Belediye Çocuk Eğitimi Eğitim Kurumu "Çocuk Sanat Okulu" Pugachev
E-posta: *****@***com
Favori Bach -
Bach'ın hayatımdaki çoksesliliği
Danışman:
özel piyano
Pugaçev 2013
Bach benim için değerlidir, sana nasıl söyleyebilirim ki,
Bugün müzik yok demek değil.
Ama çok saf bir kristal
Grace henüz bize göstermedi.
N.Ushakov
Dolayısıyla Bach'ın yaşamının son on beş yılı boyunca tüm bu konuların Leipzig Bach çevrelerinde tartışıldığından emin olabiliriz. Öncelikle kavisli fiziksel uzay-zaman kavramının çok eski olduğunu unutmamalısınız. Bu, tarih öncesi çağların en eski gökbilimcilerinin, bizim saf insanlarımızın duyusal algı Evreni büyük ölçüde çarpıtarak, dünyanın sonsuz derecede geniş uzaya sahip bir dizi ayrık nesneden oluştuğu ya da eylemin temel biçiminin doğrusal hareket olduğu yönündeki yanlış fikre yol açar.
- Çalışmaları 18. yüzyılın ilk yarısına kadar uzanan ve Barok dönemine ait olan Alman besteci, orgcu. Bu, Bach'ın eserlerinde çoksesliliğin en yüksek çiçek açtığı zamandır.
"Müzik, uygun ve hoş sesleri akıllıca seçme, bunları birbirleriyle doğru bir şekilde birleştirme ve güzel bir şekilde icra etme bilimi ve sanatıdır..." - ünlü teorisyen Johann Matteson böyle yazmıştı.
Tam tersine, eski gökbilimciler dünyanın geometrisinin o kadar da düz olmadığını, aslında küresel olduğunu biliyorlardı; ve bu, gezegenlerin ve diğer olayların hareketini yöneten astronomik döngülerin giderek artan bir dizisinin keşfine yansıyor. Bu, Platon'un Timaeus'unda bildirildiği gibi, gökyüzünün ve canlı organizmaların uyumlu oranlarının ve evrenimizin bir bütün olarak uyumlu bir şekilde düzenlendiğinin incelenmesine yol açtı. Bu Öklid karşıtı geometrinin ilk biçimi midir? yani tümdengelim aksiyomlarına değil, fiziksel ilkelerin keşfine dayanan bir geometri.
Dolayısıyla Bach'ın çoksesliliği, Rameau ve takipçilerinin düz düşüncesinin aksine, bu kavisli evren kavramına dayanmaktadır. Tıpkı saf Ptolemizm'i uygulayan günümüzün "bilgi teorisi dersleri" gibi. Kepler iki tane yaptı önemli sonuçlar: Birincisi, canlı organizmaların formlarında, gezegenlerin hareketlerinde ve ayrıca müzik sisteminde bulunan armonik oranların kökeni, tamsayıların apaçık özellikleriyle değil, daha ziyade temel fiziksel özelliklerle bağlantılıdır. Bir bütün olarak evrenin geometrisi.
Bach'ın zamanında müziğe sanat olarak değil, bir çeşit çeşitleme olarak bakıldığı çok az biliniyor. matematik bilimi. Müzik eğitimi zorunluydu. Her gün yapılması gereken dersler arasında şan dersleri de vardı. Kanter - öğretmen Alman okulu XVII. yüzyılda, Latince, matematik, şarkı söyleme, çeşitli enstrümanlar çalma ve hatta kompozisyon dersleri vermesine olanak tanıyan iyi bir müzik eğitimine sahip olması gerekiyordu.
İkincisi, oranlarda altınla ilişkili harmonik oranların her yerde bulunması Güneş Sistemi Aksi takdirde yalnızca canlı süreçlerde ve bunların ürünlerinde bulunan güneş sistemi, güneş sisteminin sabit bir varlık olarak değil, gelişen bir süreç olarak görülmesi gerektiğini öne sürüyor.
Güneş sisteminin organizasyonunun altında yatan, henüz keşfedilmemiş başka bir fiziksel prensibin varlığını öne sürdü ve dikkatini mevcut astronomik verilerdeki anormallikler üzerinde yoğunlaştırdı. Yıllar süren çalışmanın ardından Kepler, Mars'ın eliptik yörüngesini gösteren ve tüm bilimde devrim yaratan yeni bir değişken eğrilik fiziksel ilkesini ortaya koyan Yeni Astronomi adlı eserini yayınladı. O halde sistemin gelişen özelliklerini içeren değişimin daha yüksek özelliği nedir?
