Artistes célèbres qui ont peint des natures mortes. Qu'est-ce que la nature morte ? Nature morte aux fleurs

Dans le monde de la beauté

(rencontres cognitives et créatives)

Qu'est-ce que la nature morte ?

Objectif : Initier les éducateurs à la nature morte, leur apprendre à distinguer les types et types de natures mortes et à pratiquer leur composition.

L'art porte en lui une vaste expérience des relations humaines avec le monde qui nous entoure - les autres, la nature, les choses - et s'adresse donc à nous tous. le moyen le plus important connaissance de la morale humaine universelle et valeurs esthétiques. "Ce n'est que grâce à l'art qu'une personne peut non pas apprendre, ni étudier, mais vivre l'expérience de quelqu'un d'autre avec ses sentiments !" parle artiste célèbre et le professeur B.M. Nemensky. Les sentiments esthétiques sont multidimensionnels, souvent dans des directions opposées (« Et les rires, les larmes et l’amour ») ; ils s'entraînent nature émotionnelle d'une personne, et en se répétant, ils entrent dans le fonds émotionnel, l'enrichissant, rendant accessible la compréhension de telles expériences que la personne elle-même n'a pas encore rencontrées dans la vie, ouvrant la voie à la familiarisation avec les valeurs spirituelles.

La peinture est l'un des principaux types arts visuels. Son moyens expressifs sont : la couleur (harmonie des couleurs), le dessin et la composition. Avec l'aide de la couleur, l'artiste peut évoquer un certain sentiment chez le public. état émotionnel: joie, tristesse, anxiété, agitation, paix.. Le dessin transmet les caractéristiques de la forme et du caractère de l'image. La composition - construire une image, mettre en valeur l'essentiel - guide notre perception de l'image.

Nature morte , en règle générale, devient le premier genre pictural auquel les enfants sont initiés. « Nature morte », « nature immobile », « calme, une vie tranquille" - c'est ainsi que se traduit le concept de "Nature morte". Tous ces noms sont arbitraires et n’épuisent pas l’essence du genre. Cela s'explique par la variété des objets images dans les natures mortes, qui sont divisés en deux Grands groupes: objets naturels (fleurs, fruits, nourriture, parfois accompagnés d'oiseaux, petits animaux, insectes) et objets fabriqués par la main de l'homme.

Les objets de l'image sont précieux pour l'artiste en eux-mêmes : la variété de leurs formes, combinaisons de couleurs, textures, leur densité, douceur, dureté, jutosité, humidité, humidité, maturité, grâce et fragilité le ravissent et l'inspirent à créer. L'artiste calmement, tranquillement, examine attentivement les objets de près, les montre au spectateur fermer, sous différents angles - entier, coupé, brisé. Tout cela lui permet d'identifier de telles propriétés et qualités d'objets qui font que le spectateur voit les choses familières et familières d'une manière nouvelle et apprécie leur beauté.

Mais ce n’est pas le seul objectif de l’artiste. À travers des images d'objets et d'objets de la flore et de la faune, révélant leurs caractéristiques individuelles, il donne au spectateur la possibilité de voir le rôle qu'ils jouent dans la vie humaine, montre les particularités de la vie, les points de vue, les attitudes envers le monde, inhérent aux gens différents pays et les époques.

L'un des thèmes principaux du genre des natures mortes est le thème de l'amour pour la nature, le thème de sa connaissance et de son développement, l'admiration pour l'abondance de ses dons, leur beauté et leur diversité infinie. Mais ce n’est pas seulement une admiration de la nature, mais aussi une glorification de celui qui a élevé, collecté et conservé toutes ces richesses. Critique d'art K.G. Cherlikina écrit que sur les toiles de Snyders, derrière les poissonneries, on peut discerner les infatigables voiliers hollandais qui sillonnaient les mers du monde entier, et derrière les tas de fruits colorés dans les peintures de Saryan se trouvent les mains travailleuses des Arméniens. paysans. En règle générale, dans une nature morte, le thème du travail humain et de la créativité est toujours lu. En effet, en regardant les objets représentés sur l'image, vous commencez à comprendre combien d'efforts et de compétences ont été déployés pour fabriquer un vase, un plateau peint, une serviette brodée, faire pousser des légumes, cuire du pain.

L’apogée de la nature morte en tant que genre a eu lieu au XVIIe siècle. Elle était glorifiée par des artistes qui recevaient le surnom de « Petits Hollandais », soit pour la petite taille des peintures, soit pour les thèmes « insignifiants » - la nature morte était alors une nouveauté.

Par-dessus tout, les « petits Hollandais » aimaient peindre de beaux plats, de riches ustensiles ménagers et des tables dressées avec des plats exquis et luxueux. On les appelait « petits déjeuners »

Au même moment, dans la Flandre voisine, les artistes maîtrisaient un autre type de nature morte : « Nourriture ». Sur de grandes toiles, ils représentaient des montagnes de gibier, de poisson et de fruits, faisant ressembler les peintures à une vitrine d'épicerie.

