Fondements de la psychologie musicale Fedorovich Elena Narimanovna

8.2. Émotions musicales

8.2. Émotions musicales

N'importe lequel activité humaine accompagné d'émotions, provoque une attitude émotionnellement active ou passive.

Les émotions jouent un rôle dominant dans la musique. Ce rôle est prédéterminé par le son et le temps Ô la nature de la musique, capable de transmettre une expérience en mouvement, en cours de développement avec tous les changements, augmentations, diminutions, conflits ou transitions mutuelles d'émotions. La musique peut incarner une humeur humaine, non dirigée vers un objet : joie ou tristesse, gaieté ou découragement, tendresse ou anxiété. La musique peut transmettre côté émotionnel intellectuel et processus volontaires: énergie et retenue, sérieux et frivolité, impulsivité et élasticité. Grâce à cette propriété, la musique est capable de refléter caractère humain. La musique peut exprimer des pensées-généralisations liées au côté dynamique de la vie sociale et phénomènes psychiques: harmonie - disharmonie, stabilité - instabilité, pouvoir - impuissance humaine, etc.

La musique facilite la communication avec les personnes autistes, permet d'exprimer des sentiments sans mots, la musique peut faciliter la recherche du sens de la vie, augmenter l'estime de soi, encourager cours de groupe. Par conséquent, cela peut aider les personnes stressées à se détendre et celles qui sont hébétées à se remettre à l’action.

La musique est partout autour de nous. Dans de nombreux cas, la musique remplit le fond acoustique de nos vies, pour ainsi dire, elle arrange et masque les bruits qui seraient insupportables sans elle. Nous ne pouvons pas imaginer centres commerciaux sans musique, beaucoup d’entre nous ne peuvent pas s’en passer en voyage. La musique ici ne détend pas vraiment, mais elle permet de mieux gérer le stress.

La perception et l'interprétation de la musique ont un fort impact Emotionnel par personne en raison des propriétés du son. Le son transporte une quantité colossale d'informations pour une personne. A. Schnabel a écrit avec brio à ce sujet : « La vie est donnée au son dans l'homme ; en lui, le son est devenu un élément, une aspiration, une idée et un but... Il a été révélé à l'homme que le son qu'il créait était capable d'étancher la soif spirituelle et, évidemment, était appelé... à élever la joie et à soulager la souffrance. Ainsi est né le destin et le désir de l'homme de créer à partir de cette substance transcendantale, de cette vibration sonore, avec l'aide de son intellect, un monde toujours en mouvement, tangible et pourtant intangible... Nous appelons le résultat de cette créativité, qui n’est rien d’autre qu’une séquence de sons, de musique.

La musique dans notre culture. N'oubliez pas cependant que le compositeur souhaite transmettre quelque chose avec sa musique. L'écoute attentive de la musique, aussi bien classique que de divertissement, nécessite de la concentration, en refusant tout acte qui gênerait la réception. Le contenu de la musique, même s’il n’est pas exprimé en paroles, peut être fascinant. Pour les réaliser, il faut plonger dans les profondeurs des structures musicales, souvent situées en plusieurs couches. L'écoute nécessite un effort mental et conduit à des expériences émotionnelles.

Histoire de la musique - Période romantique

Puisque la musique sera silencieuse, nous pourrions nous sentir fatigués. Cependant, l'effort devrait nous donner une grande satisfaction, comme lire un livre, regarder un film ou une pièce de théâtre. Hevner, K. : Etudes expérimentaleséléments d'expression en musique. A. : La structure de la musique et la réponse émotionnelle. Le « romantisme » a été provoqué par des tensions sociales et politiques après Révolution française et les tendances nationalistes qui en résultent. Ce fut une période de pensée et d’action dramatique, marquée par des tensions entre capitalisme et socialisme, liberté et oppression, logique et émotion, science et foi.

Musique dans Société humaine devient un moyen actif et efficace de communication émotionnelle. La musique peut révéler les pensées, les sentiments, les expériences et les événements d’une personne. vie publique et des images de la nature, évoquent diverses associations.

Autrement dit, la musique incarne une diversité infinie expériences émotionnelles l'homme et toute la richesse monde spirituel humanité.