Ve okuldaki her öğrencinin notalarda ustalaşması ve notalardan oldukça karmaşık eserleri söyleyebilmesi gerekiyordu. "Okul operası" ve "okul draması" gibi türler bile ortaya çıktı; hatta bunları ben Kunau bile yazdım. Müzik eğitimi genel eğitimin temeli olarak görülüyordu.
"Kim bu sanatı biliyorsa iyi adam, her konuda yetenekli. Büyük reformcu Martin Luther, teoloji ve felsefeden sonra müziğe eşit olabilecek hiçbir sanatın bulunmadığına dair kesin kanaatim var” diye yazdı.
Kepler bunu gösterdi harmonik değerler herhangi bir gezegen yörüngesi çifti, bunların minimum ve maksimumları açısal hızlar Güneşten görüldüğü gibi müzikal aralıklar oluşturur. Ancak bu müzik aralıkları basit bir yapı oluşturmaz. harmonik serisi Rameau'nun temel akorları gibi ve tek bir müzikal diziye veya tona tam olarak uymuyorlar.
Güneş sistemi bu şekilde çalışmıyor, gerçekten çok sesli ve meşru yollarla uyumsuzluk yaratıyor. Böylece Kepler ve Bach'ın çoksesliliğinin doğruluğu, Tanrı'nın yüceliği ve mutluluğu için tesis edildi. insan zihni. Zarlino ts Kontrpuan sanatı.
Bu tür fikirler büyük ölçüde kalkınma yollarını belirledi müzik eğitimi Almanya.
Sadece çocuklar için ve gençlik yılları Sebastian en büyük büyüme döneminde düştü okul eğitimi Almanyada. Bach çok yetenekliydi ve kendisi için en iyi ortamı buldu. Dalları 16. yüzyıla kadar uzanan büyük bir müzik Bach ailesinden geliyordu - bu büyük bir müzik atölyesi. Bach ailesinin her çocuğu müzik okumak zorundaydı. Kilise orgcusu olan, şehir müzisyeni olan, amatör müzisyen olan ve gezici bir "shpilman" olan - bu çalan bir kişidir.
Bana, müziğin ikinci veya pratik kısmını takip eden iki kitapta tartışmak kalıyor. Bu, diğer iki ses için şarkı veya melodi bestelerinden oluşur. Uygulayıcılar buna kontrpuan sanatı diyorlar. Bu eserin ana çalışması kontrpuan olduğundan, öncelikle onun ne olduğunu ve neden böyle adlandırıldığını göreceğiz. Bu tanımlardan kontrpuan sanatının bize kompozisyonun çeşitli unsurlarını tanımayı, sesleri orantılı ilişkiler ve zamanlamayla düzenlemeyi öğreten bir disiplin olduğunu anlayabiliriz.
Küçük Bach, performanstaki ustalığı ve doğaçlamalarının zenginliğiyle hayran kaldı. Keman, viyola, klavsen ve diğer klavyeli enstrümanları çalıyordu ve bir koro, orkestra ve solistlere liderlik edebiliyordu. Armoni ve kontrpuanın temellerini bilen sanatçı, daha sonra çocuklarına ve öğrencilerine aktardığı tüm kompozisyon becerilerine sahipti. "Anna Magdalene Bach'ın Not Defteri", "Küçük Prelüdler", "İcatlar", "HTC'nin 24 Prelüd ve Fügleri" iyi bilinenlerdir. Bu eserlerin tamamı Bach tarafından küçük çocukları ve öğrencileri için pedagojik amaçlarla yazılmıştır. Bach'ın 20 çocuğu olduğu biliniyor. Birçoğu henüz gençken öldü ve dördü büyük müzisyen ve besteci oldu. Müzik onun dayanak noktasıydı aile hayatı müzikle yarattı ve yaşadı. Bach aynı zamanda yetenekli bir öğretmendi. Öğrencilerinin müzik zevkini sıkı bir şekilde izledi ve onları gerçekten güzel müziğe alıştırdı.
Müzisyenler bir zamanlar yalnızca birkaç nokta veya nokta bestelediler. Bu yüzden buna kontrpuan adını verdiler. Şimdi bir notayı diğerine karşı yerleştirdiğimiz gibi, bunlar da diğerinin karşısına yerleştirildi. Nokta tonu temsil ediyordu: tıpkı noktanın bir satırın başlangıcı ve sonu olması gibi, bir ses veya ton da melodinin başlangıcını ve sonunu işaretler ve kontrpuanın oluşturulduğu uyumu oluşturur. Bir ses diğerine karşı yerleştirildiği için buna kontrpuan yerine büyü demek daha mantıklı olabilirdi.