Les artistes russes appréciaient les natures mortes flamandes qui décoraient les salles de l'Ermitage, le musée impérial de Saint-Pétersbourg. Et les artistes russes ont commencé à apprendre des Flamands, à les imiter et à créer des peintures tout aussi grandes et colorées.

Les peintres russes composaient en fait leurs natures mortes et ne peignaient pas d'après nature. Regardez le tableau « Fruit » de Legashov. Ici, directement sur le sol, sous une vieille souche de bouleau, se trouvent des tas entiers de fruits et de baies - pêches et raisins, pommes et poires, oranges et prunes. Sur la gauche se trouve une grosse citrouille. Ici, nous voyons un rosier en fleurs, des champignons qui poussent, du lierre enlacé autour des branches des arbres. Bien sûr, c'est de la fantaisie ! Un artiste créant une nature morte est semblable à un conteur, sauf qu'il compose un conte de fées non pas sur des personnes, mais sur des fleurs et des fruits.

Les artistes impressionnistes de France étaient très friands de natures mortes. Ils ne peignaient pas dans des ateliers, mais directement dans les rues de Paris, obtenant une luminosité, une richesse et un soleil de couleurs incroyables sur leurs toiles.

Ainsi, deux types de natures mortes ont émergé :

1.Nature morte , dans lequel les choses parlent de leur propriétaire (ses habitudes, caractère, profession)

2. Nature morte , dans lequel les choses parlent avant tout d'elles-mêmes, de leurs qualités. Ils semblent vous inviter à admirer la beauté de leur apparence, de leur forme et de leur couleur.

Lorsque vous initiez les enfants à la nature morte, vous devez faire attention à toutes ses caractéristiques : apparence, caractère de l'image, moyens d'expression, style individuel de créativité des artistes.

Les historiens de l’art ne divisent pas les natures mortes par type. Mais pour travailler avec des enfants, cela semble important. Soulignons ce qui suittypes de natures mortes:

Commande unique– des objets et objets du même type sont représentés (uniquement des légumes, des fruits, des fleurs)

Mixte - une variété d'objets et d'objets sont présentés

Parcelle – représente une variété d’objets et d’objets unis par un concept d’intrigue. Les peintures thématiques comprennent des natures mortes représentant des créatures vivantes : des oiseaux, des animaux, des humains.

Initier les enfants à culture artistique société, en leur présentant la nature morte comme l’un des genres de la peinture, il faut tenir compte de la subordination de l’intellect de l’enfant à ses intérêts émotionnels. C'est la réactivité émotionnelle qui permet à un enfant d'accéder à la compréhension du sens d'une image artistique, de l'idée d'une œuvre. Pour les enfants âge préscolaire il est difficile de comprendre indépendamment l'esthétique et valeurs morales, intégré dans images artistiques. Par conséquent, le rôle d'un adulte est si grand, qui, avec ses questions, attire l'attention des enfants sur les moyens d'expression d'une nature morte, leur apprend à examiner délibérément une image artistique, à voir comment, à l'aide du dessin , couleur et composition, l'artiste transmet son humeur et son attitude face à ce qu'il représente.

Vous pouvez initier les enfants à la nature morte dès le plus jeune âge préscolaire (4e année de vie). Le choix des peintures artistiques et le contenu des conversations à leur sujet doivent correspondre à l'âge et aux capacités individuelles des enfants.

Le processus d’initiation des enfants à la peinture demande aux enseignants et aux parents beaucoup de patience, de lenteur, de tact, d’habileté et de leur propre émotion – attitude positive aux œuvres d'art en question. Il convient de rappeler que pour visionner des reproductions avec des enfants peinture artistique et les conversations à ce sujet doivent être choisies Le bon moment, déconnectez-vous de tous les soucis quotidiens, créez une attitude envers la perception d'une œuvre d'art, suscitez un intérêt émotionnel et une humeur appropriée chez les enfants. Il n’est pas nécessaire de se précipiter et de regarder toutes les œuvres en même temps en « une seule séance ». Faites-le progressivement. Lorsque vous proposez une autre reproduction, laissez d’abord les enfants l’examiner par eux-mêmes et l’admirer. Montrez de l'intérêt pour savoir s'ils l'ont aimé et pourquoi ils l'ont aimé. Ensuite, démarrez une conversation – un dialogue. Soyez respectueux des sentiments de chaque enfant ; exprimez votre gentillesse et votre joie si l'enfant a réussi à voir quelque chose de spécial sur la photo. À votre tour, dites-nous ce qui vous a plu ou surpris. Après avoir regardé la reproduction, placez-la dans un endroit bien en vue et, à chaque occasion, référez-vous-y encore et encore, en notant et en trouvant à chaque fois quelque chose de nouveau.

