Reprise graphique d'une nature morte pédagogique

Plan de cours

Partie organisationnelle.
Introduction.
Partie théorique – I s tâches pratiques sur le sujet.
Partie théorique II avec des tâches pratiques sur le sujet.
La dernière partie.

Buts et objectifs :

– apprendre à composer et arranger une nature morte ;

– enseigner les lois de la composition graphique de la nature morte ;

– enseigner les techniques de composition d’images ;

– cultiver l’amour de la beauté monde objectif;

– développement des capacités créatives.

Équipement:

Schémas didactiques, silhouettes préparées diverses formes en carton, aide visuelle« Interaction entre spot et champ », tableaux.

INTRODUCTION

"Nature morte" - le mot est français, il signifie littéralement « eau morte ». Ce sont des tableaux dont les héros sont divers articles articles ménagers, fruits, fleurs ou nourriture (poisson, gibier, etc.).

La peinture de natures mortes est apparue pour la première fois en Hollande en début XVII siècle. C'était l'apogée de l'art hollandais et notamment de l'art de la nature morte.

La capacité de voir la beauté dans l’ordinaire était caractéristique des artistes néerlandais. Ils ont peint avec inspiration des plats, des tissus, de beaux fruits terrestres et du vin sur leurs toiles.

Très souvent, les natures mortes étaient appelées petits-déjeuners : « Petit-déjeuner au poulet » ou « Petit-déjeuner au jambon et aux pêches ».

Les natures mortes, autrefois peintes par les artistes, ne nous parlent pas seulement des choses. Ils parlent de la vie et du quotidien de leurs propriétaires, de leurs habitudes.

En Hollande, on aimait les natures mortes modestes, avec Pas un grand nombre objets, et en Flandre, ils peignaient des montagnes de gibier, de poissons et de fleurs sur d'immenses toiles.

Image beau monde ces choses ont fasciné de nombreux artistes, et ils en parlent tous à leur manière.

Composition de nature morte – la bonne combinaison objets (sur une table, dans un avion, au sol, etc.). La composition est le co-arrangement correct et la combinaison ordonnée d’éléments.

Le jeune artiste crée de l'ordre dans le chaos avec une tâche très précise et réalise expression artistique, conduit voix intérieure, avec son génie, tout en utilisant certains moyens de composition pour que l'idée s'incarne (sur une feuille de papier, etc.).

Dans une nature morte graphique, l'artiste doit prendre en compte le contraste de forme des objets, leurs différences de taille, de taille (haut - trapu, large - étroit) ; par texture (lisse – rugueux) ; par ton (clair - foncé). Il est important de considérer la silhouette comme une sorte de rapport de contraste tonal. Dans la nature morte graphique, le rythme est important. L'effet de superposition (superposition d'objets de composition les uns sur les autres, tout en conservant la forme originale des éléments) est un type courant de créativité dans la création d'une composition graphique. Pour ce faire, prenez des silhouettes en papier préparées et prédécoupées de diverses formes décoratives (pichets différentes tailles), posé sur une feuille de papier et tracé au crayon. De plus, les silhouettes se chevauchent. Les élèves remplissent chaque silhouette individuelle et leurs divisions avec des textures décoratives graphiques. Le résultat est une grande variété de natures mortes décoratives.

je. Comment planifier la composition graphique d'une nature morte.

Comment composer une nature morte.

Paul Cézanne /1839-1905/, selon les récits de son entourage, passait des journées entières à tripoter fruits et légumes avant de commencer à travailler au pinceau, car rédiger une nature morte nécessite de connaître les lois de la composition. Les jeunes artistes ont besoin de connaître les lois élémentaires de la composition thématique, à savoir :

Intégrité.
La présence du /dominant/ principal.
Équilibre.

Intégrité– l'unité interne de la composition.

La nature morte ne doit pas se désagréger en différentes parties / en parties indépendantes distinctes /. Mais cela ne doit pas nécessairement ressembler à un monolithe soudé. Il peut y avoir des espaces entre les éléments. Les objets doivent même se chevaucher.

L'élément principal d'une nature morte / dominante/ attire immédiatement le regard (en termes de masse, de couleur et d'autres qualités), influençant d'autres éléments de la composition, les ombrant et les mettant en valeur favorablement. Ici, une association avec le théâtre s'impose. Au théâtre, il existe un concept tel que « le roi et sa suite », également dans les beaux-arts, où le roi est le centre de la composition et la suite est les éléments secondaires de la composition. La dominante n'est en aucun cas centre géométrique compositions. L'essentiel dans la composition est que les éléments secondaires conduisent l'œil du spectateur vers le point culminant de l'image.

Bilan de composition- la base de l'harmonie dans le travail. Si vous ne savez pas comment l’agencer, faites de la symétrie. Construire une composition symétrique est très simple. L’exemple le plus simple d’une composition symétrique est un papillon. Pliez une simple feuille de papier en deux. Sur une feuille de papier, placez deux taches qui ressemblent à des ailes et pliez la feuille. Les impressions reflètent les taches. La flexion de la tôle est l'axe de symétrie /corps du papillon/. Il suffit de déterminer l'axe de symétrie et les limites de l'image, on obtient une composition à symétrie centrale.

Tâche de symétrie.

1. À partir de trois objets, créez une composition à symétrie centrale/relativement axe vertical/. Voir la figure 1.

2. À partir de trois objets, créez une composition à symétrie centrale par rapport à axe horizontal. Voir la figure 2.

L'équilibre n'est pas seulement une symétrie. Un champ vide, ou un seul point placé à un certain endroit, peut équilibrer la composition, et notre intuition nous dira quelle sera la taille du point et sa couleur.

Voir le tableau « Interaction entre spot et champ ».

L'équilibre dépend du rapport entre la taille de la figure et la surface de l'arrière-plan. Plus le contraste entre la figure et l'arrière-plan est grand, plus la figure doit être petite afin d'obtenir un équilibre stable.

Tâche d'équilibre.