İki tür kontrpuan vardır: basit ve azaltılmış. Basit olan, yalnızca birbirinin karşısına yerleştirilebilen ünsüzlerden ve eşit nota değerlerinden μ oluşur. Azaltılmış kontrpuan, ünsüzlerin yanı sıra uyumsuzluklara da sahiptir ve bestecinin istediği her türlü notayı kullanabilir. Aralıklardan ya da birim uzaylardan gelir ve anlamı temposuna göre ölçülür. Kontrpuanın doğası gereği bu çeşitli sesler veya adımlar aynı anda yükselip alçalır ters hareket oranları ünsüzlüğe karşılık gelen aralıklar kullanılarak; Çünkü uyumun kökeni çeşitli zıt unsurların birleşmesinden gelir.
Müziği karmaşık, zor görünüyor ve o dönemin katı yasa ve kurallarına göre yazılmış. Aklın aktif katılımını gerektiren bu müzik, Çok dikkat, ilgi ve sıkı çalışma. Açıklanmasına ya da detaylandırılmasına gerek yok; bilmeniz gerekiyor. Bach'ın müziği katı bir matematiksel kalıba dayanmaktadır; karmaşık denklemler yüksek Matematik. Pek çok matematikçi ve fizikçinin, örneğin Einstein'ın onu sevmesinin nedeni budur.
Contrapungu şu durumlarda en iyi ve en eğlenceli olarak kabul edilir: görgü kuralları Süslemeler ve prosedürler incelikle kullanıldığında ve iyi kompozisyon sanatının gerektirdiği kurallara göre yapıldığında. Melodik aralık ile bir sesin veya adımın diğerine yaptığı sessiz geçişin kastedildiği belirtilmelidir; bu duyulabilir olmasa da anlaşılabilir bir durumdur. Bölüm 27.
Ancak, daha fazla güzellik ve çekicilik için bu arada uyumsuzluklar ikinci olarak kullanılıyor. Bu uyumsuzluklar tek başına hoş olmasa da, verilecek reçetelere göre doğru bir şekilde yerleştirildiğinde kulak bunları taşımakla kalmaz, onlardan büyük bir haz ve keyif alır. Müzisyen için çifte fayda var. İlkinden bahsedilmişti: onların yardımıyla bir ünsüzden diğerine geçebiliriz. İkincisi, uyumsuzluk, ardından gelen uyumun kulağa daha hoş gelmesine neden olur.
Sebastian 9 yaşındayken yetim kalmıştı; annesi öldü, bir yıl sonra da babası. Başlangıçta bağımsız olmak zorundaydı. 15 yaşındayken şarkıcı oldu ve zaten "36 koral"dan oluşan bir koleksiyon yazmıştı ve 18 yaşında kilise orgcusu oldu ve ilahi törene bağımsız olarak eşlik edebildi. O zaman bile sayısız yetenek, büyük bir zeka gösterdi ve hiç kimse onun dehasından şüphe edemezdi. Mütevazı, bireysel, bağımsız ve son derece özel bir insandı. Belki de müziğini etkileyen şey çocukluğunun kaybıydı, müziğinde çok fazla derinlik, hüzün, hüzün var. Ama ben neşeli bir insanım ve onun HTC'nin B-dur, Cilt I'indeki “D-minörde İki Sesli Buluş”, ”Prelüd ve Füg” gibi virtüöz eserlerini çalmayı seviyorum.
Nasıl ki ışık karanlıktan sonra göze daha hoş geliyorsa, tatlıların tadı da acıdan sonra daha hoş geliyorsa, kulak da bu uyumu büyük bir zevkle kavrayıp takdir eder. Her gün kulağın uyumsuzluktan rahatsız olduğu deneyimini yaşıyoruz. Kısa bir zaman, ondan sonraki uyum giderek daha hoş ve hoş hale geliyor. Bu nedenle, eski müzisyenler bestelerin yalnızca mükemmel ve kusurlu ünsüzleri değil aynı zamanda uyumsuzlukları da içermesi gerektiğine inanıyorlardı; çünkü yaptıkları işin onlarla birlikte, onlarsız olduğundan daha büyük bir güzelliğe ve çekiciliğe ulaşacağını anladılar.
Bach öğretmenimin en sevdiği besteci olduğundan, birinci sınıftan beri yukarıdaki Bach koleksiyonlarının tümüne aşinayım. Bütün sınıf onun eserlerini çalıyor. Onun minuetlerini, polonezlerini, küçük prelüdlerini hatırlıyorum. Şu anda 5. sınıftayım ve HTC'nin ilk cildinden B majör Prelüd ve Füg üzerinde çalışıyoruz. Ancak daha önce oynamış olduklarımdan yola çıkarak en sevdiğim buluş olan 4 numaralı d-moll'dan bahsetmek istiyorum.