Les enfants de 5 à 7 ans dessinent des natures mortes avec des crayons de couleur, des feutres et de la peinture. Pour représenter un vase ou une cruche, il est parfois plus pratique d'utiliser des silhouettes découpées dans du papier de couleur. Dans ce vase, l'enfant peint un bouquet de fleurs et place des fruits et légumes à proximité. De telles natures mortes sont particulièrement intéressantes pour un enfant car elles combinent des techniques de collage et de peinture.

Avant de dessiner une nature morte, vous pouvez inviter votre enfant à regarder autour de lui et à choisir les objets ou plantes à partir desquels elle peut être composée ; demandez-lui pourquoi il a choisi ces articles en particulier.

Les adultes peuvent mettre des fleurs dans un pichet ou un vase et inviter l'enfant à les regarder, à admirer la beauté des pétales et des feuilles.

Essayez la tâche suivante. Laissez l'enfant prendre deux pommes et une banane. Il est souhaitable qu'il y ait des pommes couleur différente(vert et rouge), puis en combinaison avec une banane jaune, ils créeront une composition de couleur vive. Invitez votre enfant à admirer d'abord la nature morte, puis à utiliser des gouaches pour dessiner cette composition sur une feuille de carnet de croquis. Si vous remplissez tout l'espace de la feuille à grands traits, vous obtiendrez une belle nature morte sur un fond coloré.

Selon la période de l'année, le contenu de la nature morte change et les enfants trouvent de nouveaux sujets pour leurs peintures.

Faire découvrir aux enfants la nature morte permet de développer des sentiments esthétiques, discours figuré, comme en témoigne l'apparition d'associations, de métaphores et de comparaisons vives.

Il peut non seulement décorer n'importe quelle pièce, mais également y apporter un contenu philosophique particulier. Nature morte- un tableau absolument époustouflant qui a une propriété très intrigante, capable de vous arrêter et de vous faire admirer des copies de choses auxquelles vous ne faites généralement pas attention. À première vue, il semblerait que les objets les plus simples représentés dans les peintures soient en réalité portent un contenu sémantique profond. Souvent pas simple, mais associatif ou symbolique. Comme on dit, ce qui compte n’est pas ce qui est directement représenté sur l’image, mais ce qu’elle raconte. Aujourd'hui, la nature morte comprend non seulement des toiles qui capturent les images environnantes à l'aide de techniques de peinture, mais aussi la façon dont élément indépendant intérieur , ainsi que l'art de la photographie.

Nature morte symbolique se compose d'objets représentés d'une manière très simplifiée, semblable à signes conventionnels. Des fruits sont éparpillés sur la nappe, mais il semble qu'ils aient été sculptés à la spatule en plâtre. Si vous vous en approchez, vous verrez un tas de traits multicolores au lieu d'une forme claire du fruit. Cependant, en prenant du recul, ils deviennent clairement reconnaissables : mûrs et juteux, et présentent une composition organisée et complète. Les contours des objets interagissent organiquement avec les mêmes couleurs simplifiées. Un tel intérieur de nature morte n'est pas créé pour décrire apparence choses qui sont apparues, mais pour exprimer tous les sentiments, associations, sensations et émotions qu'elles ont éveillés.

DANS nature morte abstraite tous les objets sont représentés de manière déformée, presque schématique et loin de la réalité. Toutes les couleurs n'ont pas de transitions douces, mais au contraire, elles ont des formes géométriques nettes.

Insiste : pour votre intérieur, ne retenez pas votre imagination, laissez libre cours à vos émotions et à vos envies. Non seulement son image photographique ou picturale, mais aussi lui-même, comme , est capable de choses étonnantes - par exemple, décorer de manière unique même l'environnement le plus modeste.