Équilibrez les objets sur la feuille.

Parfois, l'artiste aperçoit par hasard un objet approprié, par exemple des assiettes et des tasses sur la table, ou quelques légumes sur un morceau de journal. Les groupes déjà trouvés peuvent être très originaux, reflétant l'époque et le caractère quotidien d'une personne. Il faut être capable d'utiliser ces idées pour composer des objets en studio. Cependant, vous devez faire attention à ne pas gâcher l’ambiance naturelle avec trop de planification ou trop de détails supplémentaires.

II. Composition graphique d'une nature morte sur une feuille.

Thème nature morte.

Une composition n'est jamais réussie si elle est composée au hasard - elle doit toujours contenir une sorte de thème.

La nourriture dans les natures mortes est le sujet le plus populaire. Dans de telles peintures, nous voyons des fruits, des légumes, des ustensiles de cuisine. Attrayants en eux-mêmes, ils ont relation directe les uns aux autres. Ainsi, le spectateur n’a pas à broncher lorsqu’il voit objet étrange/regarde la nature morte hollandaise/. Certaines peintures racontent des histoires entières sur les intérêts personnels de l’artiste /voir. Van Gogh/. Certaines natures mortes racontent la profession ou le passe-temps d’une personne. Pimenov et autres / Tout le monde possède des objets de valeur qui éveillent des sentiments. Ils devraient être le point de départ pour peindre une nature morte.

Tâche d'activité de groupe.

Composez une nature morte à partir de nombreux objets sur un sujet précis.

Les jeunes artistes commencent leur travail par la chose la plus simple : avec une mise en page sur une feuille de papier /format/. La grande majorité des tableaux sont rectangulaires. Cela conduit à deux formats possibles : vertical et horizontal. Le plus simple technique de composition– est une structure compositionnelle fermée /bordure ou cadre/. Bordure ou cadre - limiter le bord à l'aide de diverses formes. Cette technique est utilisée dans la conception d’affiches, de journaux muraux et de cartes postales. /Cm. riz. 3/

Revenons à la méthode du chevauchement. (Des natures mortes de 3 objets ou plus sont regroupées, puis des croquis des objets sont réalisés au crayon, des divisions organisées sont appliquées sur les cellules à l'aide d'un simple crayon et chaque cellule est recouverte d'un motif décoratif).

Devoir d'activité pratique.

Création d'une déco nature morte graphique méthode de chevauchement.

En classe à formulaire accessible la connaissance a eu lieu avec lois élémentaires composition et compétences inculquées pour utiliser ces lois dans la pratique dans forme de jeu et dans les activités éducatives.

Conclusions.

Plénitude émotionnelle.
Nouveauté (originalité). Seul parmi tant d’autres, l’artiste doit représenter une personnalité, il doit être unique.
Vie. Il faut aimer la vie, les gens le ressentiront. Il faut aimer ce que l'on dessine, avoir une idée juste de la beauté, de l'harmonie, de la vie, de l'amour.

A la fin du cours, chaque enfant reçoit trois cartes. différentes couleurs et les enfants eux-mêmes évaluent la cohérence de la leçon par sa réussite.

Littérature:

1. V.N. Ivantchenko. Cours dans le système d'enseignement complémentaire pour enfants. Manuel pédagogique et méthodologique pour les chefs d'établissements d'enseignement, les méthodologistes, les enseignants-organisateurs, les spécialistes de formation complémentaire enfants, dirigeants établissements d'enseignement, enseignants, étudiants en pédagogie établissements d'enseignement, étudiants de l'IPK - Moscou - Rostov n/a : « Enseignant », 2007.

2. V.N. Kozlov. Les bases décoration produits textiles.- M : « Lumière et industrie alimentaire", 1981

3. I.G. Mosin, N.V. Gluchkova. Dessin. Un manuel pour les enseignants, les éducateurs et les parents. – Ekaterinbourg : U-Factoria LLP, 1996.

4. RV Paranyushkin. Composition / Série « École des Beaux-Arts ». - Rostov n/d : Phoenix Publishing House, 2001. - 80 p.

5. S.V. Kulnevich, T.P. Lacocénine. Travail pédagogique V école moderne. Éducation : de la formation au développement : Manuel pédagogique et méthodologique pour les enseignants, les étudiants des établissements d'enseignement pédagogique secondaire et supérieur, les étudiants de l'IPK - Moscou - Rostov n/a : « Enseignant », 2006.

6. S.V. Kulnevich, T.P. Lacocénine. Leçon moderne /partie 1/. Manuel scientifique et pratique pour enseignants, méthodologistes - Rostov n/a : « Enseignant », 2006.

7. S.V. Kulnevich, T.P. Lacocénine. Leçon moderne /partie 2/. Pas tout à fait ordinaire et à notre manière leçons insolites. Manuel scientifique et pratique pour enseignants, méthodologistes - Rostov n/a : « Enseignant », 2005.

8. S.V. Kulnevich, T.P. Lacocénine. Analyse leçon moderne. Guide pratique pour les enseignants. - Rostov n/a : « Enseignant », 2001.

professeur d'enseignement complémentaire

Centre d'activités parascolaires

Responsable de l'Enfance Exemplaire

L'équipe MAOUUDOD TsVR

Association "Créativité Fine"

ville de Kropotkine, région de Kavkaz

IMAGINATIF ET PERSONNALISÉ

N.P. Beschastnov

NATURE MORTE

Admis Éducatif unification méthodologique en éducation à la technologie et au design

produits textiles comme support pédagogique pour les étudiants des établissements d'enseignement supérieur qui étudient

en direction de la formation de spécialistes certifiés « Conception artistique de produits textiles

et l'industrie légère"

REVISEURS :

Département de conception artistique de produits textiles, Université textile d'État de Moscou. UN. Kossygina (chef de département, professeur Yu.E. Salman) ;

Professeur au Département de conception de la communication, Université d'État des arts et des sciences de Moscou. S.G. Stroganova, docteur en histoire de l'art

UN. Lavrentiev

Beschastnov N.P.