Tamamen uyum oluştursalardı hoş etkiler yaratabilirlerdi ama yine de kompozisyonları bir şekilde kusurlu olurdu; ve bu, hem şarkı söyleme hem de kompozisyon açısından bakıldığında, çünkü bu uyumsuzluklardan kaynaklanan büyük zarafetten yoksunlardı. Her şeyin yolunda gitmesi için bunları düzenli, normal bir şekilde kullanmaya dikkat edilmelidir. Fügü başlatan ses, ister katı ister serbest olsun, orkestra şefi, onu takip eden ses ise sonuç olarak adlandırılır.
Bu sesler minimal ya da yarı-serbest bir dinlenme ya da başka bir artık ile birbirinden ayrıldığında, ortaya çıkan fügler, parçaların birbirine yakınlığı nedeniyle en anlaşılır hale gelir. Sesler zaman içinde birbirine yakın olduğunda kulak aralarındaki ilişkiyi daha iyi anlar ve bu nedenle besteciler füg yazımında bunları mümkün olduğunca korumaya çalışırlar. Ancak bu yakın taklidin sürekli uygulanması o kadar genel bir üslubun oluşmasına yol açmıştır ki, farklı besteciler tarafından binlerce kez kullanılmamış bir füg modeli bulmak imkansızdır.
Basitten karmaşığa doğru ilerlediğim için onun tarzını zaten hissediyorum, dilini anlıyorum ve artık füglerinin “kara metninden” korkmuyorum çünkü yanımda öğretmenim var ve o bana içsel olanı nasıl göreceğimi ve anlayacağımı söyleyecek. her sesin hayatı.
http://pandia.ru/text/78/435/images/image006_1.jpg" align = "left" width = "672" height = "299">
Çalışmamızda belirli bir çeşitlilik elde etmek için bu yakın taklidi nadiren kullanalım ve bu nedenle çok yaygın olan sonuçlardan uzaklaşacağız. Daha taze fügler yazmak için tüm yaratıcılığımızı kullanalım.
Müzik el yazmaları en güzel tasarlanmış el yazmalarından bazılarıdır Geç Orta Çağ. Sadece sanat tarihi için önemli değil, aynı zamanda müzik tarihi için de son derece değerlidirler; çünkü horbook'lar Aşağı Ülkeler ve Kuzey Fransa'da o günün müzik üretiminin benzersiz bir genel resmini sunar.
Temanın uzunluğu iki çubuktur. Hızlı, enerjik, yukarı doğru fırlıyor, aniden küçültülmüş bir yedinciye düşüyor ve hatta özel bir gerilim katan harmonik VII art. ile; ve atlama hemen aynı hızlı aşağı doğru hareketle dolar.
İki ölçüyü koşarak geçen tema, ikinci ses tarafından aynı tonda, aynı ruh halinde yakalanır, ancak birinci sesteki tema bitmez, keskin, inatçı sekizinci notalarla ters yönde yakalanır. ve spazmodik hareketleriyle temayı daha da heyecanlandırır ve ona daha da büyük bir yoğunluk ve enerji verir. Ama hepsi bu kadar değil - tema ilk sesle ve aynı tonda tekrarlanıyor - ne tutarlılık, ne birlik! Aşırı dikkat gereklidir.
Peter Imhoff, takma adı Petrus Alamir'dir. ünlü aile Muhtemelen müzisyen ve nota yazarı olarak eğitim aldığı Nürnberg'deki tüccarlar. O gitti Gelişmemiş ülkeler Ailesindeki tüccarları takip ederek, aralarında Avusturyalı Margaret ve Dük Charles of Arc'ın da bulunduğu ünlüler için cömert müzik el yazmaları yarattı. Ayrıca çeşitli Avrupa sarayları ve güçlü tüccarlar ve bankacılarla kişisel temasını sürdürdü. Bu, el yazmalarının Avrupa çapında yolunu bulmasına yol açtı.
Sergide üçlü bir fatura yer aldı Uluslararası konferans"Çokseslilik ve festival alanında yeni bakış açıları." Dünya prömiyerleri yüzyıllardır toz toplayan başyapıtlardan oluşuyordu. Seyirci on iki günlük bir yolculuğa çıktı müzikal keşifler yürüyüşler, öğle yemeği konserleri, akşam konserleri ve gece etkinlikleriyle.