Il se caractérise par l'attention portée au développement pittoresque de l'environnement lumineux, à la variété des textures de divers matériaux, à la subtilité des relations tonales et à la structure des couleurs - depuis la coloration extrêmement modeste des « petits déjeuners monochromes » de V. Heda et P. Klas aux compositions intensément contrastées et coloristiquement efficaces de V. Kalfa ("Dessert"). La nature morte hollandaise se distingue par l'abondance des maîtres qui ont travaillé dans ce genre et la variété des types : outre les « petits déjeuners » et les « desserts », les « poissons » (A. Beyeren), les « fleurs et fruits » (J. D. de Heem ), « jeu tué » ( J. Venicke, M. Hondekoeter), nature morte allégorique « vanitas » (« vanité des vanités »), etc. La version néerlandaise du terme « Nature morte » - « nature morte » (le sens original était "modèle stationnaire") - n'est apparu qu'à la fin du XVIIe siècle, combinant toutes ces variétés. La nature morte flamande (principalement « marchés », « boutiques », « fleurs et fruits ») se distingue par l'ampleur de ses compositions : elles sont multicomposantes, majestueuses et dynamiques ; ce sont des hymnes à la fertilité et à l'abondance (F. Snyders, J. Veit). Au 17ème siècle Les natures mortes allemandes (G. Flegel, K. Paudis) et françaises (L. Vozhen) se sont également développées. De la fin du 17ème siècle. les tendances décoratives de l'art de cour ont triomphé dans la nature morte française. A côté de la nature morte de fleurs (J.B. Monnoyer et son école), de la chasse N. (A.F. Deporte et J.B. Oudry), des exemples de natures mortes quotidiennes n'apparaissent qu'occasionnellement. Mais au XVIIIe siècle. En France, l'un des maîtres les plus importants des natures mortes - J. B. S. Chardin, dont les œuvres se distinguent par leur profondeur particulière de contenu, leur liberté de composition et la richesse de leurs solutions chromatiques. Ses images du monde des choses quotidiennes sont par essence démocratiques, intimes et humaines, comme réchauffées par la poésie. Foyer et maison. Au milieu du XVIIIe siècle. Le terme « nature morte » est apparu, qui reflétait l'attitude dédaigneuse à l'égard de la nature morte de la part des milieux académiques, qui privilégiaient les genres dont le domaine était la « nature vivante » (genre historique, portrait, etc.). Mais l’art avancé a détruit la hiérarchie académique des genres, ce qui a entravé le développement de la nature morte. Les clichés compositionnels de la nature morte ont été éliminés et les motifs de cette forme de peinture ont été réévalués. Dans le 19ème siècle Le sort de la nature morte est déterminé par les grands maîtres de la peinture, travaillant dans de nombreux genres et impliquant la nature morte dans la lutte des idées esthétiques et artistiques (F. Goya en Espagne, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet et les impressionnistes en France, qui se tournait occasionnellement vers la nature morte). A la même époque, le 19ème siècle. Pendant longtemps, je n'ai pas mis en avant les grands maîtres spécialisés dans ce genre dans les natures mortes. Sur fond de nature morte de salon de routine de la 2e moitié du 19e siècle. D'une manière générale, les œuvres traditionnelles du Français A. Fantin-Latour et de l'Américain W. Harnett, qui ont relancé de manière unique le type d'œil « trompel », se démarquent. L'essor de la nature morte est associé à la performance des maîtres du post-. l'impressionnisme, pour qui le monde des choses est devenu l'un des thèmes principaux. À la fin du XIXe siècle, les possibilités expressives de la nature morte, jusqu'à l'expression dramatique de la position sociale et morale de l'artiste, s'incarnent dans l'œuvre de l'artiste. Le Néerlandais V. van Gogh. La perfection plastique de la peinture, fidèle à la fois à la nature et aux grands idéaux de la peinture, est relancée dans la nature morte par le Français P. Cézanne. Ce genre devient pour lui un concept créatif fondamental. grande influence sur l'évolution de la nature morte (ainsi que de la peinture en général) dans l'art du XXe siècle. Depuis le début du 20ème siècle. la nature morte est une sorte de laboratoire créatif de la peinture. En France, les maîtres du fauvisme (A. Matisse et autres) suivent la voie de l'identification aiguë des capacités émotionnelles et décoratives-expressives de la couleur et de la texture, et les représentants du cubisme (J. Braque, P. Picasso, H. Gris, etc.), en utilisant les spécificités inhérentes à la nature morte, les capacités analytiques, s'efforcent d'établir de nouvelles façons de transmettre l'espace et la forme. Les problèmes (ou motifs) de la nature morte attirent également les maîtres des mouvements ultérieurs - des artistes qui, à des degrés divers, combinent une orientation vers l'héritage classique avec de nouvelles découvertes en peinture (Picasso en France, A. Kanoldt en Allemagne, G. Morandi en Italie), aux représentants du surréalisme et du « pop art », dont les œuvres dépassent généralement le genre historiquement établi du non-sens et les traditions réalistes du non-sens (souvent à tendance sociale accentuée) du XXe siècle. représenté par les œuvres de D. Rivera et D. Siqueiros au Mexique, R. Guttuso en Italie.