Cela a conduit à un changement dans la façon de penser des gens, en particulier des artistes créatifs. Il y avait une impatience générale à l'égard des règles et des restrictions du classicisme, et la musique se « révoltait » contre les pratiques de Mozart et de Haydn. L’objectif était d’être différent et individualiste. L'idéal pour un compositeur romantique était le reflet de son propres sentiments et d'émotions dans ses compositions afin d'inculquer certaines idées reçues chez l'auditeur. L'expression des émotions et le « pétillement » de l'imagination étaient l'objectif principal.

Centre activité musicale déménagea de Vienne à Paris, et les musiciens n'étaient plus attachés aux mécènes. Cependant, même si les compositeurs de cette époque n'écrivaient pas pour les classes populaires, leur musique s'adressait aux masses d'une manière bien plus grande. dans une plus grande mesure qu'auparavant dans l'histoire de la musique. La musique s'est de plus en plus séparée de vrai vie, exprimant la splendeur et la fierté de l'esprit humain. S'efforçant de capter l'audience, dynamique et personnalité brillante est devenu un atout important. De tels exemples peuvent être trouvés chez des personnes comme Liszt, Berlioz et Wagner.

Des propriétés du son telles que le timbre, le registre, le volume, l'articulation, la direction du mouvement de la mélodie, son accentuation en combinaison avec le tempo du mouvement se transforment en intonation musicale. Ce n’est pas une coïncidence si B.V. Asafiev a appelé la musique « l’art du sens entonné ».

Les propriétés de l'intonation musicale sont similaires à l'intonation de la parole, qui transmet le sens d'une déclaration. Cependant, les sentiments peuvent être exprimés de manière incomparablement plus complète par la musique que par les mots. Il est donc très difficile de traduire en forme verbale contenu musical. «Cette traduction sera inévitablement incomplète, grossière et approximative», écrit B. M. Teplov. La principale différence entre énoncé du discours et le discours musical est la manière dont le contenu et le sens sont exprimés. Dans le discours, le contenu est véhiculé à travers le sens des mots de la langue ; en musique - directement exprimé en images sonores. Si la fonction principale de la parole est la fonction de désignation, alors la fonction principale de la musique est la fonction de l'expression.(B.M. Teplov). Des pensées similaires sont exprimées par A. Schnabel : « Parmi tous les arts, la musique occupe une position exceptionnelle et incommensurable avec les autres types. Elle est partout un devenir et, de ce fait, ne peut jamais être « saisie ». Il est impossible de la décrire, il n'y a pas avantage pratique; on ne peut qu’en faire l’expérience… »

Le directeur du concert, ou « impresario », comme on l'appelait souvent, était également une figure importante du monde de la musique. Aux autres personne importante dans les coulisses de la musique, il y avait un critique musical. Fonction de la musique : Le romantisme servait encore une société complexe et aristocratique, comme c'était le cas de la musique classique. Le patronage aristocratique était moindre, mais la proximité d'un salon exclusif restait un environnement idéal pour les spectacles. Le spectacle n'était cependant plus réservé aux amateurs, car la musique romantique était généralement trop exigeante techniquement pour des interprètes non qualifiés.

En étudiant les questions liées à l'expérience musicale, B. M. Teplov tire les conclusions très importantes suivantes.

1. L'expérience de la musique est une expérience émotionnelle et agit comme un type de connaissance non verbale, comme une unité de « l'affect et de l'intellect » (L. S. Vygotsky). "Il est impossible de comprendre le contenu de la musique de manière non émotionnelle." Dans le même temps, l’expérience de la musique est associée à sa compréhension (c’est-à-dire la forme, la structure, la structure du tissu musical, etc.). C'est pourquoi comprendre la musique devient émotionnel. « La musique est une cognition émotionnelle » [ibid.].

À l’extérieur du cercle du salon exclusif se tenait un public nombreux, mais désorganisé et peu sophistiqué, qui aimait la musique. Les compositeurs romantiques ont constamment cherché à faire reconnaître ce fait. large public et dans leur désir de se faire reconnaître, ils étaient très sensibles aux goûts et aux aversions de ces mélomanes. Les interprètes, comme les compositeurs, avaient le désir d’être acceptables et d’éblouir le public. Les compositeurs étaient souvent d'excellents interprètes, comme Liszt et Chopin, qui écrivirent un grand nombre de des pièces virtuoses pour tester le public avec un écran technique.

2. Une expérience musicale est à la fois une expérience émotionnelle et cognitive. Vous pouvez découvrir la musique en utilisant d'autres méthodes et moyens de cognition : comparaisons avec d'autres types d'art, associations spatiales et de couleurs, idées, symboles. En combinaison avec d'autres moyens de cognition extra-musicaux, la signification cognitive de la musique est étendue jusqu'aux limites les plus larges. En même temps, la musique approfondit les connaissances existantes et leur donne une nouvelle qualité - intensité émotionnelle.

