (1836, Galeria Tretyakov, Moskë), "Portreti i një gruaje me lule dhe fruta" (1838, Muzeu i Artit të Bjellorusisë, Minsk), "Një natyrë e qetë" (1839, Muzeu i Akademia e Arteve, Shën Petersburg).

Në gjysmën e parë të shekullit të 19-të në Rusi, "jeta botanike e qetë", e cila erdhi tek ne nga Evropën Perëndimore. Në Francë në këtë kohë u botuan vepra të botanistëve me ilustrime të bukura. Popullaritet i madh në shumë vendet evropiane marrë nga artisti P.Zh. Redoute, i cili konsiderohej "piktori më i famshëm i luleve të kohës së tij". “Vizatimi botanik” ishte një fenomen domethënës jo vetëm për shkencën, por edhe për artin dhe kulturën. Vizatime të tilla u prezantuan si dhurata dhe albume të dekoruara, të cilat në këtë mënyrë i vendosën ato në një nivel me veprat e tjera të pikturës dhe grafikës.

Në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të, P.A. i kushtoi vëmendje të madhe përshkrimit të objekteve. Fedotov. Edhe pse ai në fakt nuk pikturoi natyra të qeta, bota e gjërave që ai krijoi kënaqet me bukurinë dhe vërtetësinë e saj.

Objektet në veprat e Fedotov janë të pandashme nga jeta e njerëzve; pjesëmarrje direkte në ngjarje dramatike të përshkruara nga artisti.

Duke parë pikturën "Kalorësi i freskët" ("Mëngjesi pas festës", 1846), mahniteni me bollëkun e objekteve të pikturuara me kujdes nga mjeshtri. Një natyrë e vërtetë e qetë, befasuese në lakonizmin e saj, është paraqitur në pikturën e famshme të Fedotov "Matchmaking's Major" (1848). Gota përcillet në mënyrë të prekshme dhe reale: gota vere me kërcell të lartë, një shishe, një dekant. Më e hollë dhe më transparente, duket se lëshon një kumbim të butë kristali.

Fedotov P.A. Shoqërimi i Majorit. 1848-1849. Galeria Tretyakov

Fedotov nuk i ndan objektet nga brendësia, kështu që gjërat tregohen jo vetëm në mënyrë autentike, por edhe në një hollësi piktoreske. Çdo objekt i zakonshëm ose jo shumë tërheqës që zë vendin e tij hapësirë ​​të përbashkët duket e mrekullueshme dhe e bukur.

Megjithëse Fedotov nuk pikturoi jetën e qetë, ai tregoi një interes të padyshimtë për këtë zhanër. Instinkti i tha se si ta rregullonte këtë apo atë objekt, nga çfarë këndvështrimi ta paraqiste, cilat gjëra do të dukeshin pranë tij jo vetëm logjikisht, por edhe shprehimisht.

Bota e gjërave, e cila ndihmon për të treguar jetën njerëzore në të gjitha manifestimet e saj, i pajis veprat e Fedotov me një muzikalitet të veçantë. Të tilla janë pikturat “Spirancë, një spirancë tjetër” (1851-1852), “E veja” (1852) e shumë të tjera.

Në gjysmën e dytë të shekullit të 19-të, zhanri i jetës së qetë praktikisht pushoi së interesuari artistët, megjithëse shumë piktorë të zhanrit përfshinin me dëshirë elemente të natyrës së qetë në kompozimet e tyre. Gjërat marrin një rëndësi të madhe në pikturat e V.G. Perova ("Partia e çajit në Mytishchi", 1862, Galeria Tretyakov, Moskë), L.I. Solomatkina ("Skllevërit e qytetit", 1846, Shteti muze historik, Moskë).

Jetët e qeta janë paraqitur në skena të zhanrit nga A.L. Yushanova ("Duke parë shefin", 1864), M.K. Klodt ("Muzikanti i sëmurë", 1855), V.I. Jacobi ("Pedlar", 1858), A.I. Korzukhina ("Para rrëfimit", 1877; "Në hotelin e Manastirit", 1882), K.E. Makovsky ("Alekseich", 1882). Të gjitha këto piktura tani mbahen në koleksionin e Galerisë Tretyakov.

K.E. Makovsky. "Alekseich", 1882, Galeria Tretyakov, Moskë

Në vitet 1870-1880, jeta e përditshme mbeti zhanri kryesor në pikturën ruse, megjithëse peizazhi dhe portreti gjithashtu zinin një vend të rëndësishëm. Rol të madh për zhvillimin e mëtejshëm Arti rus u luajt nga Peredvizhniki, të cilët kërkonin të tregonin të vërtetën e jetës në veprat e tyre. Artistët filluan të bashkëngjiteshin vlerë të madhe duke punuar nga jeta dhe për këtë arsye u kthyen gjithnjë e më shumë në peizazh dhe natyrë të qetë, megjithëse shumë prej tyre e konsideronin këtë të fundit një humbje kohe, një pasion të pakuptimtë për formën, pa përmbajtje të brendshme. Pra, I.N. Kramskoy përmendi piktorin e famshëm francez, i cili nuk la pas dore jetën e qetë, në një letër drejtuar V.M. Vasnetsov: "Nuk do të ndodhë person i talentuar të shpenzosh kohë për të përshkruar, të themi, legenët, peshqit, etj. Kjo është mirë për të bërë për njerëzit që tashmë kanë gjithçka, por ne kemi shumë për të bërë.”

Sidoqoftë, shumë artistë rusë që nuk pikturuan natyra të qeta i admiruan ata kur shikonin pikturat e mjeshtrave perëndimorë. Për shembull, V.D. Polenov, i cili ishte në Francë, i shkroi I.N. Kramskoy: "Shiko si shkojnë gjërat këtu, si ora, secili punon në mënyrën e vet, në maksimum drejtime të ndryshme, çfarë i pëlqen kujtdo dhe e gjithë kjo vlerësohet dhe paguhet. Për ne, më e rëndësishmja është ajo që bëhet, por ja si bëhet. Për shembull, për një legen bakri me dy peshq ata paguajnë njëzet mijë franga, dhe përveç kësaj ata e konsiderojnë këtë bakërpunues si piktorin e parë dhe, ndoshta, jo pa arsye.

Pasi vizitoi ekspozitën në Paris në 1883, V.I. Surikov admironte peizazhet, natyrat e qeta dhe pikturat e luleve. Ai shkroi: "Peshqit e Gibertit janë të mirë. Slima e peshkut përcillet me mjeshtëri, me ngjyra, duke përzier tonin me ton.” Ka në letrën e tij drejtuar P.M. Tretyakov dhe këto fjalë: "Dhe peshqit e Gilbert janë një mrekulli e tillë. Epo, vërtet mund ta marrësh në duar, është shkruar deri në mashtrim.”

Të dy Polenov dhe Surikov mund të bëhen mjeshtër të shkëlqyeshëm të natyrës së qetë, siç dëshmohet nga objektet e pikturuara me mjeshtëri në kompozimet e tyre ("Të sëmurë" nga Polenov, "Menshikov në Berezov" nga Surikov).