La nature morte est apparue dans l’art russe au XVIIIe siècle. ainsi que l'établissement d'une peinture laïque, reflétant le pathos cognitif de l'époque et le désir de transmettre de manière véridique et précise le monde objectif (les « astuces » de G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). La poursuite du développement La nature morte russe est de nature épisodique. Il y a eu une légère augmentation dans la 1ère moitié du 19ème siècle. (F. P. Tolstoï, école d'A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) est associé au désir de voir la beauté dans le petit et l'ordinaire. Dans la 2ème moitié du 19ème siècle. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan ne se tournent qu'occasionnellement vers des natures mortes de type croquis ; Cette position de la nature morte dans le système artistique des Itinérants découlait de leur idée du rôle dominant du tableau sujet-thématique. L'importance indépendante de la nature morte augmente au tournant des XIXe et XXe siècles. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). L'apogée de la nature morte russe s'est produite au début du 20e siècle. Ses meilleurs exemples incluent : impressionnistes dans leurs origines, mais différemment enrichis de nouvelles tendances artistiques, les œuvres de K. A. Korovin, I. E. Grabar, M. F. Larionov ; jouant subtilement sur la nature historique et quotidienne des choses, les œuvres des artistes du « Monde de l'Art » (A. Ya. Golovin et autres) : images romancées, élevées et fortement décoratives de P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu . Sudeikin, M. S. Saryan et d'autres peintres du cercle Blue Rose ; brillants et plastiques N. maîtres du « Valet de carreau » (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. . Goncharova) avec leur culte de l'unité de couleur et de forme et le pathos de le processus même d'interprétation de la nature [...] 2 .

Aux XVIIe-XVIIIe siècles. en Europe du Nord, la vie est toujours occupée place importante. L'espace de la maison s'est organisé autour d'elle, ils l'ont « résolu », « joué » avec. La nature morte a pris une part active au cœur de la culture quotidienne raffinée du baroque, du rococo et du classicisme. Et ce n'est qu'avec le passage de « l'âge galant » que le rôle de la nature morte dans la vie quotidienne devient de plus en plus ornemental et décoratif.

Par rapport à la peinture, de nombreux livres d'emblèmes jouaient une sorte de rôle de dictionnaire, dans lequel les symboles étaient abondamment puisés. Ainsi, après l'art emblématique, surgit l'art de représenter des choses simples, quotidiennes, dotées d'un sens différent et sublime. L’art de la nature morte émerge. Le réalisme le plus extrême se conjugue ici naturellement avec l'allégorie la plus extrême, l'allégorie. Et plus les objets sont représentés de manière réaliste, plus leur mystère sémantique est intéressant pour le spectateur. Parfois, vous pouvez entendre des opinions sur n'importe quel « sale » que les maîtres néerlandais des natures mortes des XVIIe et XVIIIe siècles ont « traîné » dans leurs peintures. Mais ce n’est pas du tout une « poubelle ». La vision symbolique des objets du quotidien, pas du tout rassemblés au hasard, nous fait parler de haute culture comprendre la vie aux Pays-Bas, déchirés par des conflits religieux et idéologiques.

Au XVIIe siècle, il y avait de nombreux peintres de natures mortes aux Pays-Bas. Mais si au tout début du siècle les peintures des maîtres hollandais et flamands présentaient des caractéristiques plus communes, alors à la fin du siècle leur originalité commença à se manifester. Les œuvres des artistes néerlandais sont plus sobres, équilibrées en couleurs et il y a un notable attention particulière aux détails, à chaque chose individuelle. Les œuvres flamandes sont plus dynamiques, lumineuses et les objets qu'elles contiennent forment une composition complexe. Et ce n'est pas du tout une « nature morte », mais une vie bouillonnante.

Divers centres de peinture de natures mortes ont également vu le jour aux Pays-Bas. Dans les affaires, la bourgeoise Haarlem, sont nés les « petits déjeuners », dans l'aristocratique Utrecht, célèbre depuis longtemps pour la culture des fleurs, - des bouquets de fleurs, dans le port de La Haye - d'abondantes compositions de poissons, à Leyde (ville universitaire) - « des » natures mortes (dites « Vanitas », dédiées à la fragilité de la vie).

Dans ces peintures étranges, les objets retirés de l’espace réel environnant formaient leur propre monde insolite et fortement symbolisé. Et dans ce monde, il n’y a pas d’objets aléatoires. Dans la seconde moitié du XVIe siècle, à Prague, à la cour de l'empereur Rodolphe II, passionné d'art, est née une société appelée le « cercle de Rudolfin ». Il comprenait des scientifiques et des astrologues, des alchimistes, des artistes et des poètes. Objectif le plus élevé ici, ils ont considéré la connaissance de l'Univers, ses lois fondamentales, les connexions éternelles du monde et de l'homme. Très vite, cette société devient le centre d'un nouveau mouvement artistique : le « maniérisme ». Pour les « Rudolfiniens », il n’existe pas d’objets ou de phénomènes « insignifiants ». Le mouvement des planètes, le vol d'un oiseau, le mouvement des bactéries au microscope (seulement ouvert à cette époque) et la croissance de simples herbes des champs sont importants. Et c'est l'artiste qui doit fusionner tout cela en une seule harmonie sur sa toile.