Bach, bir temayı geliştirirken çoğu zaman onun en canlı motifini alır ve ona dayalı sürekli bir hareket yaratır. İÇİNDE bu durumda zihnin yükselişi ve düşüşüdür7. Ve temayı sırayla geliştirerek ve mind7'yi b7'de bırakarak: A - B düz (7-8 bar), ardından m7'de: G-A (9-10 bar) ve tekrar m7'de: F-sol (11-12 bar) ve M7: E-F (13-14 bar), sanki temanın “ateşini”, gerilimini yumuşatıyor, onu hafif Fa majöre yönlendiriyor. Ancak bu aralıksız harekette motifler arasında bir diyalog “duyarız”: üst seste 7-10. ölçüler ve alt seste 11-16. ölçüler - bu da Fa majör kadansına yol açar.
Arvo Pärt muhtemelen en ünlü ve olağanüstü besteci Estonya ve ülkesinin bu ödüle layık görülen ilk bestecisi dünya çapında tanınma ve bugün bile en orijinal temsilcilerden biri olarak kült statüsünün tadını çıkarıyoruz. modern müzik Dünya çapında. Peart'ın çalışması üç aşamaya ayrılabilir. Onun erken çalışmalar Shostakovich, Prokofiev, Ligeti, Lutowlawsky ve Stockhausen'in etkisini açıkça gösteriyor.
Bu stil aynı zamanda ritmik durgunluk, düşük dinamik tercihi, açık aralıklar ve geleneksel üç telli desen ile de karakterize edilir. Bu "neo-ortaçağ" besteleri, sadelikleri, düşünceli ruh halleri, manevi auraları ve zamansız bir boşluktan ortaya çıkan eski ve yeni müziğin unsurlarını zahmetsizce birleştiren içgözlemsel mistisizmleriyle ayırt edilir.
Bach'ın tarzının özelliklerinden biri, bir hareketin doruk noktasının bir kadansa dönüşmesiyle ortaya çıkar.
Burada her bir motifin bağımsızlığını, hareketi bozmadan, çokseslilikte esas olanın sürekli akışkanlık olduğunu göstermek gerekir.
Odak noktası 17.-18. yüzyıl bestecileridir. Önemli olan temanın uyumu ve güzelliği değil, çalışma boyunca gelişimi ve dönüşümüydü.
"Olgun" kompozisyon tarzını açıklaması istendiğinde Pärt, "Tintinnabuli" tarzından bahsetmeyi seviyor. Bu tek söz, duraklama ya da anlık sessizlik beni rahatlatıyor. Eser ve başlığı, ortaçağ keşişlerinin ayine giderken onurlu, ışıklı bir alayının izlenimini aktarıyor. Dini-resmi, arkaik gelen derin can sıkıntısının üzerinde, her zaman yaylılar tarafından emilen akıldan çıkmayan, mezmur benzeri bir tema duyulabilir.
Her tekrarda solist, basit zarafetin çeşitlemelerini çalarak temayı süsler ve sonunda ruhsal coşkuyla tutkulu bir doruğa ulaşır. İLE kademeli azalmaİşin yoğunluğu ve duygusallığı huzurlu ve ruhsal dinlenmeye döner. Bireysel seslerin eşit şekilde hareket ettiği, bağımsız bir karaktere sahip olduğu ve yine de bütünün başarısına katkıda bulunduğu çok sesli bir müzik veya kompozisyon tarzı olan çokseslilik, hiçbir zaman dikkate değer bir zafer kazanmadı. Bu utanç verici çünkü bu tür müziğe gereken ilginin gösterilmesi için söylenecek çok şey var.
Bu tür sürekli taklitlere kanonik veya basitçe kanon da denir.
Buluşun teması, katı bir melodi tarzı için tüm gereksinimleri karşılar - dalgalanma, genişlik, sıçramaların zorunlu doldurulması, ilahi.
Erken müzikte en önemli araç Anlatım, eklemlenme ve ritimdi.
Bach'ın döneminde verdiler büyük önem Bir melodiyi doğru şekilde bölme becerisine, buna intermotivik artikülasyon denir. Bir motifi diğerinden caesura kullanarak ayırmak için kullanılır. Motiflerin bölünmesi neredeyse fark edilmeyecek şekilde yapılır, önceki motifin sonunda ellerinizi klavyeden kaldırmayın, sakince bir sonraki motifin başlangıcına taşıyın.
Bu teknik Bach'ın çoksesliliğinde bulunur ve bu konuda ustalaşmak yeterlidir.
Motifler (7 tondan itibaren) zayıf bir vuruş süresinden güçlü bir vuruş süresine geçer, bunlara iambik denir.
Tüm tematik vurgular ikincildir iç yaşam Konular.