Le compositeur romantique a exprimé ses sentiments et ses convictions en écrivant de la musique pour s'exprimer dans des « documents d'art » personnels. L’Église n’était plus considérée comme la patronne de la musique, et très peu de musique était écrite à des fins liturgiques. Cependant, l'enseignement de la musique est devenu métier renommé. De nombreux conservatoires et écoles de musique d’excellente qualité ont été fondés pour former des musiciens interprètes et créatifs. De nombreux compositeurs et interprètes exceptionnels, tels que Liszt, Mendelssohn, Brahms et Schumann, étaient largement reconnus comme enseignants.

B. M. Teplov considérait la capacité d'une personne à expérimenter la musique comme un signe de talent musical, musicalité, et le noyau de la musicalité – « réactivité émotionnelle à la musique ».

Les musiciens véhiculent généralement la sphère des émotions en des mots différents, utilisés comme synonymes : sentiment, humeur, sensation, affect, excitation, etc. Les différences entre eux se manifestent dans l'intensité de l'expression de l'émotion : par exemple, la sensation est plus faible, l'excitation est plus forte.

Alors pour satisfaire besoins urgents V matériel pédagogique, ces compositeurs ont écrit des études et d'autres courtes pièces à des fins pédagogiques. Événements historiques: Louisiana Purchase, Monroe Doctrine, McCormick invente la faucheuse, le télégramme Morse, Daguerre crée les premières photographies, la ruée vers l'or en Californie, Darwin écrit « L'origine des espèces », « Guerre civile aux Etats-Unis", l'Allemagne unie sous Bismarck, Edison invente lumière électrique et un phonographe, X-ray découvre la guerre hispano-américaine aux rayons X.

Ou bien les différences deviennent stylistiques. « Affect » est utilisé en relation avec la théorie des affects dans la musique des XVIIe et XVIIIe siècles. ; « sentiment » - en relation avec l'orientation stylistique du sentimentalisme dans la musique du XVIIIe siècle. ; « sentiment, excitation, humeur » - pour caractériser la musique romantique du 19e siècle.

De plus, l'impact émotionnel et suggestif de la musique est associé au temps Ô la longueur morceau de musique. La théorie des affects dans la musique baroque européenne repose sur cette relation : un « affect », un sentiment est entretenu tout au long de l’œuvre entière ou dans sa grande partie. Cet affect peut s’intensifier ou s’affaiblir, mais il ne peut pas se transformer en un autre. Ainsi A. Kirchner dans son ouvrage " Musurgie universelle« donne huit affects que la musique doit évoquer : l'amour, la tristesse, le courage, la joie, la modération, la colère, la grandeur, la sainteté. C'est pourquoi les œuvres de J. S. Bach, associées au long développement d'un affect, ont une profonde impression émotionnelle sur les auditeurs.

Beaux-arts : Goya, Géricault, Corot, Turner, Delacroix, Millet, Daumier. James, Maeterlinck, Zola, Kipling. Philosophie : Hegel, Mill, Comte, Kierkegaard, Schopenhauer, Marx, Engels, Thoreau, Spencer, Huxley, Emerson, Haeckel, Hitzsche, Berson. Compositeurs éminents: Beethoven, Paganini, von Weber, Rossini, Schubert, Donizetti, Bellini, Berlioz, Mendelssohn, Chopin, Schumann, Liszt, Verdi, Wagner, Gounod, Frank, Smetana, Bruckner, Borodine, Brahms, Bizet, Moussorgski, Tchaïkovski, Dvorak, Grieg, Rimsky-Korsakov, Faure, Puccini, Volk, Mahler, Strauss, Sibelius, Czerny, Field, Elgar, Offenbach, Saint-Saëns, Massenet, Rubinstein, Rachmaninov, Scrabin, Albeniz, Gottschalk, McDowell.

Le XIXe siècle apporte de nouvelles découvertes : une musique capable de transmettre monde intérieur d'une personne, le développement ou la transformation de ses sentiments, devient la principale forme d'art que la littérature, la poésie et la peinture s'efforcent d'imiter. Ce n'est pas un hasard si la variété des épithètes images poétiques, des titres de programmes qui soulignent la nature des émotions musicales, se retrouvent dans les œuvres de F. Liszt, F. Chopin, R. Schumann, des compositeurs russes « The Mighty Handful », P. Tchaïkovski, etc.