B53 Graphiques de natures mortes : manuel. manuel destiné aux étudiants universitaires qui étudient dans le domaine de la préparation. diplôme spécialistes "Art. conception de produits textiles. et allongez-vous. industrie" / N.P. Beschastnov. - M. : Centre d'édition humanitaire VLADOS, 2008. - 255 pp. ; ill. ; 48 pp. ill. couleur : ill. - (Beaux-Arts).

ISBN978-5"691"01629"5.

Agence CIP RSL.

Le manuel examine les bases de la théorie, de la méthodologie et de la pratique de la représentation d'une nature morte graphique en relation avec les tâches d'enseignement des artistes décorateurs." arts appliqués. Un riche matériel d'illustration démontre une variété de techniques d'image différents types natures mortes.

Adressé aux étudiants des établissements d'enseignement supérieur préparant les artistes au domaine des arts décoratifs et appliqués, il peut être utile aux étudiants des établissements d'art secondaires, ainsi qu'à toute personne intéressée par l'art.

CDU 75.049.6(075.8) BBK 85.147ya73-1

VLADOS", 2008 © Conception. LLC "Éditeur Humanitaire-

Aux étudiants !

Les graphiques de natures mortes sont un élément important d'un cours de dessin spécial, dispensé pendant la pratique artistique d'été, et font partie du processus de collecte de matériel pour les cours et thèses. Avec la peinture de natures mortes, qui couvre presque toute la période d'études à l'université, les graphiques de natures mortes créent un complexe efficace permettant aux étudiants de comprendre les relations naturelles entre les couleurs et les tons dans l'espace, à partir d'images des objets les plus simples et les plus ordinaires trouvés dans chaque maison. .

Ainsi, chaque étudiant

V sous une forme ou une autre, il se tourne plusieurs fois vers l'étude de la nature morte tout au long de la période d'étude. Bien que les objectifs du travail dans les recherches graphiques de natures mortes changent

V Selon le thème pédagogique, les principes de base de l'image restent inchangés.

DANS À cet égard, le manuel examine de manière suffisamment détaillée à la fois les aspects théoriques et pratiques généraux du travail sur une nature morte, et questions spéciales concernant la collecte de matériaux naturels pour

L'aspect général des choses permet de créer une œuvre d'une haute vérité artistique, non inférieure en puissance à la peinture. Cela nous oblige à combler le vide dans l'étude de l'histoire du graphisme des natures mortes et à essayer de décrire la méthodologie d'exécution de telles images.

Le manuel couvre les principaux problèmes de représentation graphique de natures mortes rencontrés dans le travail des étudiants des universités d'art. Exemples de réussite solutions créatives de l'expérience des plus grands artistes des beaux-arts et des arts appliqués, l'histoire du métier d'art. Une grande attention est accordée à la présentation des caractéristiques de la représentation des principaux sujets de la nature morte, aux techniques de création utilisées

Et matériels. Lors de la préparation du matériel pour le manuel, l'expérience de l'enseignement du graphisme des natures mortes en Russie et à l'étranger a été résumée. L'analyse des œuvres des maîtres d'art a été réalisée en tenant compte de l'orientation générale du travail pédagogique à l'université.

DANS les avantages sont analysés comme noirs- mais blanc, donc images en couleur. Puisque ce manuel s'inscrit dans la continuité d'une série d'ouvrages précédemment publiés par l'auteur en noir et blanc

Et graphiques en couleur, les concepts théoriques de base sur les images graphiques sont présentés de manière sélective

Et délibérément. Cela vous permet de prêter plus d'attention à la présentation processus créatif, y compris les méthodes et techniques de travail pratique.

Introduction

La nature morte est l'un des genres les plus connus beaux arts. Il n’y a personne qui ne sache ce que c’est. Les natures mortes décorent les intérieurs de nombreux appartements, demeures et bâtiments publics. Les œuvres des artistes flamands Frans Snyders, Jan Veit, Jacob Jordans, ainsi que des artistes néerlandais Willem Heda, Willem Kalf, Abraham van Beyeren, créées en fin XVI-XVII siècles et qui connut un immense succès auprès de leurs contemporains, ouvrit la voie au genre de la nature morte dans l'art de nombreux pays. Les reproductions de leurs toiles sont encore remplies aujourd'hui librairies de nombreuses capitales du monde et départements de souvenirs des plus grands musées d'art. La joie et la complétude de la perception de la vie des fondateurs du genre des natures mortes continuent de ravir les amateurs d'art. La beauté sensuelle du monde matériel - sujet principal leurs recherches artistiques dans la nature morte. Chaque objet peint avec amour a une couleur, une texture et une forme uniques.

Beaucoup artistes célèbres enseignants Europe occidentale et la Russie

considérait les représentations de natures mortes comme la forme la plus importante d’éducation artistique. A.G. Venetsianov, comprenant le sens de la nature morte dans processus éducatif, j'ai fortement conseillé à mon ancien élève Les AA Alekseev, qui a remplacé le professeur d'art

V Pskov, tourne-toi vers la nature morte. « Tirons des tasses, des verres, des chandeliers, des chaises, des bottes, des gants, des pierres, des fleurs, des bêtises en papier et d'autres choses... » lui écrit-il.

en 1836, Venetsianov croyait que la nature morte naturelle dès les premiers pas

V l'art vous permet de voir et de comprendre le naturel de l'être.

Le frisson de la vie, préservé dans la nature morte, donne un sens particulier à l'apprentissage, révèle la beauté et la diversité, qui doivent être préservées dans une véritable créativité tout au long de la vie. Même une simple répétition par un élève de formes de matières dans une nature morte correctement mise en scène par un enseignant constitue une étape notable vers la réussite. « Plus l’imitation est consciencieuse, minutieuse et pure,

1 Savinov A.N. Alexeï Gavrilovitch Venetsianov. Vie et créativité. M., 1955, p. 155.

Plus une personne aborde une question avec calme, plus elle perçoit calmement ce qu'elle voit, plus elle est retenue dans sa reproduction, plus elle s'habitue à penser en même temps, et cela signifie plus elle compare ce qui est similaire et isole ce qui est différent, subordonne articles individuels notions générales, plus il sera digne de traverser les pores du Saint des Saints », a noté I.V. Goethe1.