Bach'ın çoksesliliğindeki artikülasyon konularını dikkatle inceleyen profesör, iki kural türetti:
1. sekizinci (veya sekizinci) teknik, yani bitişik süreler farklı artikülasyonlarla oynanır. Örneğin, sekizlik notalar ve on altıncı notalar: sekizlik notalar (daha uzun süreler) staccato olarak çalınır ve on altıncı notalar legato olarak çalınır.
Buluştaki dinamikler oldukça melodiktir ve temanın motivasyon içi, doğal gelişimi ile bağlantılıdır.
İşin tek ve sıkı bir şekilde korunan temposu olmalıdır.
Triller gelişimde özellikle zorluk yaratır. Genellikle Bach'ta tüm süre dekorasyonla doludur, ancak burada temanın Fa majör ve La minörde işlediği, sanki A minördeki tekrarın sonunun habercisi gibi, dört ölçü için tril sesi duyulur. Ama önce hem harmonik A minör hem de melodik olarak renklendirilir.
Buradaki tema, sanki genel olarak, büyük ölçekte iki katına çıkarken, her şey de heyecanlanıyor, ancak karakteri sekizinci notalarla değil, uzun bir tril ile vurgulanıyor. Konuyu hafifletmek yerine kulağa hafif ve özgür gelmesi, kulağa uygun olması önemlidir.
Tekrarda, ses ve dinamik yükseliş temanın birden fazla tekrarı ile güçlendirilir ve enerjik, parlak bir kadans elde edilir.
Tema, sanki birbirini kesiyormuşçasına önce üst, sonra alt, sonra tekrar üst sesle girer - şimdi Sol minör armonikte, şimdi La minörde, şimdi Re minör melodik. Ve Bach bu tartışmayı... yoğunluğun zirvesinde bir toniğin ortaya çıkmasıyla yatıştırır, ardından dinamik bir gerilim boşalır.
Bach'ın sembolizmine dönersek her şey oradadır:
1. yukarı doğru uçuşlar - diriliş
2. dönüş şekilleri - gürültülü bir kalabalığın görüntüsü
3. altıncıya geçin – neşeli heyecan
4. vurgu zayıf lob(14 t.) – ünlem
5. trill - koşmak, eğlenmek.
Parmakların boyutlarının ve özelliklerinin aynı olmadığını biliyoruz. Bach, her iki elin parmaklarının eşit derecede güçlü olmasını ve çift notaların, pasajların ve trillerin icrasında aynı kolaylık ve saflıkla kullanılmasını sağlamaya çalıştı.
Bazı parmakların tril yaptığı, diğerlerinin ise temayı yönlendirdiği yerleri kolayca elde etmek için çok çalışmanız gerekiyor.
Temanın defalarca tekrarlandığı müziği çalmak zordur. Her yerde vurgulanması ve gösterilmesi gerekiyor gibi görünüyor ama her yerde mümkün değil.
Hazırlanmak zordur; birçok kazaya neden olursunuz.
Müzik zor olduğu kadar güzel de.
Her birini düşünmem, her birini duymam gerekiyor.
Bu çok zor, en önemlisi kafalarını karıştırmamak, kaos yaratmamak.
Elbette buluşun çeşitli baskılarıyla tanıştık ve okulun Busoni baskısını kullandığını biliyorum. Ama biz buluşla urtext kullanarak çalıştık ve eserin yapısını daha iyi anlayabilmem için eserde görünen tüm terimleri urtext'te farklı renklerle işaretledik. Çok sayıda kayıtlı prelüd müziği dinledik ve en önemlisi Glenn Gould'un performansını beğendik; bu benim hayal ettiğim icadın sesiydi.
Bach'ın nasıl ses çıkarması gerektiğini hâlâ tam olarak anlamıyorum, ancak karakter olarak yetkin, saf, özenli, katı ve güzel olması gerektiğinden eminim.
Ayrıca kısa, akıllıca ama anlaşılır bir şekilde konuşmaları hoşuma gidiyor!
İstatistiklere göre müzik artık dünyada en çok icra edilen müziktir. O en çok şeye sahip çok sayıda biyografi yazarları.
“Herkes onu tanıyor ve kimse onu tanımıyor! - büyük bir sır!
Brandenburg Konçertosu No. 2'nin bir kaydının 1977 yılında Amerikan gemisiyle uzaya gönderildiğini biliyor muydunuz? uzay gemisi Voyager, Bach'ın büyüklüğünün dünyalılar tarafından tanınmasıdır. Müziği yeni medeniyetlere doğru uçuyor.
tuşlara ayrı ayrı dokunun
hepimiz gri saçlı sanatçı tarafından yönetiliyoruz
Bach'ın dipsiz dünyasına giriyoruz.