Pratique et performance : la dynamique était plus évidente que le classicisme. Des changements plus mineurs dans les gradations de couleur et de volume ont été indiqués par des termes plus spécifiques. Les temppi étaient indiqués avec plus de précision à l'aide de marques métronomiques. Même le chef d'orchestre est devenu un interprète, dont l'instrument était gigantesque et capable de toutes les expressions romantiques. C’était l’époque des festivals à grande échelle. L’amour de la classe moyenne pour la musique a conduit à la création d’une société chorale. L'improvisation était généralement rejetée dans la pratique de la musique romantique, principalement en raison de la complexité de sa composition et de sa complexité. directions complètes activités.

Dans la musique du XXe siècle, malgré les tendances anti-romantiques, l'incarnation de nouvelles émotions se poursuit : anxiété, colère, sarcasme, grotesque.

En résumant ce qui précède, nous soulignons que la musique contient un riche spectre d’émotions différentes, parmi lesquelles : 1) les émotions vitales du monde environnant ; 2) des émotions adéquates aux émotions d'autres types d'art ; 3) émotions musicales spécifiques.

Plusieurs personnes, comme Chopin et Liszt, continuent à l’utiliser avec brio. Caractéristiques musicales exceptionnelles : il y avait des idéalistes romantiques et des réalistes romantiques. Les idéalistes insistaient sur le fait que la musique devait exister par elle-même, sans dispositifs extraguraux. Les réalistes étaient les champions de la musique programmée, estimant que la musique pouvait raconter une histoire, imiter les sons de la nature ou exprimer une scène visuelle. Certains compositeurs romantiques excellaient dans une virtuosité spectaculaire, qui s'exprimait à travers de brillantes performances techniques.

À cet égard, la complexité de l'étude du problème des émotions musicales et l'absence d'une théorie développée deviennent claires. En explorant la théorie du contenu musical, V. N. Kholopova propose la classification suivante les types les plus importantsémotions musicales.

1. Les émotions comme sentiment de vie.

2. Les émotions comme facteur d'autorégulation de la personnalité.

3. Émotions d'admiration pour la maîtrise de l'art.

D'autres compositeurs ont mis l'accent sur la proximité des formes miniatures et des textures fines pour exprimer leurs sentiments personnels. Il y avait des compositeurs dont le but était de faire l'éloge caractéristiques nationales et éveiller les sentiments patriotiques à l'aide du folklore, chansons folkloriques et en dansant. Il y avait aussi des romantiques qui évitaient les techniques nationalistes à la recherche d’un langage musical universel. Mais il y avait un concept qui unissait tous les romantiques, donnant à leur musique un sentiment d'unité : leur musique avait pour fonction principale de ressusciter les émotions.

4. Émotions subjectives d'un musicien en exercice – compositeur, interprète.

5. Émotions représentées dans la musique (émotions de l'image incarnée dans la musique).

6. Émotions naturelles spécifiques de la musique (émotions du matériel musical naturel).

Les émotions musicales restent liées aux émotions de la vie, mais s'expriment dans des images fantastiques. Dans ce cas, le principal est matériel musical naturel spécifique, qui inclut: a) sphère motrice-rythmique ; b) la sphère chantante ou vocale, transférée au son des timbres instruments de musique; c) sphère de parole ou de déclamation.

Toute musique romantique se préoccupe du problème de la création d'une tension musicale afin d'obtenir une intensification appropriée de la réponse émotionnelle. Les formes ne sont pas aussi précises et claires que dans le classicisme, mais se chevauchent souvent, vagues et souvent sans cadences fortes. Sections gros travaux souvent « se fondre » l’un dans l’autre. Il était également courant d'utiliser certains des mêmes matériel thématique dans chaque mouvement comme moyen de maintenir un caractère expressif constant. Les mélodies folkloriques étaient également utilisées dans la musique romantique.

Sphère motrice-rythmique affecte la périodicité rythmique, une variété d'accents, des pics et des points culminants mélodiques, le son des harmonies et diverses gradations de force sonore. Cette zone a un effet universel sur une personne, jusqu'à l'immersion dans un état d'hypnose.

Chant ou champ vocal comprend toute la gamme des intonations de la voix humaine et est continuellement mis à jour avec les intonations de la sphère vocale.