Les graphismes de natures mortes ne peuvent être considérés sans liens avec la peinture de natures mortes. Ils appartiennent au même genre, à la fois en termes de caractéristiques de l'intrigue et de structure de composition, souvent presque identiques. De nombreuses feuilles graphiques sont une répétition de gravures sur toile maîtres célèbres pinceaux Cependant, les conventions de l'art graphique et les caractéristiques des matériaux graphiques permettent aux graphismes de natures mortes d'avoir leurs propres spécificités. langage artistique, ce qui donne à la nature morte graphique un charme caractéristique particulier. Ce n'est pas un hasard si les collections de natures mortes des bureaux graphiques de nombreux musées comptent des milliers de pièces. Expositions, dédié à l'histoire Les graphiques de natures mortes sont activement visités par les téléspectateurs. De nombreux amateurs d’art ont consacré leur vie à collectionner des natures mortes. Par exemple, il y a quantité énorme admirateurs des natures mortes de F.P. Tolstoï et les artistes de son entourage. Et il ne s'agit pas ici d'une "précision" particulière

1 Goethe I.V. Imitation simple de la nature, de la manière, du style // Collection. op. T.X.M., 1937, p. 402.

"ité" ou "similitude illusoire" des objets représentés, mais en accord avec la compréhension de la vérité dans l'art par le maître et son admirateur.

Mais qu’est-ce qui vous attire dans les graphismes de natures mortes ? Est-ce la pureté de l'usage des moyens expressifs, les conventions du langage ou la ligature des lignes gravées sur le métal ? Bien sûr, la texture magique ajourée d'entrelacs de lignes claires et de traits de différentes épaisseurs, recouvrant des compositions de natures mortes gravées, ne se retrouve jamais en peinture. Elle captive toujours le regard, entraînant le spectateur au plus profond des pages imprimées.

Le plumage des oiseaux, les écailles et la peau des poissons et des serpents sont restitués dans des graphiques si subtils que les images sont difficiles à reproduire, même dans l'impression moderne. Lors de la reproduction, les traits perdent de leur volume, les effets de lignes « disparaissant » sur le papier sont détruits, l'aspect stéréoscopique des traits épais sur les traits fins est perdu, etc. On peut dire que le « souffle » unique de la surface graphique originale disparaît. C’est dans la nature morte graphique, et notamment dans la gravure en noir et blanc, que commence la prise de conscience que la nature morte n’est pas une nature « morte ». Ce n'est pas un hasard si les Néerlandais et les Anglais appellent le genre de nature morte « quiet life », où le calme est manifestation externe vie spirituelle. Toute recherche formelle, et les graphiques y contribuent, doivent toujours viser à la divulgation figurative de l'objet représenté.

ème. Les exercices formels, présents dans toute école d'art, ne sont que la voie à suivre pour trouver de nouveaux moyens d'exprimer la nature.

Les objets que nous utilisons à la maison, lorsqu'ils sont représentés dans une nature morte, forment leur propre environnement et sont transférés dans une autre dimension. Combinaisons objets simples peut exprimer les sentiments les plus complexes et les plus sublimes d'une personne, évoquer des associations qui s'éloignent de l'essence matérielle des objets. Une nature morte est un message, parfois même un cryptogramme, qu'il faut démêler pour en comprendre l'essence. Le graphisme, en tant qu'art de l'abstraction, avec ses caractéristiques langage conventionnel, permet dans les compositions de natures mortes d'identifier des « constructions » complexes, médiatisées à partir d'une réalité spécifique, symbolisées aux multiples facettes connexions internes. Ces connexions, arrachées à l'environnement par un flux de lumière ou cachées dans des jeux d'ombres, forment un monde mystérieux, inhérent à chaque composition de sujet.

Nous savons que les lignes si largement utilisées en graphisme n’existent pas dans la nature. En représentant une image sur papier avec des lignes, nous créons déjà une situation qui, même avec tous les efforts pour atteindre la réalité, est initialement conditionnelle. Par conséquent, considérant la nature morte comme un genre unique qui nous permet de nous concentrer sur l'essence de nombreuses questions purement artistiques, nous devons comprendre qu'elles peuvent être résolues graphiquement de manière très inhabituelle et même

Radox. Ce n'est pas un hasard si au 20ème siècle. Les graphismes ont commencé à influencer de manière inattendue le développement de la peinture à travers la nature morte. Une comparaison des peintures et des graphiques de natures mortes représentées par des artistes cubistes le confirme avec éloquence. Tout cela nous amène à accorder une attention particulière aux natures mortes graphiques européennes du XXe siècle.

Lors de la présentation de l'expérience des maîtres d'art, présentée dans plusieurs chapitres du manuel, nous avons essayé de décrire les caractéristiques des solutions de trois variétés de natures mortes graphiques et de sept domaines principaux de l'intrigue de la pratique de la nature morte.

La couleur est utilisée dans les graphiques de natures mortes à la fois de manière très illusoire et abstraite. L'utilisation abstraite de la couleur vous permet de créer des compositions de natures mortes à caractère décoratif. Dans de telles compositions, le dessin laisse non seulement un large champ pour l'application de diverses taches de couleur, mais peut également constituer une structure de composition parallèle à la couleur. Dans les cas où la couleur des graphiques « coule » au-delà de la forme des objets, l’organisation compositionnelle des images est déterminée par le contour conscient des objets. Ce n'est pas un hasard si les graphismes comprennent des dessins et des gravures teintés à l'aquarelle, ainsi qu'une partie importante des images à l'aquarelle.