Mais puisque l'objet lui-même, sa forme et ses caractéristiques contiennent sa signification, il est alors nécessaire de transmettre l'objet sur la toile avec le plus grand soin. C'est ainsi que la « supercherie » entre naturellement dans la peinture - une image véridique d'un objet jusqu'à l'illusion (généralement un insecte ou une goutte d'eau), qui a déjà dégénéré en fin du XVIII siècles en simples tours de magie.

Dans le même temps, même l’image exacte de l’objet n’était pas du tout clairement lisible. Au contraire, les choses, en s'éteignant délibérément environnement familier, montrait un sens complètement différent, et souvent opposé. Par exemple, les natures mortes avec des ustensiles précieux et des plats exquis, que les contemporains qualifiaient de « luxueuses », étaient le plus souvent « lues » par eux comme un appel au renoncement aux excès.

Si l'on compare l'art symbolique de la nature morte, rempli de significations fantaisistes, avec la littérature, alors de tous les genres littéraires, peut-être le plus approprié la poésie lyrique. Ce n’est pas sans raison que la poésie est déjà associée aux emblématiques. Et ce n'est pas sans raison que, parallèlement à l'épanouissement de la nature morte, c'est la poésie lyrique qui a connu son essor aux Pays-Bas du XVIIe siècle (cela est particulièrement évident lorsqu'on compare la nature morte avec ce qu'on appelle la « poésie des occasion », où de petits détails de la vie quotidienne étaient décrits en détail). Et tout comme il est impossible de décrire un poème lyrique de manière complètement rationnelle, de même il n'y en a pas un de plus ou de moins. Description détaillée symbolisme d'une nature morte spécifique. Le spectateur se voit proposer un jeu - basé sur propriétés immobilières objet, devinez-le signification symbolique dans une composition compilée par l'artiste.

Parfois, cependant, l’artiste aidait le spectateur. Ainsi, dans le tableau d’Artsen « La boucherie » (1551), le premier plan montre une table chargée de divers types de viande, de poisson et de saucisses. En arrière-plan, dans les profondeurs, il y a une scène de fuite vers l’Egypte – fuite de toutes ces richesses, qui entraîne une mort inévitable.

Souvent, l'artiste incluait directement du texte dans le tableau. Cela a certainement été fait dans les natures mortes savantes de Leyde « Vanitas » (latin : « vide, futilité, inutilité, fausseté, insignifiance »). Les citations de la Bible ou d'auteurs anciens sont devenues courantes ici, dédié au sujet« vanité des vanités » : « Toute chair est herbe, et toute sa beauté est comme la fleur des champs » (extrait du livre du prophète Isaïe), « Les jours de l'homme sont comme l'herbe, comme la fleur des champs, ainsi elle fleurit » (du Psautier), « Celui qui est passé près des roses, ne la cherche plus » (d'Horace). Le texte était soit placé dans une belle cartouche, soit soigneusement écrit sur une feuille de papier minable (l'antiquité est devenue synonyme d'authenticité), soit placé sur la page ouverte d'un volume ancien, soit était le titre d'un livre apparemment jeté accidentellement. .

Et chaque objet de l'image correspond alors au texte : une rose, des fleurs sauvages, des insectes sont un symbole traditionnel d'une courte existence humaine, et les papillons et les libellules sont un symbole du salut de l'âme. Peu à peu, une sélection spéciale a été faite pour ces natures mortes. éléments importants. Sablier ils nous rappelaient le caractère éphémère de la vie, les bouquets de fleurs - fanés et éphémères, les lampes fumantes, les pipes - de courte durée, et les insignes royaux - de toutes les richesses que vous ne pouvez pas emporter avec vous dans une autre vie. Le crâne humain, symbole frappant de fragilité, les verres en verre vides (ou à moitié ivres), signifiant la fragilité de l'existence humaine, et le moignon d'une bougie, symbole de vie éteinte, étaient particulièrement visibles.

Souvent, dans les natures mortes de « Vanitas », il y a des dispersions « aléatoires » de vieux livres (d'une époque révolue), d'instruments de mesure (plus nécessaires), de flûtes et de violons (« leur son est si beau et éphémère »). Dans les natures mortes françaises apparaissent des personnages qui laissent bulle- la vie humaine est assimilée aux bulles les plus fines et les plus infidèles. Et en Angleterre, après 1649, des portraits de Charles I Stuart exécuté sont apparus dans de nombreuses « Vanitas » - la mort de ce roi n'a fait que confirmer l'idée de la fragilité du bonheur terrestre et de la précarité du pouvoir terrestre.