O anda orgcunun parmakları gibi
iki siyah beyaz sürüyü korkuttu
Gri saçlı bir sanatçıyla dikenli bir dünyaya
sırrı anlamak için içeri girelim
Polifoni (Yunanca πολυ - “çok”, φωνή - “ses”), birkaç bağımsız eşit melodinin aynı anda ses çıkardığı bir tür polifonik müziktir. Bu, yalnızca bir sesin önderlik ettiği ve diğerlerinin ona eşlik ettiği (örneğin, Rus romantizminde, Sovyet toplu şarkısında veya dans müziğinde olduğu gibi) homofoniden (Yunanca "homo" - "eşit" kelimesinden) farkıdır. ana özellik polifoni - müzikal sunumun gelişiminin sürekliliği, akışkanlık, periyodik olarak net bir şekilde parçalara bölünmekten kaçınma, melodide tekdüze duraklar, benzer motiflerin ritmik tekrarları. Çokseslilik ve homofoni, kendilerine ait karakteristik formlar türler ve gelişim yöntemleri yine de operalarda, senfonilerde, sonatlarda ve konserlerde birbiriyle bağlantılı ve organik olarak iç içe geçmiş durumda.
Yüzyıllar içinde tarihsel gelişimÇok sesliliğin iki aşaması vardır. Katı stil - Rönesans'ın çoksesliliği. Sert rengi ve destansı yavaşlığı, melodikliği ve ahenkle ayırt ediliyordu. Büyük usta polifonistler O. Lasso ve G. Palestrina'nın eserlerinde var olan bu niteliklerdir. Bir sonraki aşama serbest stil çoksesliliktir (XVII-XX yüzyıllar). Melodinin makam ve tonlama yapısına muazzam bir çeşitlilik ve özgürlük kattı, armoniyi zenginleştirdi ve müzik türleri. Çok sesli serbest stil sanatı, J. S. Bach ve G. F. Handel'in eserlerinde, W. A. Mozart, L. Beethoven, M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, D. D. Shostakovich'in eserlerinde mükemmel bir düzenlemesini buldu.
Bestecilerin yaratıcılığında iki ana polifoni türü vardır - taklitçi ve taklitsiz (çok renkli, zıt). Taklit (Latince'den - “taklit”) - aynı temanın dönüşümlü olarak farklı seslerde, genellikle farklı perdelerde gerçekleştirilmesi. Bir taklit, konu tamamen tekrarlanıyorsa doğru, içinde bazı değişiklikler varsa hatalı olarak adlandırılır.
Taklit polifoni teknikleri çeşitlidir. Temanın başka bir sese aktarılması ve her sesin süresinin arttırılması veya kısaltılmasıyla ritmik bir artış veya azalma halinde taklitler mümkündür. Yükselen aralıkların azalan aralıklara dönüştüğü ve bunun tersinin de olduğu taklitler dolaşımdadır. Bütün bu çeşitler Bach tarafından Füg Sanatında kullanılmıştır.
Özel bir taklit türü kanondur (Yunanca "kural", "norm" kelimesinden gelir). Kanonda sadece tema taklit edilmekle kalmıyor, aynı zamanda devamı da yapılıyor. Bağımsız parçalar bir kanon şeklinde yazılmıştır (A.N. Scriabin, A.K. Lyadov'un piyano kanonları), parçalar büyük işler(S. Frank'ın keman ve piyano sonatının finali). A.K. Glazunov'un senfonilerinde çok sayıda kanon var. Opera topluluklarındaki vokal kanonunun klasik örnekleri - dörtlü “Ne harika an"Glinka'nın "Ruslan ve Lyudmila" operasından, Çaykovski'nin "Eugene Onegin" operasından "Düşmanlar" düeti.
Taklitsiz çokseslilikte farklı, zıt melodiler aynı anda duyulur. Rus ve oryantal tema senfonik resimde birleşti “İçinde Orta Asya"A.P. Borodina. Zıt çokseslilik, opera topluluklarında (G. Verdi'nin “Rigoletto” operasının son sahnesindeki dörtlü), korolarda ve sahnelerde (M. P. Mussorgsky'nin “Khovanshchina” operasında Khovansky'nin buluşması, A. Shaporin'in "Decembrists" operasında fuar).