Le manuel utilise des œuvres de chevalet, de livre et de graphiques appliqués comme matériel d'illustration. Les spécificités de la publication permettent d'élargir l'illustration

matériau créatif à travers les œuvres de peinture, car la peinture de natures mortes a toujours eu une importance fondamentale pour le développement des compositions de natures mortes en graphisme. En outre, des exemples sont donnés dans l'histoire des arts décoratifs et pratique moderneétudiants des écoles supérieures des arts appliqués.

Le matériel d'illustration est sélectionné en tenant compte des capacités des étudiants universités créatives La Russie doit rechercher et étudier le patrimoine graphique des artistes nationaux et étrangers dans les musées et les bibliothèques. Dans le chapitre

dédié aux principaux sujets de la nature morte, attention particulière consacré au graphisme russe du XXe siècle, puisque cette période est l'apogée de l'art graphique en Russie.

Malgré la popularité universelle du genre des natures mortes, il pendant longtemps n’a pas été étudié en profondeur dans la littérature sur l’histoire de l’art. Seulement à partir du début du 20ème siècle. les musées ont commencé à accueillir des expositions de natures mortes assez importantes et scientifiquement attribuées, et des œuvres d'histoire de l'art remarquables sur les natures mortes ne sont apparues que dans les années 20 !1 De nombreux sous-genres de natures mortes attendent toujours leurs chercheurs.

1 Voir : Vipper B.R. Le problème et le développement de la nature morte. La vie des choses. Kazan, 1922.

BASES SCIENTIFIQUES DES GRAPHIQUES DE NATURE MORTE

La formation d'un artiste repose sur la connaissance dispositions scientifiques art. Les principes scientifiques du graphisme des natures mortes incluent généralement la perspective, les lois de l’optique et de la science des couleurs, les lois des proportions et la psychologie de la perception. Considérant que la plupart des dispositions scientifiques relatives à la représentation d'une nature morte sont suffisamment

prévues dans les manuels et manuels en art, ce manuel se concentre sur les spécificités de l'utilisation de trois principes scientifiques dans le graphisme des natures mortes : la géométrie constructions spatiales images graphiques sur un plan, principes d'utilisation du clair-obscur et de l'harmonie des couleurs dans le graphisme.

1. Géométrie des constructions spatiales d'images graphiques sur un plan

Le plus souvent et en détail dans les manuels de beaux-arts, des exemples d'une perspective linéaire sont donnés, comme pour souligner notre admiration pour les réalisations de la Renaissance. Cependant, dans les graphismes de natures mortes, les principes de la perspective linéaire sont pleinement utilisés dans une mesure limitée et les artistes ont peu de compréhension des autres systèmes de construction spatiale. Le concept de « planéité » en graphisme, qui existe chez les artistes, n'a dans la plupart des cas pas base scientifique. Ces mêmes

les concepts sont également présents dans travail éducatif. Tout cela ne contribue pas à une pratique réussie. Pour efficace activité créative Nous avons besoin de recommandations spécifiques pour construire des images à des fins diverses.

Nous tenterons de décrire les orientations fondamentales de la méthodologie d'obtention de constructions spatiales à différentes étapes du travail sur les graphismes de natures mortes.

Analyse mathématique des motifs géométriques les plus typiques du matériel graphique, réalisée par le célèbre russe

Les matériaux graphiques sont généralement divisés en « secs » et « humides » (dilués avec de l'eau). Usage divers matériaux et le technicien ouvre des possibilités inattendues à l'artiste en transmettant la texture d'un objet, son caractère et sa propre attitude à son égard.

Travailler un dessin selon la technique du « lavage » est extrêmement utile. Un lavis est un travail d'aquarelle utilisant une couleur sur le mouillé (encre, sauce, aquarelle). Lorsqu'on travaille longtemps avec cette technique, il est conseillé d'appliquer d'abord la structure principale du dessin avec de légers coups de crayon. Puis, en partant des endroits les plus clairs, chargez progressivement le dessin en intensifiant le ton. Mais cette technique peut être utilisée avec beaucoup de succès dans des croquis rapides avec un seul pinceau sans dessin initial au crayon. Un tel travail développe la capacité de voir la forme générale, le sens du ton, de sélectionner les bons moments de la vie, ce qui est très important pour un travail créatif sérieux.

Il est très utile d’alterner différentes techniques au cours du processus de travail. Les dessins à long terme doivent être dilués avec des croquis rapides, une technique au crayon - avec une technique au lavis ou au fusain, qui développe la vitesse de dessin, le sens de l'espace ainsi que le goût artistique.

Pastel (le pastello vient des pâtes italiennes - pâte ou pâte). On appelle ça du pastel matériel d'art pour le dessin. Les pastels se présentent sous forme de crayons de couleur ou de crayons sans monture, en forme de barres de section ronde ou carrée. Les crayons pastel sont pressés à partir d'un mélange finement broyé comprenant trois ingrédients : un pigment colorant, une charge minérale (de la craie ou un type spécial d'argile) et un liant (dans la plupart des cas, de la gomme arabique). Le pastel compte plus de mille six cents nuances. Le pastel est utilisé à la fois en graphisme et en peinture. Le pastel est souvent appelé dessin pictural. Il y a en effet beaucoup de chemin à parcourir depuis le dessin en trois couleurs jusqu'à une technique de peinture à part entière, populaire à l'époque baroque et tant appréciée des impressionnistes. Aujourd'hui, les pastellistes disposent de centaines de couleurs et de nuances, ce qui leur permet de créer des œuvres étonnamment émouvantes dans des genres variés.

Le XVIIIe siècle est l'apogée du pastel. Le pastel devient équipement indépendant et gagne une popularité particulière en France, où il a été utilisé par des artistes aussi célèbres que Boucher, Latour, Chardin, Greuze, Lyotard, Delacroix. L'artiste italienne Rosalba Carriera était une pastelliste exceptionnelle. Ensuite, le classicisme rejette résolument le pastel comme une technique trop délicate, pâle et manquant de lignes décisives.