Très souvent, les fleurs et les herbes sont un symbole de mortalité. Surtout si les fleurs et les herbes sont sauvages. Placés sur fond d’ouverture de fenêtre vide, ils soulignent encore davantage le désespoir. Parfois, les feuilles des fleurs sont rongées par les insectes et des coquilles ou des noix vides sont éparpillées à proximité.

En fait, les natures mortes de fleurs étaient divisées en « guirlandes » et « bouquets ». Les « guirlandes » sont particulièrement difficiles à comprendre. Des maîtres célèbres ont écrit dans le genre des « guirlandes » - J. Bruegel Velvetny, D. Segers, J.D. de Hem. Le moine de l'Ordre des Jésuites, le Père D. Seghers, acquit une renommée particulière dans ce domaine. En signe d'admiration pour son savoir-faire, les têtes européennes couronnées lui ont offert des cadeaux coûteux - une croix en or avec des figures allégoriques en émail, des os en or et une palette en or, etc. Les poètes ont dédié des poèmes aux fleurs qu'il a peintes.

La guirlande enroulée autour de l'image centrale (et elle pouvait être très différente, le plus souvent il s'agissait d'un portrait réalisé par d'autres maîtres) ressemblait au célèbre symbole de l'éternité - un serpent enlacé autour d'une horloge ailée. C'est pourquoi de telles compositions avaient une signification glorifiante. Des lys blancs et des épis de pain étaient tissés dans la guirlande elle-même, traditionnellement associés au Christ ou à Marie et parlant de la pureté de celui qui est glorifié. De plus, beaucoup de choses ici symbolisaient les saisons : fleurs - printemps, épis de maïs et fruits - été, raisins et légumes - automne, citrons - hiver (« tout change, seul un bon souvenir reste inchangé »).

Le langage des fleurs, emprunté par la Renaissance au symbolisme médiéval, était compréhensible par presque tous les aristocrates instruits du XVIIe siècle. Et donc les guirlandes étaient facilement « lues » par le public. Les perce-neige, les oranges, les roses et les iris étaient dédiés à la Mère de Dieu ; son appel au Christ était symbolisé par les tulipes ; une branche de chardon - la passion du Christ ; le triomphe de l'amour céleste était souvent exprimé par le narcissique.

Les guirlandes ne sont pas seulement enroulées autour des portraits. Il s'agit souvent d'une horloge, d'une coupe eucharistique, de verres de vin et même d'une cartouche avec du texte. Parfois, une petite couronne est placée directement dans le gobelet. Cette composition remonte à l'un des emblèmes célèbres : un gobelet avec une large coupe remplie de vin, dans laquelle flotte une couronne de fleurs. L’inscription disait : « Pourquoi ne pensez-vous pas au sort des mortels ? Ainsi, la guirlande solennelle dans sa signification est liée à « Vanitas ».

Les natures mortes sous forme de bouquets (dans un vase, une cruche ou simplement sur une table) étaient généralement composées de trois types. Et l'accent principal de l'image est tombé sur divers objets. Dans une composition radiale (tiges florales s'étendant à partir d'un point), l'image principale est la fleur placée au point de convergence des tiges. Les compositions du deuxième type, comme un tapis, remplissent tout l'espace de la toile. Ensuite, une hiérarchie verticale des couleurs et de leurs significations est construite. La troisième variété est structurée en forme de triangle. Ici, la fleur la plus significative sert d’axe central et les fleurs restantes sont regroupées symétriquement autour d’elle. Cependant, la stricte symétrie est vite rompue et celle développée par Ya.D devient une des préférées. de Hem Bouquet en forme de S aux boucles gracieuses, anticipant le style rococo.

Il existe même un schéma iconographique unique avec une division claire en zones spatiales. En dessous, près du vase, il y a généralement des signes de fragilité - fleurs cassées ou fanées, pétales effondrés, coquilles vides, chenilles, mouches ; au centre - symboles de modestie et de pureté (modération moyenne), entourés de fleurs luxuriantes et éphémères (muguet, violettes, myosotis, cyclamens entourés de roses, œillets, anémones, etc.) ; La composition est couronnée d'une grande fleur, qui a souvent une signification positive, sorte de couronne de vertu (et même entourée de papillons et de libellules). Le vase lui-même était assimilé à un récipient fragile, mais il pouvait aussi avoir une interprétation du corps comme un « récipient d’abomination et de péché ».

De nombreux récipients en verre, en cristal et en argile, avec ou sans fleurs, étaient perçus comme quelque chose de fragile, d'infidèle, prêt à se briser. Les navires coûteux ne faisaient que souligner ce sentiment, apportant une signification supplémentaire de la futilité de la richesse. Le contenu des navires a été interprété différemment. L'eau est le thème du baptême, de la purification, le vin est le thème de la communion. Cependant, le vin, en particulier le vin inachevé, pourrait symboliser à la fois une vie non pleinement vécue et le reste d'un luxe inutile.