İki melodinin polifonik kombinasyonu, ilk ortaya çıktıktan sonra yeni bir kombinasyon halinde verilebilir: sesler yer değiştirir, yani daha yüksek ses çıkaran melodi alt seste, alt melodi ise üst seste görünür. Bu tekniğe karmaşık kontrpuan denir. Borodin tarafından Glinka'nın "Kamarinskaya" operasındaki "Prens İgor" operasının uvertüründe kullanıldı (bkz. örnek 1).
Zıt polifonide, çoğu zaman ikiden fazla farklı tema birleştirilmez, ancak üç (R. Wagner'in "Die Meistersinger" operasının uvertüründe) ve hatta beş tema (Mozart'ın "Jüpiter" senfonisinin finalinde) birleştirilir. birlikte bulunur.
Çok sesli formların en önemlisi fügdür (Latince'den - “uçuş”). Fügün sesleri birbirini takip ediyor gibi görünüyor. Her ortaya çıkışında kısa, etkileyici ve kolayca tanınabilen bir tema, fügün temelini, ana fikrini oluşturur.
Bir füg üç ya da dört, bazen iki ya da beş sesten oluşur. Ana teknik taklittir. Serginin ilk bölümünde, tüm sesler sırayla birbirini taklit ediyormuş gibi aynı melodiyi (temayı) söylüyor: önce seslerden biri eşlik etmeden giriyor, ardından ikinci ve üçüncüsü aynı melodiyle takip ediyor. Bir temanın her icrasında, buna karşıt pozisyon adı verilen, farklı bir sesteki bir melodi eşlik eder. Bir fügde temanın bulunmadığı bölümler (ara bölümler) vardır. Fügün akışını canlandırır, bölümleri arasındaki geçişin sürekliliğini yaratırlar (Bach. Sol minör füg. Bkz. Örnek 2).
İkinci bölüm - gelişim, çeşitlilik ve yapı özgürlüğü ile ayırt edilir, müzik akışı istikrarsız ve gergin hale gelir, ara bölümler daha sık ortaya çıkar. Burada kanonlar, karmaşık kontrpuan ve diğer polifonik gelişim teknikleri var. Son bölümde - tekrar - orijinal kararlı karakter müzik, temanın ana ve benzeri tuşlarda bütünleşik uygulanması. Ancak çoksesliliğin doğasında olan hareketin akışkanlığı ve sürekliliği buraya da nüfuz ediyor. Tekrarlama diğer bölümlerden daha kısadır; genellikle müzikal sunumu hızlandırır. Bu strettadır - temanın sonraki her uygulamasının farklı bir sesle bitmeden başladığı bir tür taklit. Bazı durumlarda, tekrarlamada doku kalınlaşır, akorlar ortaya çıkar ve özgür sesler eklenir. Tekrarın hemen bitişiğinde fügün gelişimini özetleyen bir koda var.
İki, çok nadiren de üç tema üzerine yazılmış fügler vardır. Bunlarda temalar bazen aynı anda sunulur ve taklit edilir veya her temanın kendi bağımsız anlatımı vardır. Füg, Bach ve Handel'in eserlerinde tam çiçeklenmesine ulaştı. Rus ve Sovyet bestecileri opera, senfoni, oda müziği ve kantata-oratorio eserlerine füg dahil ettiler. Shostakovich, R. K. Shchedrin, G. A. Mushel, K. A. Karaev ve diğerleri tarafından özel çok sesli eserler - bir prelüd ve füg döngüsü - yazılmıştır.
Diğer polifonik formlar arasında aşağıdakiler öne çıkıyor: fuguetta (fügün küçültülmüş hali) - içeriği mütevazı olan küçük bir füg; fugato - senfonilerde sıklıkla bulunan bir tür füg; araya girmek; Sabit bir temanın tekrarlanan performansına dayanan çok sesli varyasyonlar (bu durumda, eşlik eden melodiler başka seslerde çalınır: Bach'ın passacaglia'sı, Handel, Shostakovich'in 12. Prelüdü).
Subvokal polifoni, Rus, Ukrayna, Belarus halk polifonik şarkısının bir şeklidir. Koro söylenişi sırasında şarkının ana melodisinden bir dal oluşur ve oluşur. bağımsız seçenekler melodiler - yankılar. Her ayette, yeni ve güzel ses kombinasyonları duyulur: birbirleriyle iç içe geçerler, sonra ayrılırlar, sonra baş şarkıcının sesiyle tekrar birleşirler. İfade Olanakları Subvokal polifoni Mussorgsky tarafından “Boris Godunov” da (giriş), Borodin “Prens Igor” da (köylü korosu; bkz. örnek 3), S. S. Prokofiev “Savaş ve Barış” ta (asker koroları), M. V. Koval oratoryoda kullanıldı. Emelyan Pugachev” (köylü korosu).