La sanguine (français sanguine du latin sanguis) est un matériau de dessin fabriqué principalement sous forme de bâtonnets de kaolin et d'oxydes de fer. La gamme de couleurs de la sanguine va du brun au rouge proche. Avec son aide, les tons du nu sont bien transmis. corps humain, les portraits réalisés à la sanguine semblent donc très naturels. Pendant le travail, la sanguine peut être humidifiée et ainsi diversifier l'épaisseur et la densité du trait, et les lignes infructueuses peuvent être facilement éliminées. La sanguine convient à la technique de la grisaille (travailler différentes nuances d'une même couleur).

La technique du dessin d'après nature à la sanguine est connue depuis la Renaissance. A cette époque, la sanguine naturelle d'origine minérale (« craie rouge ») était utilisée en Europe. La sanguine moderne est artificielle.

La sauce est un matériau graphique obtenu en pressant de la suie ou de la poudre de charbon additionnée de colle végétale.

Sanguine - bâtons en argile kaolin purifiée avec des additifs spéciaux, donnant une variété de nuances rouge-brun. Bâtons de craie de couleur pastel.

Le charbon dans l'art, le matériel de dessin. Il est fabriqué à partir de fines branches cuites ou de bâtons rabotés de tilleul, de saule et d'autres arbres. Au 19ème siècle Le « charbon pressé » solide (fabriqué à partir de poudre de charbon, additionné de plantes et de colle) s'est répandu. Largement utilisé pour créer des dessins indépendants et des esquisses préparatoires, le fusain en tant que matériau attire les artistes avec sa texture veloutée de traits et sa capacité à combiner des effets de lignes et de tons dans une seule solution artistique.

Stylo-feutre (le mot vient de marque déposée"Flo-Master") est un outil d'écriture et de dessin dont la peinture coule d'un réservoir jusqu'à une pointe en matériau poreux (nylon ou feutre). Il a été importé du Japon en Europe par la société allemande « Edding » en 1960. Le 17 mars 1960, les feutres multicolores sont mis en vente au Japon. Les feutres font référence à plusieurs types d'ustensiles d'écriture : les marqueurs permanents, les marqueurs pour tableau blanc lavables, les surligneurs, les stylos capillaires et, en fait, les feutres. Ils diffèrent par la composition de la matière colorante, la forme et la fonction. N'existe pas terme général pour indiquer un feutre, en différents pays les noms de marque sont souvent utilisés à cet effet.

Crayon (du crayon turc "karadaљ") - une pierre noire - un outil en forme de tige fabriqué à partir de matériau d'écriture (charbon, graphite, peintures sèches, etc.) utilisé pour écrire, dessiner, dessiner. Souvent, pour plus de commodité, le noyau d'écriture d'un crayon est inséré dans un cadre spécial.

Crayons noirs et marrons (issus d'un ensemble de crayons de couleur) - ont une large gamme de tons. Convient aux compositions linéaires et tonales.

L'encre noire (allemand : Tusche) est une peinture à base de suie. Le mascara peut être liquide, concentré et sec sous forme de sticks ou de tuiles. Mascara noir haute qualité Il a une couleur noire épaisse et se détache facilement du stylo ou du stylo à dessin. Il existe également l'encre dite colorée (un type spécial de peinture liquide), qui est extrêmement rarement utilisée.

L'aquarelle est un matériau graphique dont les caractéristiques et avantages sont la transparence, la pureté et la saturation des couleurs. Les aquarelles peuvent être utilisées aussi bien sur papier sec que humide. La technique « brute » donne des effets de texture intéressants et inattendus.

Gouache, tempera - peintures couvrantes. Lorsque vous travaillez avec ces matériaux, vous devez vous rappeler leurs caractéristiques. La gouache se caractérise par de forts reflets, ce qui rend difficile la sélection d'un ton. La détrempe est plus intense que la gouache, donne une surface mate et veloutée et ne se dissout pas avec l'eau après séchage. Lorsque vous travaillez avec de la gouache et de la détrempe, il est recommandé d'éviter d'appliquer plusieurs fois une couche de peinture sur une autre, car lorsque la peinture sèche, elle se fissure et s'effrite.

>Nature morte

La nature morte est l'un des genres des beaux-arts, principalement la peinture. Dans les natures mortes, seules les choses du quotidien sont représentées, c'est-à-dire les choses quotidiennes et ordinaires, objets inanimés. Il peut s'agir de diverses denrées alimentaires, par exemple nourriture, vaisselle, livres, figurines, etc. Tout ce qui est vivant, naturel, naturel dans une nature morte devient inanimé, mort (français « nature morte » - littéralement « nature morte ») et est assimilé aux choses. Ainsi, pour devenir le sujet d'une nature morte, il faut cueillir des fruits et légumes, tuer des animaux et des oiseaux, capturer des poissons, des animaux marins, couper des fleurs. Les objets d'une nature morte sont volontairement regroupés dans un seul environnement, formant un monde de réalité artificielle, transformé à un degré ou à un autre par l'homme. L'artiste ne représente pas les choses « de la nature », car elles se trouvent à l'intérieur, mais les dispose au préalable conformément à la finalité sémantique et artistique.

Dans une nature morte, les choses sont montrées dans un état immobile, elles sont dans un espace intemporel conditionnel. Les choses sont données comme si gros plan, ils sont vus de près et examinés en détail. La composition agrandit la petite « taille » des objets d’une nature morte, les sort de leur contexte fonctionnel habituel. Étant arbitrairement et délibérément agencée, une nature morte contient toujours une sorte de message, une lettre secrète (cryptogramme). Les choses se transforment en symboles. Les significations de ces symboles et le contenu des messages sont très divers, mais le plus souvent ils sont de nature idéologique voire philosophique.