Les mélodies se caractérisent par l'intensité des sentiments personnels, parfois extrêmement longues avec des climax dramatiques et dynamiques. Rythmiquement, la musique est devenue plus intéressante. Des modifications du nombre de battements dans les mesures, des rythmes croisés, des syncopes, etc. se produisent souvent. Le tempo de la musique romantique n’est pas toujours constant, mais peut fluctuer pour produire un effet émotionnel. Riche Harmonie Fait un excellent usage du chromatisme, des tons non harmoniques, des accords modifiés et des accords plus larges. Le timbre ou la texture était lourd et épais.

Fondamentalement, il existe six caractéristiques musicales principales dans le romantisme. Subjectivité : La musique n'était pas objective comme dans période classique, mais il fallait le combiner avec des idées extramusicales. À cet égard, certaines musiques tardives de Beethoven étaient considérées comme un modèle pouvant être imité. Puisque la musique ne pouvait pas transmettre d'images ou d'idées, certains compositeurs ont eu recours à des dispositifs « objectifs » imitant les sons naturels. Une grande partie de la musique du XIXe siècle a une qualité sentimentale. Cependant, le compositeur romantique a cherché à valoriser cet aspect de sa musique. En utilisant le chromatisme dans les mélodies et les accords, la modulation et l'exploitation de la tension dans la musique, le compositeur devait maintenir l'auditeur dans un état d'anticipation pour longues périodes temps. Nationalisme : sur les compositeurs grande influence avait de forts sentiments nationalistes qui sont apparus après Guerres Napoléoniennes. Certains compositeurs étaient des parias politiques, tandis que d'autres prônaient l'amour pour leur pays. Les principaux domaines de la musique nationaliste au XIXe siècle étaient l'Allemagne, l'Italie, la France, Europe centrale et la Russie. La tendance de la subjectivité du compositeur à l'émotivité de l'auditeur était naturelle. Comme mentionné précédemment, les compositeurs ont eu recours à des dispositifs « objectifs » dans leur musique. Les dispositifs comprenaient des titres descriptifs, des formules mélodiques, des clichés harmoniques et des effets instrumentaux. Quiet Timbre : La disponibilité d’instruments de musique améliorés a permis aux compositeurs d’expérimenter de nouveaux effets orchestraux. Le timbre et la texture de la couleur orchestrale sont devenus plus évocateurs à mesure que le XIXe siècle avançait. L'utilisation du chromatisme et de la dissonance aboutit à un timbre orchestral très complexe à la fin du siècle : au début du siècle, les sections de bois doublaient souvent la longueur des cordes. Les cuivres étaient principalement utilisés pour « remplir » les passages les plus forts. Au milieu du siècle, les instruments à vent étaient associés à des cordes dans tous les registres. Les cuivres étaient couramment utilisés pour doubler d'autres parties et pour produire des passages plus forts. Dans la seconde moitié du siècle, chaque section de l'orchestre utilisait un équipement complet. Chaque section était généralement traitée sur une base plus égale. Émotivité : toute musique comporte un certain degré d’émotion. . Nouveau grandes formes: Poème symphonique, Sonate, Symphonie, Concert, Ballet, Ballade, Impromptu.

Sphère de parole ou de déclamation contient un matériel énorme et très émotionnel : intonations de demande ou de plainte, de peur ou de menace, de joie ou d'indignation, etc.

Les émotions naturelles spécifiques de la musique sont interconnectées avec celles représentées, c'est-à-dire avec les émotions de l'image incarnées dans la musique. Les émotions représentées sont des émotions image artistique, intention du compositeur. En comparaison avec les émotions naturelles spécifiques de la musique, elles sont symboliques, conventionnelles, ont le caractère d'une allégorie, d'une idée artistique.

Ainsi, les émotions musicales représentent « la hiérarchie des réactions artistiques humaines à différents niveaux, d'une humeur passagère, d'un « affect » local inspiré de la matière musicale (rythme, mélodique), à des éléments d'attitude, de vision du monde, évoqués par l'art de la musique, ses chefs-d'œuvre. La musique affecte une personne à l'aide de la généralisation émotionnelle qui s'y est développée au fil des siècles », souligne V. N. Kholopova. La généralisation émotionnelle incarne les idées esthétiques et éthiques de l'art. Basés sur une généralisation émotionnelle, des symboles représentant les émotions apparaissent dans la musique. À l'aide d'associations et d'allégories, l'idée d'un sentiment, d'un affect ou d'une humeur est inculquée. Les émotions musicales sont définies conception artistique fonctionne et influence la vision humaine du monde. "Les émotions dans la musique sont des émotions-excitation, des émotions-idées, des émotions-images et des émotions-concepts."