Presque toujours, les natures mortes florales étaient complétées par des objets éparpillés sur la table. Le plus souvent, ce sont des coquilles vides, signe de plaisirs charnels vides. Le fruit d'un citron, beau à l'extérieur mais aigre à l'intérieur. L'œuf est un signe traditionnel de la Résurrection. Le fruit éclatant d'une grenade est un symbole de fertilité, du Christ et de son sacrifice expiatoire. Les fraises sont un signe de plaisir et de tentation du monde. Et tout cela ensemble (fleurs, vases, objets) servait une seule idée.

DANS milieu du XVIIe siècle siècle, les natures mortes avec des images de reptiles et d'amphibiens sont devenues particulièrement répandues. Leur présence dans la nature morte réfute sa signification de « nature morte ». Son nom néerlandais convient plutôt ici : « stilleven » (« vie tranquille et immobile »).

Ils étaient le plus souvent composés de peintres italiens. Mais les Néerlandais ont aussi des lézards et des serpents qui rampent dans les herbes grossières. Ce n’est pas du tout la prédilection du peintre pour les reptiles. C'est juste que le serpent a longtemps été un symbole de tromperie et de mal, et l'herbe est la fragile existence humaine. Souvent, de jolies baies étaient placées dans l'herbe - "le plaisir est lourd de mal". Les souris, les grenouilles et les hérissons étaient également considérés comme des animaux diaboliques et étaient souvent représentés à la place des serpents. Un thème animalier favori était l’image d’un serpent attrapant un papillon. Ainsi le mal consume tout espoir de salut.

La majorité des représentants de la nature morte sont des insectes. L'idée traditionnelle des trois étapes de l'existence (existence terrestre, mort, vie posthume de l'âme) est ici importante. L'incarnation la plus frappante de ces idées dans les natures mortes était l'image d'une chenille, d'une nymphe et d'un papillon. Ainsi, l’image d’un papillon prêt à sortir de sa coquille était clairement « lue » comme « une âme quittant un corps mortel ». La même antinomie de la vie et de la mort était représentée par un papillon à côté d’une chenille ou d’un escargot. Une mouche ou une araignée était considérée comme un symbole du mal, de la mort, du péché et de l’avarice. Par conséquent, une mouche posée sur une pomme ou une pêche est traditionnellement associée au thème de l’automne.

Parmi les plus gros animaux, l’écureuil, par exemple, symbolisait le travail acharné, sans lequel la vie est impossible. conforts de créature. Mais parfois, elle pourrait aussi représenter la frivolité. Le lièvre est une « commémoration de l’ouïe, de la sensibilité, de l’abondance, de la timidité, de la timidité, de la peur ». Les écrevisses ou les homards sont les vicissitudes du monde, mais aussi la sagesse, la prudence et la lenteur. On trouve souvent une image d'un perroquet. Contrairement à la croyance populaire, au Moyen Âge cet oiseau était assimilé au juste et symbolisait l'éloquence, la gratitude, ou représentait un croyant. Le singe était perçu comme un animal imitant les actions humaines et symbolisant divers vices, le pécheur et même le diable lui-même. Elle, attachée ou enchaînée, est une dépendance aux vices et aux affaires du monde. Si le singe se regardait dans le miroir, il était perçu comme une image de vanité.

Souvent, un chat entre dans le monde des natures mortes. Derrière traits positifs Cet animal - agilité et désir de liberté - était souvent dédié à la Mère de Dieu (notamment avec une bande en forme de croix sur le dos). Mais généralement, cet animal était associé aux forces obscures et à la magie. Déjà au Moyen Âge, le chat symbolisait le diable, et la souris symbolisait l'âme, constamment exposée au danger. Dans les temps modernes, un chat, surtout celui qui avait ramassé un gros morceau de viande avec ses griffes, était un rappel constant des plaisirs charnels. C'est pourquoi les images de chats affolés à la vue d'une table jonchée de poissons et de gibier sont si typiques (surtout pour Snyders et son école). Un chien, au contraire, est comme le contraire d'un chat - un gardien fidèle qui tente de chasser l'animal voleur de la table abondante.

De nombreux objets en or et en argent (vases, coupes, objets de décoration), ainsi que des symboles de pouvoir (couronnes royales, sceptres), appartiennent sans doute au cercle de la mort dans les natures mortes. L'admiration sincère de l'artiste pour les raretés exquises se combine parfaitement avec la moralisation. Parfois, notamment dans les natures mortes ultérieures, de petites sculptures entrent également dans le champ de vision du peintre. Il s'agit sans aucun doute d'un domaine de personnages mythologiques. Le satyre courbé sous le poids de l'horloge est le temps, conquérant le principe diabolique et charnel de l'homme ; Mercure enlevant ses chaussures - calme des vains soucis terrestres, etc. 3 .