Le dessin a une signification indépendante dans l'art, étant un type de graphisme, et en même temps, tout type d'arts plastiques ne peut s'en passer, car le dessin est la base de la peinture et de la sculpture, des arts populaires et décoratifs, du design et de l'architecture.

Dans un dessin, une ligne est la forme la plus simple et élément principal images : Dans un dessin, une ligne est l'élément le plus simple et principal de l'image : a) comme indépendant élément artistique des images ; a) en tant qu'élément artistique indépendant de l'image ; b) comme base pour la construction du formulaire. b) comme base pour la construction du formulaire. Tissant diverses formes, la ligne peut être fine, élégante et dentelle, épineuse et colérique, tendre et veloutée. La richesse des matières graphiques permet à la ligne d'être extrêmement diversifiée.

Modélisation correcte du formulaire. Lorsque nous représentons la forme d'un objet, nous le faisons avec un crayon, traçons des lignes et les appliquons avec un certain rythme et dans une certaine direction. Lorsque nous représentons la forme d'un objet, nous le faisons avec un crayon, traçons des lignes et les appliquons avec un certain rythme et dans une certaine direction. Lors de la représentation d’une forme, les lignes doivent être tracées en fonction de la forme de l’objet. A noter que les avions n'ont aucune gradation ni modélisation. Si nous voulons représenter correctement la forme des objets, les lignes doivent être parallèles et ne pas détruire la forme, mais la révéler. Lors de la représentation d’une forme, les lignes doivent être tracées en fonction de la forme de l’objet. A noter que les avions n'ont aucune gradation ni modélisation. Si nous voulons représenter correctement la forme des objets, les lignes doivent être parallèles et ne pas détruire la forme, mais la révéler.

Un éblouissement n'est que le reflet d'une source de lumière. Représentation graphique les réflexes et les reflets sont le résultat d'une observation attentive des lignes et forme générale sujet, créé par la lumièreà la surface d'un objet. Sur une surface brillante, les contours de l'éblouissement lumineux sont nettement soulignés. Un éblouissement n'est que le reflet d'une source de lumière. La représentation graphique des reflets et des reflets est le résultat d'une observation minutieuse des lignes et de la forme générale d'un objet créée par la lumière sur la surface de l'objet. Sur une surface brillante, les contours de l'éblouissement lumineux sont nettement soulignés. Le contraste est prononcé pour créer la sensation de réflexion de la lumière. Les contours des zones mates sont plus doux et le contraste souligne le flou des hautes lumières. Le contraste est prononcé pour créer la sensation de réflexion de la lumière. Les contours des zones mates sont plus doux et le contraste souligne le flou des hautes lumières.

Objectif de la leçon :

Montrez aux élèves qu'une ligne peut exprimer l'état émotionnel et spirituel d'un dessin, apprenez-leur à voir que la technique du dessin est à la base de nombreuses écoles d'art que le dessin au crayon, au fusain, à la sanguine, à la craie et au pastel a conduit à une richesse exceptionnelle de techniques artistiques et techniques utilisées par de nombreux grands artistes.

Objectifs de la leçon :

Du développement:

Apprendre à voir un changement dans l'image du monde et l'image d'une personne, en plaçant les problèmes spirituels au centre, en leur subordonnant la capacité de décrire le développement des sentiments et des émotions.

Pédagogique:

Acquérir des compétences et expérience pratique en utilisant le motif, la couleur, le point, le ton, l'espace selon les spécificités structure figurative type spécifique et genre des beaux-arts.

Pédagogique:

Culture du goût artistique et esthétique, nécessité d'acquérir des connaissances sur les genres et moyens techniques leurs réalisations.

Visibilité et équipement :

Pour les étudiants : format A3, 3 crayons (T, TM, M), fusain, gomme.
Pour l'enseignant : présentation sur ordinateur (graphiques), dessin au tableau, blancs pour nature morte.

Littérature utilisée :

N. M. Sokolnikova - "La base du dessin", N. M. Sokolnikova - " Bref dictionnaire termes artistiques», Dictionnaire encyclopédique jeune artiste, I. I. Evdokimov - « Dessin », « Graphiques d'Europe occidentale des XVe - XXe siècles ».
moyens techniques de leurs réalisations.

Plan de cours :

Moment d'organisation - 1 min.
Explication nouveau sujet- 5 minutes.
Partie pratique- 5 minutes.
Travail indépendant- 18 minutes.
Résumé de la leçon - 1 min.

Progression de la leçon

1. Explication d'un nouveau sujet :

Aujourd'hui, dans la leçon, je vais vous présenter un genre d'art tel que la nature morte, nous ferons seulement connaissance avec une nature morte réalisée au crayon.
(Le dessin a une signification indépendante dans l'art, étant un type de graphisme, et en même temps, tout type d'arts plastiques ne peut s'en passer, car le dessin est la base de la peinture et de la sculpture, des arts populaires et décoratifs, du design et de l'architecture.
Le dessin est la base structurelle de toute image : graphique, picturale, sculpturale, décorative. Le dessin est un moyen de cognition et d'étude de la réalité.
De nombreux types de dessin diffèrent par la technique, les méthodes et la nature du dessin, le but, les genres et les thèmes. Le dessin peut servir à des fins éducatives et auxiliaires lors de la création d'œuvres différents types arts et décorer l’intérieur.

Annexe 1 (pour obtenir l'Annexe 1, veuillez contacter l'auteur)

En utilisant les mêmes outils de dessin : lignes, traits, taches- les artistes créent une perception diversifiée du monde. Tout dépend de la manière dont l'artiste utilise ces moyens d'expression artistique, de la manière dont il trace une ligne et place un point, dans quelle proportion il utilise la lumière et l'obscurité, de la manière dont il transmet l'espace, etc. Grâce au dessin, les pensées et les observations sont enregistrées. sur papier. Le dessin révèle l’attitude de l’artiste envers le représenté. L'écriture de l'artiste reflète son état d'esprit.