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Je les ai écoutés toute la soirée, puis je suis venu partager mes impressions : « Maman, qu'en penses-tu, « Doll Disease » est-elle une musique joyeuse ou triste ? - "Probablement triste." - « Ha ! Vous n’avez pas encore entendu « The Doll’s Funeral » !

Il y a exactement quatre-vingts ans, le jeune compositeur américain Samuel Barber commençait à écrire un quatuor à cordes. La deuxième partie de cet ouvrage a été reconnue par nos contemporains (le public de la BBC) comme « la plus triste travail musique classique”.

Nous avons créé notre propre playlist déchirante qui vous donnera envie de vous pelotonner sur le sol de la cuisine et de pleurer dans une serviette. Alors imaginez la vie dans des tons sépia.

Samuel Barber : Adagio

À l'été 1936, Samuel Barber, 26 ans, alors en vacances en Europe, conçoit l'idée d'un quatuor à cordes. Molto allegro e appassionato – première partie, Molto adagio – deuxième partie, Molto allegro – Presto – troisième partie. Le jeune homme comptait se produire avec des amis. L'histoire en a décidé autrement, et l'Adagio, orchestré par le compositeur et envoyé par Arturo Toscanini, a apporté à son auteur une renommée assourdissante, même si la reconnaissance a également eu face arrière- dépression sévère.

L'Adagio a été joué pour la première fois à la radio en 1938 par le NBC Symphony Orchestra dirigé par Toscanini. Les critiques étaient mitigées.

"Une musique authentique, ennuyeuse et sérieuse - un anachronisme complet, sortie de la plume d'un homme de 28 ans en 1938 après JC !"

– Le journaliste américain Alex Ross cite l’intransigeante Ashley Pettis du Federal Music Project.

Le compositeur du petit West Chester, en Pennsylvanie, a créé une icône de tristesse universelle. Elle a pris une place de choix dans la galerie de ses incarnations les plus significatives. Dans le même temps, l’utilisation pragmatique du chef-d’œuvre de Barber n’a pas été niée : il a rempli à plusieurs reprises la fonction de requiem – pour la royauté, les politiciens et les sommités hollywoodiennes.

En 1945, le jour du décès du 32e président américain Franklin Roosevelt, l'Adagio de Barber fut joué.

Il n'est pas difficile de deviner que le compositeur a strictement interdit l'exécution de l'Adagio lors de ses propres funérailles, voulant au moins dans la mort jeter l'écrasante masse de renommée, lui semblait-il, infondée.

L'un des musiciens américains les plus éminents du XXe siècle, compositeur au don mélodique brillant, sous l'assaut des émotions en 1964, il détruit la partition de sa Deuxième Symphonie, dédiée à l'American Air Force - les troupes dans lesquelles il a servi pendant la Seconde Guerre mondiale. L'œuvre a été restaurée à partir des voix individuelles survivantes. Le sentiment que l'apogée de la carrière de son compositeur était arrivé trop tôt et que les œuvres ultérieures resteraient dans l'ombre de l'Adagio rongeait Barber.

La nouvelle génération a découvert Adagio dans le film oscarisé « Platoon » d’Oliver Stone, dans lequel Charlie Sheen a joué son premier rôle sérieux.

L'industrie cinématographique a contribué au fait qu'à un moment donné, Adagio, ou plutôt sa version mixée par des DJ, sonnait dans les boîtes de nuit. Les pionniers de la musique de club ont trouvé les harmonies hypnotiques de Barber attrayantes.

Il y a plusieurs années, le journaliste américain Thomas Larson a consacré un livre entier à Adagio : « La musique la plus triste du monde ». L’auteur en parle comme de « l’histoire intime d’un seul morceau de musique ».

Tomaso Albinoni : Adagio en sol mineur pour cordes, orgue et violon seul

Maître de l'époque baroque, créateur de dizaines d'opéras ( la plupart de perdu lors du bombardement bibliothèque d'Étatà Dresde), spécialiste vénitien dans le domaine de la musique instrumentale, n'a aucun rapport avec l'Adagio. Il existe de nombreuses lacunes dans la biographie d'Albinoni. Cependant, on sait que l'un des canulars les plus réussis au monde culture musicale Le monde doit le XXe siècle à Remo Giazotto, auteur de nombreuses biographies de compositeurs et d'ouvrages sur l'histoire de la musique.

Selon une version, il avait entre les mains de minuscules fragments d'un manuscrit du deuxième mouvement lent d'une sonate inconnue appartenant à Albinoni. À partir de la voix de basse et de plusieurs fragments de la mélodie, l'Italien a reconstitué tout le milieu de l'œuvre et a publié la partition en 1958, en attribuant la paternité à son célèbre compatriote. Cependant, en 1965, Giazotto annonça qu'il avait écrit lui-même l'Adagio.

Il y a trop d’inconnues dans toute cette épopée. Giazotto n'a jamais présenté sa découverte au public. Il n'existe aucune trace de ses contacts avec la bibliothèque de Dresde, disent certains. Le critique ne pouvait s'empêcher de travailler systématiquement avec les catalogues saxons de Dresde, puisqu'il écrivait une monographie consacrée à Albinoni - autres objets.

D'une manière ou d'une autre, Adagio a gagné en popularité. Le chef d'orchestre italien Ino Savini (1904-1995) a orchestré l'Adagio et l'a lui-même interprété pour la première fois dans la ville tchèque d'Ostrava en 1967 avec l'Orchestre Philharmonique de Janáček. La progression d'accords soutenue par l'orgue, les cordes lugubres, le thème désespéré du violon solo, la note tragique du morceau avec l'idée d'adieu, le moment d'irréversibilité - tout cela a été apprécié par les rockers et les pop stars des tailles différentes. Des tonnes de remix ont pris d’assaut le sommet de toutes sortes de charts.

Parallèlement, l’Adagio d’Albinoni, au même titre que l’Adagio de Barber, s’est solidement imposé dans la playlist des cérémonies de deuil.

Lacrimosa du Requiem de Mozart

Cette fois, il s’agit directement de musique rituelle – une messe funéraire basée sur un texte canonique.

« Triste est le jour où il se lèvera de la poussière pour le jugement homme pécheur. Alors aie pitié de lui, ô Dieu, miséricordieux Seigneur Jésus ! Donnez-lui la paix. Amen,"

– chanté dans la partie Lacrimosa. Comme pour l'Adagio d'Albinoni-Giazotto, la question de la paternité se pose ici. Comme vous le savez, le sacré Mozart n'a pas eu le temps de terminer le requiem. Par une coïncidence mystique, cela s'est avéré être sa dernière création. Wolfgang Amadeus est décédé subitement et a été enterré au cimetière Saint-Marc de Vienne dans une fosse commune avec des vagabonds et des mendiants.

Dans Lacrimosa, Mozart ne possède que huit mesures, et cela ne fait aucune sensation. Même un étudiant école de musique peut parler en détail de l’élève du génie autrichien Franz Süssmayer, grâce au talent duquel l’une des œuvres les plus jouées de Mozart a été réalisée.

Le sujet de la co-auteur est un sujet très sensible pour le domaine de la musique classique dans son ensemble. Il existe de nombreux exemples d'œuvres inachevées qui ont été approchées à la fois par les contemporains des compositeurs, leurs plus proches collaborateurs et par des chercheurs d'autres époques - des fragments de partitions sont tombés entre leurs mains des siècles plus tard. Chaque expérience similaire est considéré de manière purement individuelle.

Le Requiem, complété par Süssmayer, ne pouvait éviter la controverse. Pierre de fondation dans de telles discussions est inchangé : tout d’abord, la relation entre l’ampleur du talent de l’auteur et l’individu qui propose sa version finale du plan original est discutée.

Classiquement, ils peuvent être divisés en deux groupes d’antagonistes. Les premiers percevaient Süssmayer comme un musicien qui, s'il ne s'élevait pas au même niveau que son grand professeur, s'arrêtait à deux pas. D’autres, au contraire, reprochaient à Süssmayer sa légèreté et son épigonisme.

De plus, tant dans le cas du requiem que dans d’autres œuvres inachevées, il est possible que d’autres éditions paraissent à notre époque. Par exemple, pour l'un des festivals art contemporain« Territoire », l'actif Teodor Currentzis a chargé des compositeurs vivants d'écrire leur propre version du finale du Requiem de Mozart.