Le principal moyen expressif du dessin est doubler. La ligne capture l'insaisissable dans le mouvement de la vie. Tissant diverses formes, la ligne peut être fine, élégante et dentelle, épineuse et colérique, tendre et veloutée. La richesse des matières graphiques permet à la ligne d'être extrêmement diversifiée.
Les œuvres des plus grands maîtres du passé et des plus grands artistes de notre temps permettent de retracer l'histoire de l'évolution du dessin, de révéler les caractéristiques de leur méthode de création et capacités d'expression fonctionne avec le crayon, l'encre, le fusain, la sanguine, le pastel et d'autres matériaux graphiques.

Commencer justification théorique les règles de dessin appartiennent aux Egyptiens. Ils furent les premiers à établir des lois sur l'image et à enseigner certains canons. La formation aux techniques de dessin s'est déroulée dans deux directions. D'une part, le mouvement libre des mains a été développé afin que l'étudiant puisse facilement appliquer les principales lignes de contour avec un pinceau sur la surface du tableau ou du papyrus. En revanche, l'étudiant devait avoir une main forte et ferme pour gratter avec assurance le contour d'un dessin sur un mur pour une fresque, sur une pierre pour un bas-relief, etc.

Tous les types de techniques de dessin qui sont parvenues jusqu'à nos jours se sont essentiellement développées à la Renaissance en Italie. Même alors, le plomb, l’argent et d’autres métaux étaient utilisés dans le dessin. ardoises(épingles), graphite, crayon italien, sanguine, fusain, craie,pastel, et aussi matériaux liquides - bistre, encre, encre multicolore,aquarelle, badigeon. Peint avec de l'oie et du roseau L stylos, pinceaux sur papier blanc et papier de différentes couleurs, teintés et apprêtés. Tout cela a donné lieu à une richesse exceptionnelle de techniques artistiques et techniques.

La technique du dessin développée à la Renaissance a eu une forte influence sur les générations d'artistes suivantes et est devenue la base de nombreuses écoles d'art, qui ont développé leurs propres techniques techniques et artistiques pour travailler avec les mêmes matériaux.

Une personne rencontre des œuvres graphiques tout au long de sa vie. Dessins et gravures représentant des oeuvres d'art indépendantes et complètes, police de caractères dans un livre et sur une affiche, illustrations de livres, affiche, timbres-poste, illustrations de magazines et dessins de journaux, emballages pour une variété de produits, étiquettes diverses, affiches de théâtre et de cinéma, voyages et marques déposées et même des formes commerciales d'institutions - tout cela est un travail de chevalet et de graphisme appliqué.
Alors, que sont les graphiques ? Le mot « graphique » lui-même vient de mot grec"grapho" - "J'écris", "Je dessine", "Je dessine".

Le graphisme est donc avant tout un dessin, un art linéaire et strict, basé sur une combinaison du noir et du blanc, le papier lui-même étant blanc et le crayon, fusain ou autre coloration « sèche » étant noir.
matériel.
Le dessin peut être reproduit en de nombreux exemplaires en utilisant diverses techniques, à la fois fabriqués par l'homme et par la machine. Par conséquent, les graphiques peuvent être divisés en deux types : le dessin direct sur papier et les graphiques imprimés.

NATURE MORTE

Traduit de mot français"nature morte" signifie « nature morte ». C'est le nom donné à l'un des genres des beaux-arts. Les œuvres de ce genre représentent des objets entourant une personne - articles ménagers, nourriture, fleurs, fruits, etc. Ce genre est apparu au XVIIe siècle en Hollande et en Espagne, avant cela, il s'est développé en tant que partie ou élément de l'image (par exemple, dans les œuvres des artistes vénitiens des XVe-XVIe siècles). À travers la représentation des choses entourant une personne, l'artiste peut refléter les traits caractéristiques de son propriétaire, les signes extérieurs de la vie d'une certaine époque historique.
Dans l’histoire de l’art, deux principaux types de natures mortes ont émergé. D’une part, les choses parlent avant tout non d’elles-mêmes, mais de leur propriétaire. C'est comme une caractéristique indirecte de lui. L'homme est invisiblement présent sur la première photo, et parfois il semble qu'il vient de s'éloigner et qu'il puisse revenir immédiatement. Et la composition des choses ici est purement naturelle.

Tout ce dont je parle est projeté sur l'écran.

2. Partie pratique :

Les gars devraient voir à quel point il y a de belles lignes et des spots. Je montre tout au tableau.

Je montre au tableau des motifs qui sont un exercice technique extrêmement utile pour développer la main. Les figures doivent être exécutées dans l'ordre spécifié dans grandes tailles- avec un crayon doux, du fusain ou de la craie sur un tableau avec une main libre et non-stop, sans toucher la surface picturale.
La représentation des figures continue jusqu'à ce que la main se développe suffisamment pour que les figures soient obtenues correctement, facilement et en toute confiance.
Le dessin est particulièrement utile chiffres similaires au tableau car cela donne lieu à de larges mouvements libres mains et ajoute de la variété aux exercices.
L'essence de ces exercices devrait être rapide préhension et transfert correct ligne expressive la plupart traits caractéristiques motifs concernant la forme.

3. Travail indépendant.

D'un mouvement rapide du crayon, j'invite les enfants à créer eux-mêmes plusieurs vases. Nous devons féliciter ces gars qui font preuve de plus d’imagination. Meilleures œuvres il faut absolument le montrer. Commençons par dessiner une nature morte. Je montre tout au tableau et dis que la construction d'une nature morte peut comprendre 8 étapes.
Je parcours les rangées et j'aide à clarifier le dessin, je montre un peu d'ombrage, puis je l'accroche. travaux terminés, réalisé par d'autres élèves, je vous le rappelle : l'ombre tombante - la tache la plus sombre - est réalisée avec un crayon doux ; propre ombre- point sombre - le plan de la table est vertical. N’oubliez pas de dire ce que sont un éblouissement et un réflexe.

Afficher le travail au tableau
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Nous donnons des notes
Laissez-moi résumer la leçon
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