Henry Purcell : « Didon et Enée », finale

L'opéra du compositeur anglais Henry Purcell occupe l'une des premières places dans la catégorie des opéras baroques les plus populaires. Le livret est basé sur la pièce « Brutus d'Alba ou les amants enchantés » du poète Nahum Tate et poème épique« L’Énéide » de Virgile (la citation « Craignez les Danaens qui apportent des cadeaux » vient de là).

Le personnage principal est le cheval de Troie errant Énée, descendant des rois, favori des dieux - Aphrodite et Apollon. Le brave guerrier, naufragé au large de Carthage, est chaleureusement accueilli par la reine Didon. Purcell prive son héroïne d'émotions amour heureux, ne lui laissant que de sombres airs mineurs : dans le premier alarmant Ah Belinda I am Pressed with Torment - une prémonition d'un désastre imminent, un accomplissement fatal imminent. Les fonctions du destin sont assumées par des sorcières qui détruisent le bien-être apparent des amants.

Un esprit envoyé sous les traits de Mercure assure à Enée la nécessité de poursuivre son voyage vers l'Italie. Obéissant, le héros dit à son équipe de se préparer pour la route et quitte Didon. La fière reine décide de se suicider.

La Lamentation de Didon (Quand je suis couché sur terre) ou « Lamentation de Didon » est le point culminant tragique de l’opéra. Didon dit au revoir à la vie. " chant du cygne» sont interprétés de manière très différente. Par exemple, la diva noire Jessie Norman dans le rôle de Didon est une grosseur, une véritable Amazone, capable d'écraser toutes les forces hostiles, que ce soit le diable lui-même en chair et en os. Son image de la reine de Carthage est créée dans des couleurs sombres, dans laquelle il y a un lien avec l'autre monde.

Il est difficile de croire qu’une femme dotée d’une telle force spirituelle puisse faire preuve de faiblesse.

Gustav Mahler : Symphonie n°10

Nous étions en 1910. En phase terminale, sentant l'imminence de sa mort, Gustav Mahler travailla sur la Dixième Symphonie. Il contient un adieu à la vie. La mort respirait dans son cou. Le 18 mai 1911, Mahler décède. Le 22 mai, il a été enterré dans un cimetière près de Vienne, dans la ville de Grinzing.

Le public a appris l'existence du manuscrit de la Dixième Symphonie plusieurs années après la mort de son auteur. Mahler envisageait une structure en cinq parties avec un nom révélateur Purgatorio (« Purgatoire ») au milieu. Cependant, seul l'Adagio qui ouvre la symphonie est suffisamment développé.

Le chef d'orchestre Leonard Bernstein, qui a marqué le début de la renaissance de la musique de Mahler au XXe siècle, était d'avis qu'il était impossible d'accepter aucune des reconstructions ultérieures du Dixième (et de telles tentatives avaient été faites). De nombreux musiciens modernes partagent ce point de vue, tout en soulignant que l'Adagio démontre quelque chose de nouveau pour le compositeur. étape créative, sur de nouvelles solutions stylistiques.

Ceci n'est qu'une infime partie de la playlist. Nous proposons également d'inclure :

Claudio Monteverdi – Lamento della Ninfa, Lasciate mi morire
Giacomo Puccini – « Tosca », la romance de Cavaradossi E lucevan la stèle du troisième acte, finale de l'opéra
Wolfgang Amadeus Mozart – Concerto pour piano n° 23, deuxième mouvement
Edvard Grieg – « Peer Gynt », « La Mort d'Ose »
Franz Schubert – cycle vocal « Winterreise »
Gustav Mahler – Adagio de la Neuvième Symphonie, Adagio de la Troisième Symphonie, Adagietto de la Cinquième Symphonie, « Chant des enfants morts »
George Frideric Handel – Sarabande en ré mineur
Dmitri Chostakovitch – Symphonie n°5, Largo
Piotr Tchaïkovski – Symphonie n°6 (« Pathétique ») Adagio lamentoso
Philip Glass – La loi des poètes
Sergueï Prokofiev – Mort de Juliette du ballet « Roméo et Juliette »
Witold Lutoslawski – Lacrimosa
Jean-Sébastien Bach – Komm susser Tod
Arvo Pärt – Cantus à la mémoire de Britten pour orchestre à cordes et cloches
Arvo Part – Da Pacem Domine
Edward Elgar – Sospiri
Edward Elgar – Sérénade pour cordes, deuxième mouvement
Richard Strauss – « Métamorphoses »
Valentin Silvestrov – Symphonie n°6